한가로이 거닐고, 사색하니…'주말 선비' 된 듯 하오
퇴계가 학문 논하던
소수서원에서 사색
선비촌 고택 체험하고
금선정 계곡 위 명상
무섬마을 사대부 가옥
외나무길에서 하룻밤
나랏일 고심하던 부용대
영주와 낙동강 한눈에
조선 명종 때 풍수학자인 격암 남사고(南師古) 선생이 영주 소백산을 보고 말에서 내려 절하며 “이 산은 사람 살리는 산”이라고 했다는 건 잘 알려진 일화다. 소위 기 받는 풍수 명당이라는 뜻인데, 귀가 얇은 탓인지 그 말 듣고 난 뒤로 일이 잘 안 풀리거나 기력이 심히 쇠했다 싶을 때 영주 땅 한 번 밟고 나면 만사형통의 기운이 온몸에 샘솟는 것 같은 느낌도 든다.
퇴계의 기운 서린 곳 소수서원
소수서원 초입에 봉긋 솟은 둔덕은 마치 거북이 알을 품은 형상이라 해 영귀봉(靈龜峰)이라고 이름 붙은 명당이다. 소수서원 둘레에는 퇴계 이황이 유생들과 함께 거닐며 학문과 글을 논하던 솔숲에 노송이 줄지어 서 있다. 천천히 걷고 생각하기 좋다. 둘레길은 취한대~광풍대~소수박물관~영귀봉~소혼대를 잇는 약 1.3㎞ 구간이다. 1550년(명종 5년) 소수(紹修)라 이름 짓고, 명종이 직접 쓴 글을 현판에 새겨 하사한 우리나라 최초의 사액서원이라 의미가 더 깊다.고택 감상에 전통 문화체험 선비촌
소수서원에서 다리 하나 건너면 선비촌이다. 일종의 테마공원으로 조선시대 선비정신과 생활상을 엿볼 수 있는 고택과 체험 시설이 가득하다. 영원군수 두암 김우익 선생의 두암고택이나 사헌부 감찰을 지낸 인동 장씨 장말손의 종택인 인동 장씨 종택 등은 선비촌에서 가장 규모 있는 조선시대 가옥이다.계곡 위 정자서 명상 금선정
매력적 한옥 스테이 무섬마을
환상적인 아침 산책 영주호
시내가 한눈에 부용대
시내에 있는 관사골벽화마을 언덕에 부용대란 이름의 정자가 나온다. 부용대는 조선시대 일종의 회합인 부용계가 모이던 장소. 조선 인조 14년(1636), 영주에 사는 과거급제 인사 55인이 모임을 만들어 나라의 안위를 살피고, 나아갈 방향을 고심한 것이 부용계의 시작이다. 2013년 공원을 조성하며 부용계 비석을 모신 보호각과 부용계를 상징하는 정자를 새롭게 세웠다. 영주의 주산인 철탄산과 시내를 가로질러 흐르는 서천 풍경까지 모두 한눈에 들어온다.글=이선정 여행팀 기자
사진=한경매거진·한경DB
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‘텅 비어 있으나 꽉 차 있다.’한국 단색화는 이 한 문장으로 표현된다. 우리 단색화가 세계 미술계에서 하나의 장르로 인식된 건 이제 약 10년. 단색화는 원래 영어의 모노크롬(monochrome)을 한글로 옮긴 것에 불과했다. 그동안 단색조 회화, 한국의 모노크롬, 한국적 미니멀리즘 등 다양한 이름으로 불렸다. 지난 10년간 한국 단색화의 예술적 가치는 뒤늦게 다시 평가받았다. 이제 단색화는 한국을 대표하는 미술 장르이자 하나의 고유명사가 됐다. 세계 어디를 가도 미술에 관심 있는 사람들은 “I love Dansaekhwa(단색화). 박서보 정상화 하종현…”이라고 똑똑히 말한다. 지난달 베네치아비엔날레에서 만난 미국 뉴욕현대미술관(MoMA) 이사이자 이름난 ‘큰손’ 컬렉터 론티 이버스 아만트재단 대표도 그랬다.50년이 걸렸다. 단색화가 단색화로 불리기까지. 한국 단색화는 하나의 혁명이었다. 1970년대 정부 주도의 국전을 거부하고 ‘아방가르드’를 이끈 일련의 전위부대 작가들에 의해 시작됐다. 이는 어떤 동일한 목적의식을 가진 미술운동 차원이 아니었다. 화가 각자가 자신만의 형식으로 작품 행위를 했다. 내용과 주제, 선, 형태를 모두 거부했다. 애초에 형식과 질서를 추구하는 전통적 미술에 대한 반발로 시작됐다. 그들은 아무리 비판해도 생각을 굽히지 않았고(정상화), 안 팔려도 죽어라 그렸다(하종현).