청담 에르메스 바닥에 널브러진 레몬과 깨진 스크린 한가득, 왜?
아뜰리에 에르메스서 클레어 퐁텐 아시아 첫 전시
국적 다른 부부 예술가가 2004년 설립한 창작 집단
20년 간 '외국인은 어디에나(Foreigners Everywhere)' 시리즈
4월 개막하는 올해 베네치아 비엔날레 주제로 선정
소외된 것, 여성과 수많은 타자에 주목하는 작품들
클레어 퐁텐은 '맑은 샘'이라는 뜻의 프랑스어
마르셀 뒤샹처럼 '레디메이드'에 대한 경의와 차용
10점의 대표 작품들 6월 9일까지 전시
잘 익은 노란색 레몬이 바닥에 잔뜩 흩뿌려져 있다. 흙이 묻고 군데 군데 깨진 흔적이 남아 긴 세월을 버텼을 거라 짐작되는 여러 문양의 타일들. 빗물이 빠지는 도로의 배수로까지 재연된 이곳은 유럽의 여느 도시가 아니다. 21일 오후에 찾아간 서울 청담동 아뜰리에 에르메스 전시장이다.
클레어 퐁텐은 누구인가?
클레어 퐁텐은 한 사람이 아니다. 창작 집단이다. 영국 미술가 제임스 손힐, 이탈리아 이론가 풀비아 카르네발레 부부가 파리에서 활동하다 2004년 설립한 그룹의 이름이다. 이름만 잘 해석해도 이들의 예술세계를 짐작할 수 있다.클레어 퐁텐은 남성용 소변기를 뒤집어 놓고 '샘(Fountaine, 1917)'이라 이름 붙인 현대미술의 아버지 마르셀 뒤샹에 대한 직접적인 경의다. 마르셀 뒤샹은 '예술가가 차라리 아무것도 하지 않고, 일상적인 기성 용품을 새로운 측면에서 바라보게 하는' 레디메이드 장르를 개척한 인물.
듣자마자 여성이 떠오르는 단어인 클레어 퐁텐은 프랑스의 대중적인 문구 브랜드이기도 하다.
문구점 어디서나 쉽게 살 수 있는 빈 공책의 이름을 따온 건 신화적이고 영웅적인 예술가 상을 버리고, 스스로를 '레디메이드 아티스트'로 규정한 것이나 다름 없다. 이날 기자간담회에서 만난 카르네발레는 "우린 클레어 퐁텐의 조수들이다. 마치 카프카 소설 속에 나오는 도우미들처럼, 어른의 얼굴을 한 영원한 학생처럼, 끊임없이 욕망하는 불완전한 존재라는 의미"라고 말했다.
도용인가 차용인가
20년째 이들은 이민자, 여성 등 사회적 약자에 주목하는 다양한 작업을 해왔다. '외국인은 어디에나 있다' 시리즈는 이 문구를 여러 언어로 번역해 배치하는 방식. 지금까지 60여개 언어로 번역됐는데 모든 버전이 베네치아 비엔날레 전시장과 바티칸관에 전시될 예정이다. 이 중 영어와 이탈리아어, 프랑스어와 한국어 버전 4점이 아뜰리에 에르메스에 걸렸다.
전시의 제목인 '아름다움은 레디메이드'는 아름다움이라는 개념이 현대인들에게 '강요된 문화 코드'가 된 것에 맞서는 의미다. 안소연 아뜰리에 에르메스 예술감독은 "레몬이 보기에는 좋은데 막상 먹을 수는 없는 쓸모없는 존재라는 의미도 있고, 남부 이민자를 뜻하기도 한다"며 "클레어 퐁텐의 작품들은 익숙한 것들의 차용을 통해 현실을 직시하게 하는 힘을 가진다"고 말했다. 전시는 6월 9일까지. 김보라 기자
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미국 소비자들이 프랑스 명품 브랜드 에르메스를 상대로 집단 소송을 제기했다. 소위 ‘실적’을 쌓아야만 인기 제품을 구매할 수 있도록 제한한 판매 방침 때문이다.20일(현지시간) 로이터와 블룸버그 등에 따르면 미국 캘리포니아 소비자 두 명은 지난 19일 샌프란시스코 연방법원에 집단 소송을 제기했다. 에르메스가 한 품목을 판매하는 과정에서 다른 품목을 구매하도록 연계해 독점 금지법을 위반한다는 것이 골자다. 이들은 소송에서 “에르메스 판매원들이 버킨백 구매를 원하는 고객에게 신발, 스카프, 주얼리 등 기타 품목을 우선 구매하도록 강요했다”고 밝혔다. 다른 잡화류를 구매해야만 버킨백 구입 기회를 부여한다는 게 원고 측 설명이다.영국 유명 배우 제인 버킨의 이름을 딴 버킨백은 켈리백과 함께 에르메스 대표 상품이다. 이들 가격은 매장가 기준 수만달러에 달한다.원고는 에르메스가 소비자 선택권을 제한한다는 점을 지적했다. 에르메스 제품을 구입하려고 오프라인 매장에 방문해도 해당 제품은 진열돼 있지 않아 쉽게 볼 수 없다. 원고는 “에르메스는 버킨백을 구매할 가치가 있다고 판단하는 소비자에게만 개인 공간에서 버킨백을 보여준다”고 주장했다. 원고 측인 티나 카발레리 씨는 “버킨백 ‘접근권’을 얻기 위해 에르메스에서 기타 제품을 구입하도록 강요받았고, 이미 수천달러를 썼다”며 “에르메스로부터 ‘우리 사업을 지속해서 지원해준 고객에게 가방을 판매한다’는 말을 들었다”고 전했다. 이어 “판매원들은 부수 제품을 판매하기 위한 수단으로 버킨백을 활용하라는 지시를 받는다”고 밝혔다.원고는 금전적 손해배상과 함께 이 같은 판매 관행을 바꾸도록 하는 법원 명령을 요구했다.한경제 기자 hankyung@hankyung.com
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한없이 유하다가도 놀랄 만큼 강인한…韓할머니, 비엔날레 울렸다
누구나 간직하는 ‘할머니의 기억’이 있다. 거칠지만 따뜻한 손길, 소복이 쌓인 밥공기, 마당에서 익어가는 구수한 누룩 냄새…. 인생의 굴곡을 묵묵히 걸어온 할머니들의 굽은 등은 그 자체로 어렴풋한 ‘어떤 시절’을 소환한다.한국인만 공감하는 건 아니다. 세계 최대 미술 축제인 ‘베네치아 비엔날레’에서 한국 할머니들의 서사가 계속 환영받고 있어서다. 2019년 비엔날레 본전시에서 강서경 작가(46)의 ‘그랜드마더 타워’가 설치됐다. 다음달 열리는 올해 비엔날레엔 88세 원로작가이자 어린 시절의 기억으로 작품 세계를 이어가고 있는 김윤신이 그 바통을 이어받는다. 두 작가가 각자 삶의 기억을 표현한 방식은 딴판이다. 강서경은 실크와 실을 활용한 회화로 부드러운 굴곡을, 김윤신은 전기톱으로 원목을 깎아 만든 조각으로 단단하고 강인한 성질을 강조했다. 비슷하면서 다른 이들의 ‘할머니 기억’이 서울 소격동 국제갤러리에서 마침내 조우했다.