한국 단색화가 서양의 그것들과 다른 지점은 명료하다. 윤진섭 미술평론가의 말처럼 우리 단색화는 ‘물감을 쌓고 뜯어내고 점을 찍는 등 작가의 신체를 이용해(촉각성) 반복적인 작업(행위성)을 하고, 이를 통해 정신을 수양하고 탐구하는(정신성)’ 미술로 정의된다. 도공이 물레를 돌리고 석공이 돌을 자르듯 묵묵히 수행하는 한국적 정신인 셈이다. 그 정신이 낳은 색과 질감은 검정도 같은 검정이 아니고, 하양도 같은 하양이 아니다. 바라보는 이의 마음을 텅 빈 듯 가득 채운다.1970년대부터 지금까지 한국 단색화를 세계 무대에 올려놓은 1세대 단색화가 박서보 화백은 그래서 위대하다. 그가 “그 오랜 시간 단색화의 중심을 잡아준 덕분”(이우환)에 일본을 시작으로 세계 미술계에 한국의 정신을 알릴 수 있었다. 90세를 넘긴 박 화백을 그의 자택이자 작업실인 서울 연희동 ‘기지’에서 만났다.인터뷰 - 박서보 화백 대한민국 1세대 단색화 거장…"단풍色 화폭에 담으니, 새가 날아와 쪼아먹더라"“혹시 손상된 그림을 복원해줄 수 있겠습니까. 실례인 줄은 압니다만….”올해 초 박서보 화백(91·사진)은 뜻밖의 요청을 받았다. 수년 전 국내 화랑을 통해 그림을 사 갔던 아랍에미리트(UAE) 부호가 그림 수리를 요청한 것이다. 빨갛게 물든 단풍색을 담아낸 그림이었다. 사진을 보니 작품 한구석이 누가 물어뜯은 것처럼 뜯겨져 있었다. ‘자식 같은’ 그림이 다쳤다는 안타까움에 화가 치밀어 올랐지만, 이어지는 설명에 너털웃음이 나왔다.“그림이 걸린 방의 창문을 잠깐 열어 놨는데, 새가 날아들어 와 허겁지겁 쪼아 먹더군요. 맛있는 열매인 줄 알았나 봅니다.”지난달 서울 연희동 기지재단에서 만난 박 화백은 최근 겪은 일화로 말문을 열었다. 나무 벽화가 얼마나 사실적인지 새들이 부딪혀 죽었다는 통일신라시대 화가 솔거를 떠올리게 하는 이야기다. 게다가 박 화백의 작품은 뚜렷한 형태가 없는 추상화.“기꺼이 수리해준다고 했어. 새를 속이다니, 그 누구의 칭찬보다 기분이 좋아.”구순을 넘긴 박 화백은 국내외에서 끊임없는 찬사를 받고 있다. 한국 단색화를 대표하는 작가이자 최고 인기 작가로, 후학과 사회를 위한 기부를 아끼지 않는 ‘미술계 큰 어른’으로. 두 시간 동안 이어진 인터뷰에 그는 자신의 예술관과 지나간 인생사를 또박또박 풀어냈다. 봄꽃을 닮은 노란색 의상과 같은 색의 마스크는 그의 그림을 연상케 하는 또 하나의 작품이었다. 비움·체념·수행, 단색화를 만들다수행하듯 연필로 무수히 반복해 선을 그리는 박 화백의 ‘연필 묘법’ 연작은 그의 대표작이자 단색화 초기를 상징하는 작품이다. 그의 그림 중 최고가 작품도 연필 묘법이다. 1976년작 ‘№ 37-75-76’은 2018년 홍콩 크리스티경매에서 200만달러(약 25억원, 낙찰수수료 포함)에 팔리며 화제를 모았다.묘법의 개념이 박 화백 머릿속에 떠오른 건 1955년이다. 홍익대 미대 서양화과를 졸업한 그는 ‘최고 화가’를 꿈꿨다. 그러려면 최고의 그림을 봐야 했다. 고구려시대 거장 담징이 그린 벽화를 보기 위해 충남 수덕사를 찾았다. 숙소인 수덕여관에 마침 1920년대 신여성을 대표하는 문인이자 승려인 김일엽(1896~1971)이 있었다.“아버지가 독실한 불교 신자셨어. 좋은 예술가가 뭔지 승려에게 한번 물어보고 토론해야겠다 싶었어.”첫 대화는 실망스러웠다. 김일엽은 ‘수신(修身)하라’ ‘자신을 비우라’는 선문답을 이어갔다.“이 사람도 엉터리구나 싶더라고. 그래서 곯려줘야겠다는 생각으로 ‘당신은 부처님을 자주 만나냐’고 물었어. 그런데 돌아온 답이 ‘자주 만나는데 그게 나였다’는 거였지. 머리가 띵했어. ‘결국 답은 내 안에 있다’는 결론을 내렸지.”