“병중(病中)이셨던 저의 할머니와의 대화에서 받은 감동도 작품의 동기가 됐어요. 이건 한국인, 특히 한국의 모든 할머니 이야기죠.”강서경 작가가 5년 전 베네치아 비엔날레에 ‘그랜드마더 타워’ 연작을 출품하며 했던 말이다. 작가의 초기 대표작으로, 휘어있는 철사를 색실로 감아 쌓아 올린 조각이다. 민담 속 숱한 아리랑 고개를 넘어온 ‘꼬부랑 할머니’를 연상케 한다. 비틀거리지만 절대 쓰러지지 않는 모습은 마치 히어로물의 캐릭터 같다.강서경은 힘겨운 삶에도 굴하지 않았던 할머니에 대한 기억을 예술혼과 결부해왔다. 지난 19일 서울 소격동 국제갤러리 K3관에서 열린 개인전에서 선보인 ‘정(井)’ 연작도 마찬가지다. 가로 세로 격자를 비단으로 수놓은 회화에는 하루의 시름을 베틀로 짜내는 한 여인의 모습이 비친다. 이름도 얼굴도 나이도 알 수 없지만, 어떤 면에서 여인은 그 시절을 살아간 모든 할머니의 표상으로 해석된다.1977년생인 강서경은 일찌감치 세계적인 작가 반열에 올랐다. 이화여대에서 동양화를 전공하고 영국 왕립미술학교에서 유학한 뒤 현재 이화여대 동양화과 교수로 재직 중이다. 리움미술관, 필라델피아 현대미술관 등 굵직한 무대에서 개인전을 열었고, 베네치아·상하이·리버풀 비엔날레 등 국제 미술전에도 이름을 알렸다.이런 이력을 두고 순탄한 ‘꽃길’만 밟아왔다고 생각하면 오산이다. 2019년 베네치아 비엔날레 본전시를 계기로 해외 활동에 박차를 가하던 작가는 불현듯 찾아온 출산, 이어진 두 차례 암 투병으로 인생의 황금기에 작품 활동을 멈춰야 했다. 그리고 지난해 리움미술관 대규모 개인전 ‘버들북 꾀꼬리’로 화려하게 복귀했다. 이번 전시의 제목은 생명력이 감도는 3월을 맞아 행군하듯 다시 발걸음을 내딛는다는 의미의 ‘마치(March)’.대부분 신작 조각과 회화로 꾸려진 이번 전시는 강서경의 주요 개념 ‘정’을 중심으로 전개된다. ‘우물 정’ 한자처럼 사각으로 구성된 그의 회화는 조선 세종이 창간한 악보 <정간보(井間譜)>의 기호에서 영감을 얻었다. 음표가 모여 선율을 완성하듯, 각 네모 칸을 수놓은 비단이 모여 일종의 리듬감을 형성한다.모서리의 부드러운 곡선이 두드러지는 ‘정井-걸음 #02’(2023~2024)에는 할머니에 대한 작가의 기억이 투영됐다. 계단을 오르내리는 데 어려움을 겪은 작가의 할머니는 보행기에 의지해 걷곤 했다고. 둥근 호의 모양새는 이런 보행기의 형태이자, 힘겹지만 묵직하게 한 걸음을 내디뎠던 노인의 모습을 형상화한다.또 다른 연작인 ‘모라’는 음정의 최소 단위인 ‘모라(mora)’에서 착안했다. 혼자선 아무 의미를 갖지 않지만, 여러 음정이 섞이는 과정에서 의미를 형성하는 ‘시간성’에 주목했다. 어느 날 작가는 작업실 바닥에 깔아둔 투명한 아크릴 패널에 튄 물감에 주목했다. 패널을 모아 겹겹이 쌓으며 작품으로서 이름을 부여했다. 극도로 추상화된 이번 시리즈는 그 자체로 작가의 시간을 함축한 일기다. 할머니부터 손녀까지 시공간을 초월해 ‘우리의 시간’을 공유하기에 최적의 전시다. 지난해 작가의 리움 전시를 인상 깊게 본 관람객이라면 새로운 공간에서 새로운 관점으로 작품을 감상할 수 있는 기회다.1세대 여성 조각가 김윤신은 요즘 세계가 주목하는 작가다. 지난 1월 국제갤러리·리만머핀과 공동 소속 계약을 맺으며 생애 처음으로 상업갤러리와 인연을 맺었다. 다음달 17일 열리는 베네치아 비엔날레 본전시에도 한국을 대표하는 작가로 처음 리스트에 오른다.국내에서 그의 작품을 아는 사람은 많지 않았다. 1984년 아르헨티나로 이주해 줄곧 남미를 무대로 활동했기 때문이다. 이주를 결심한 이유는 남미의 울창한 숲에 반해서다. “나무는 살아 숨쉬고 있어요. 제가 나무의 질감과 색, 무게, 향을 전부 파악해야 하는 이유죠. 좋은 나무를 찾다 보니 지구 반대편 아르헨티나에 이르렀네요.”서울 소격동 국제갤러리 K1, K2관에서 열리는 개인전은 작가가 다시 한국으로 거점을 옮긴 뒤 선보이는 첫 전시다. 머나먼 타국에서 한국의 주류 미술과 단절된 채 쌓아 올린, 작가의 뚝심을 마주할 기회다. 1970년대 ‘기원 쌓기’ 시리즈부터 1980년대 이후 ‘합이합일 분이분일(合二合一 分二分一)’ 등 근작까지 51점이 걸렸다.1935년 이북 땅 원산에서 태어난 김윤신은 격동의 한국 근현대사를 정면으로 받아들였다. 태평양전쟁 시기 독립운동가로 활동했던 작가의 친오빠는 행방이 묘연했다. 설상가상으로 6·25전쟁 피란 과정에선 아버지와도 이별했다.프랑스 유학을 마치고 귀국한 작가는 유년기의 기억을 더듬으며 ‘기원 쌓기’ 연작을 내놨다. 손바닥 크기의 작은 나무 조각을 자르고 쌓은 형태다. 마을 입구를 지키는 장승, 옛사람들이 기도를 올리던 서낭당 돌무더기 등 전통 소재에서 영감을 얻었다.“전쟁으로 황폐해진 땅에서 질 좋은 원목으로 조각하는 건 꿈 같은 일이었어요. 무너진 가옥의 서까래 등 폐자재를 어렵게 구해다 썼죠.”작품세계를 관통하는 철학은 단절과 결합의 끊임없는 순환이다. ‘합이합일 분이분일’ 시리즈가 단적인 예다. ‘서로 다른 두 개가 하나 되고, 다시 이들이 각각 나뉜다’는 뜻이다. 제목이 암시하듯 그의 조각에는 나무의 거친 껍질과 부드러운 속살이 한데 어우러진다. 흩어진 가족이 언젠가 다시 모이길 바라는 간절한 ‘기원’을 비유한 것일 수도 있겠다.조각들은 한국의 돌 쌓기와 남미의 토테미즘이 뒤섞여 이국적인 분위기를 연출한다. 한국의 민간 신앙에 아르헨티나산 아름드리 목재를 결합했다. 물이 없는 건조한 자갈밭에 자라는 알가로보 나무, 겉껍질이 유독 얇은 팔로산토 나무 등이 단골 소재다.구순을 앞둔 나이에도 작가의 실험은 현재진행형이다. 요즘은 작은 나무 조각에 빨강 파랑 노랑 등 원색을 칠한 ‘회화 조각’에 몰두하고 있다. 회화 조각엔 작가의 유년기 기억이 반영됐다. 또래가 없던 시골에서 홀로 보낸 어린 시절은 김윤신의 일부가 됐다. 집 울타리 수수깡을 뽑아 색칠하며 놀던 소녀. 백발의 노인이 된 그는 나무 판자에 색을 칠하며 수수깡 놀이를 재현하고 있다.프랑스 유학 1세대, 남미를 떠돌며 스스로 이방인임을 자처한 작가는 올해 베네치아 비엔날레의 주제 ‘외국인은 어디에나 있다’와도 맞닿아 있다.“‘동서남북 작가’로 기억되고 싶어요. 지구 전부가 저의 전시 공간이라고 생각하고, 힘이 닿는 데까지 작품을 남기는 게 저의 남은 꿈입니다.”두 전시 모두 4월 28일까지다.안시욱 기자 siook95@hankyung.com
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50년 모래와 씨름한 그가 말했다, 난 그림자를 그릴뿐이라고…
사각의 벽돌들이 캔버스 위에 나란히 정렬한다. 수백 개의 벽돌은 어딘가는 튀어나오고 어딘가는 들어가고, 각각의 운율로 노래한다. ‘저 무거운 벽돌들을 다 어떻게 잘라 붙였을까? 벽엔 또 어떻게 걸었을까?’ 궁금해하며 다가가면 눈을 의심하게 된다. 사실은 평면이어서다.정교하게 그어진 선, 자연의 빛과 그림자를 평면 위에 거침없이 환영을 만들어내는 대형 그림들은 50년 넘게 모래와 싸워온 김강용 화백(74·사진)의 작품이다. 1970년대 극사실회화로 시작해 평면 위에 벽돌을 채워낸 작가는 이제 모래 전문가가 됐다. ‘벽돌화가’라는 수식어를 얻었지만 “난 벽돌을 그리는 게 아니라 그림자를 그리는 것”이라며 웃었다. 결과물도 놀랍지만 과정은 더 그렇다. 체에 걸러낸 고운 모래들을 캔버스 위에 펴 바르고, 스케치 없이 그려낸다. ‘오후 2시의 빛과 그림자’를 상상하며 그림자를 그리는 식이다. 지난 8일 서울 청담동 장디자인아트에서 개막한 개인전 ‘무한육면각체’에서 김 화백을 만났다.왜 벽돌만을 그리는가의 대한 답은 50년 전으로 거슬러 올라간다. 그는 1978년 홍익대 학부 졸업 당시 ‘사실과 현실’이라는 극사실회화 단체를 결성했다. 산업화가 한창이었고, 노동자들의 시위도 빈번한 때다. 풀과 벽돌을 쉼 없이 그렸다. 극사실 회화와 초현실 회화를 넘나드는 작품이 다수 탄생했다. 작은 풀들이 모여 숲을 이루고, 모래 한알 한알이 모여 벽돌이 되고 건축물이 되는 과정을 관찰했다. 한 사람 한 사람이 모여 세상을 이루는 것에 비유한 셈이다.어느 날 벽돌 더미를 그리다가 ‘본다는 것은 무엇일까’에 대해 질문했다. 그러다가 모래를 캔버스에 바른 뒤 벽돌의 그림자를 그려 나가는 독보적인 기법을 도입했다. 벽돌은 실재하는 사물이 아니라 그의 마음속에 그려진 상(像). 그렇게 추상과 구상의 경계를 넘나들고, 2차원의 회화를 3차원으로 확대하는 실험을 계속했다. 그의 그림 앞에 선 사람들은 여러 시점에서 보곤 한다. 까치발을 들어 위에서 내려다보는가 하면, 쭈그리고 앉아 아래에서 위를 보기도 한다. 오른쪽과 왼쪽으로 서서히 걸으며 평면 위에 펼쳐진 입체라는 환상에 빠져든다.▷모래의 색이 다채롭습니다. 물감을 섞지 않고 어떻게 작업하나요.“물감이 안 들어간 천연 재료들이에요. 나라와 지역마다 모래의 색깔과 굵기, 질감이 다릅니다. 한국 모래가 최고죠. 투명하고 여러 색의 규사가 섞여 질감과 색이 다양합니다. 그 모래들을 곱게 갈아 섞은 뒤 나만의 색을 만들기도 합니다. 접착제로 캔버스에 얇게 펴 바른 모래를 끌로 파내고, 그 자리에 다른 색상과 굵기의 모래를 집어넣는 작업도 합니다.”▷재료를 다 어디서 구합니까.“보통 한 달에 한두 번은 나가고, 서너 달에 한 번씩 가기도 합니다. 아내와 함께 ‘모래 채집 여행’을 다녀오기도 하고, 목포~부산~강릉을 돌아서 오기도 합니다. 그렇게 수십 년 다니다 보니 모래만 봐도 삼천포 모래인지 만리포 모래인지 바로 알 수 있지요.”▷점점 단순해졌습니다. 벽돌 한장을 그리는 경우도 있네요.“강렬한 에너지를 전달하고 싶었습니다. 벽돌 회화는 시각예술이 가진 고정관념을 깨고 싶었던 게 계기입니다. 존재하지 않는 것을 존재하는 것처럼 믿게 하는 것. 착시(일루전)라는 것을 평면에 도입해 추상과 구상의 경계를 넘어보려는 시도였죠. 다양한 색채로 에너지를 전달하는 방법을 찾고 있습니다.”김 화백은 1950년 전북 정읍 덕천면 산골에서 농부의 아들로 태어났다. 8남매 중 장남이던 그는 서너 살 무렵부터 그림만 그렸다. 아버지 몰래 호롱불 밑에서 그림을 그린 날이 허다하다. 초등학교 3학년 때 담임 선생님이 해준 칭찬 한마디가 그를 화가의 길로 이끌었다. 읍내의 배영중학교에 입학하고, 1학년 미술교사였던 나병준 선생이 그를 미술반으로 이끌었다. 미술반에서 두각을 나타냈고, 긴 설득 끝에 아버지로부터 서울 유학을 허락받았다. 서라벌예대 부속인 서라벌고에 차석 입학한 그는 1971년 홍익대 서양화과에 들어갔다. 단색화의 거장 고(故) 박서보 화백이 당시 지도교수. 1976년 군 복무를 마치고 복학한 그는 같은 해 특유의 첫 벽돌 그림 ‘현실+상(像)’을 발표했다. 1979년 극사실화로는 최초로 대한민국미술전람회 특선을 수상했다. 1999년 쾰른 아트페어에서 출품작이 전부 팔려나갈 만큼 인기를 끌면서 세계적으로 주목받았다. 이후 국제적인 아트페어에 다수 참여했다. 지금도 그는 양평 작업실을 매일 청소하는 걸 즐긴다. 대부분 작업을 조수 없이 혼자 하는 것으로도 유명하다. 먹고 자는 시간을 제외하면 아침 7시부터 새벽 1시쯤까지 온종일 그림만 그린다고.▷스승 박서보 화백과의 인연을 돌아본다면.“무척 엄하셨지만 그런 분이 계셨다는 것 자체가 행운이었습니다. 박서보 선생님이 주도한 ‘에꼴 드 서울’(정기 그룹전)에 갓 졸업한 저를 참여시켰고, 무엇보다 극사실주의 회화 운동 ‘사실과 현실’을 시작할 수 있게 독려했지요. 당시 한국 화단은 추상회화가 대세였어요. 사물 그대로를 정확히 재현하는 사실주의는 진부한 예술로 폄훼되던 때였습니다. 국제적으로도 활동하던 박 선생님이 “세계미술운동의 흐름은 극사실주의 회화”라며 잡지도 가져다주시고, 가르치셨어요. 큰 힘이 됐죠.”▷홍익대 교수 생활을 하다가 2004년 돌연 퇴직하고 10년간 뉴욕으로 떠났습니다.“1999년부터 홍익대 미술대학원이 생기며 전임 교수가 됐죠. 학생들과 소통하고 가르치는 건 즐거웠지만, 논문 지도하랴 내 그림 그릴 시간이 전혀 나지 않았습니다. 영어 한마디 못 했지만 더 늦기 전에 내 그림을 그리고 싶었어요. 브루클린 덤보의 한 오피스텔에 작업실을 차렸어요. 그러곤 2년 동안 집 밖에 안 나오고 작업실 가득 그림이 쌓일 때까지 몰입했습니다.”▷뉴욕 시기를 지나면서 그림이 밝아졌습니다.“맨해튼이 빌딩 숲인데 전부 벽돌로 돼 있더라고요. 벽돌 색깔이 다 다른데 그걸 매일 보며 영감을 얻었어요. 20년 넘게 모노톤으로 작업하며 모래색의 톤과 질감만 연구했고, 뉴욕에 살며 컬러 벽돌 그림을 그리기 시작했습니다.”▷그림을 그리는 것과 세상에 알리는 일은 달랐을 것 같습니다.“좌충우돌해야 하죠. 내 그림을 직접 보지 않고 어떻게 느낄 수 있겠습니까. 당시 프랫 인스티튜트의 저명한 평론가를 무작정 찾아가 문을 두드리고 ‘내 스튜디오에 한번 와달라’고 했어요. 흔쾌히 수락하더군요. 직접 와서 본 뒤 조금씩 길이 열렸습니다. 2006년 뉴욕 뉴호프 갤러리에서 전시 초대전을 했고, 그 인연으로 2008년 가나아트의 서울 전시가 열렸죠. 베이징에서의 초대전은 물론 2020년 성곡미술관에선 160여 점의 작품을 모은 대규모 회고전도 치렀습니다. 올해는 뉴욕 전시가 예정돼 있고요.”▷모래와 수십 년, 이제 지겹지 않으십니까.“수백 점의 작품 중 같은 그림은 단 하나도 없습니다. 오늘 그린 건 다신 안 그립니다. ‘세상에 없는 것, 누구도 하지 못한 것’을 하자는 신념으로 살았어요. 나에게 있어 화가란 미래를 그리는 사람입니다. 모래알 하나하나를 여러 시점에서 보는 감상자들에게 사유의 시간, 보는 행위의 본질을 전하고 싶습니다. 아마 죽을 때까지 모래 위에 그림자를 그릴 것 같습니다.”김보라 문화부 차장/사진=임대철 기자 destinybr@hankyung.com
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