하지만 이때의 깨달음을 화폭에 구현하는 건 쉽지 않았다. 12년이 흐른 뒤에야 그 방법을 잡아낼 수 있었다. “네 살배기 둘째가 형이 글씨를 쓰는 걸 보고 흉내를 내더라고. 방안지 칸에 글자를 적으려는데 아무리 해도 안 되는 거야. 제풀에 화가 나서 종이에 마구 연필을 휘갈기더라고. 이게 바로 체념의 몸짓이구나, ‘비움’이구나 싶었어.” 그렇게 ‘전설’은 시작됐다. 서양 미술사에 없던 ‘수렴의 미술’문화권이 다른 서양에서도 단색화가 인기를 끄는 이유를 물었다. 박 화백은 “단색화가 서양 미술계에 없었던 ‘수렴의 미술’이기 때문”이라고 했다. 설명을 정리하면 이렇다. 서양 미술은 ‘인간 중심적 사고관’에서 출발한다. 그 핵심은 원근법이다. 중세 화가들은 원근법을 무시하고 신이나 예수, 성모를 더 크게 그렸다. 신이 모든 것의 중심이었기 때문이다. 하지만 르네상스 화가들은 ‘멀리 떨어지면 작게 보인다’는 인간의 시각으로 그림을 그렸다. 이후 자신의 생각과 관점을 작품에 표현하는 풍조가 자리잡으면서 인상주의를 비롯한 수많은 미술 사조가 태어났다.동양은 인간을 자연의 일부로 봤다. 인물화나 초상화가 아니라 산수화가 동양 미술의 주류인 이유도 여기에 있다. 예술은 수신(修身)의 수단이었다.“선비가 사군자를 치는 것처럼, 단색화는 자기 안으로 수렴하는 수신의 예술이야. 20세기까지 세계를 호령하던 서양 미술은 ‘발산의 미술’이고. 서양 시각에서는 단색화의 정신이 참신하게 느껴질 수밖에 없지.” "80세까진 나도 안팔리던 화가…세상 알아줄 날 꼭 온다"“정신의 깊이 담은 색, 스트레스 빨아들여”이렇게 만들어낸 ‘수렴의 예술’은 보는 이의 고통과 번뇌를 빨아들인다는 게 박 화백의 설명이다.“그림은 보는 사람의 괴로움을 ‘흡인지’처럼 빨아들이는 역할을 해야 돼. 특히 21세기처럼 스트레스가 많은 시대에는 더욱 그렇지. 이럴 때 서구의 파괴적인 작가들의 작품을 집에 걸어놓는 건 스트레스를 자초하는 일이야. 프랜시스 베이컨(1909~1992)을 봐. 그게 어디 그림인가, 폭력이지. 하하.”다만 아무 단색화나 ‘흡인지 역할’을 할 수 있는 것은 아니다. “단색화에서 가장 중요한 건 색이야. 색에 정신의 깊이가 담겨야 해. 예컨대 내 거무스름한 그림은 그냥 검은 색과는 달라. 평생 부엌에서 나무를 때고 밥을 하신 어머니를 생각하며 그렸어. 그 연기가 수십 년 쌓여 천장과 벽, 서까래에 거무스름한 자국을 남겼지. 그 색을 그림에 담은 거야.”2000년 박 화백이 ‘자연색의 아름다움’을 재발견한 뒤 시작한 ‘컬러 묘법’ 연작도 마찬가지다. 그는 “단색화에서 가장 중요한 건 색”이라고 거듭 강조했다. “나는 관념적인 색이 아니라 자연의 색을 그대로 담았어. 단풍이 절정에 달했을 때 시간과 빛의 각도, 공기에 따라 달라지는 색을 유심히 관찰한 뒤 수없는 시행착오를 거쳐 있는 그대로의 색을 재현하는 식으로. 나는 그걸 ‘그림 속으로 색을 유인한다’고 불러.” “용기 잃지 마라, 언젠가는 알아준다”박 화백은 부잣집에서 태어났다. 하지만 그의 삶은 순탄치 않았다. 대학생 시절 6·25전쟁이 터졌고, 부친이 갑자기 작고하면서 가세가 크게 기울었다. 인민군 치하의 서울에서 고향에 가기 위해 한강을 건널 때, 인민군 선무공작대에 끌려가 공산주의를 찬양하는 연극의 무대미술을 할 때 등 죽을 고비도 여럿 넘겼다. 전후에는 반도호텔에서 미군 얼굴을 그려 팔면서 학비와 생활비를 벌었다. 그는 “이때 고생이 예술을 성숙시키는 데 도움이 됐다”고 회고했다.홍익대 미대 교수이자 화가로 자리를 잡은 뒤에도 박 화백은 경제적인 풍요와 거리가 멀었다. 지금은 상상하기 어렵지만, 그는 오랫동안 ‘안 팔리는’ 화가였다. 2000년대만 해도 그의 작품 경매 낙찰가는 3000만원대를 맴돌았다. 2015년 이탈리아 베네치아 비엔날레 병행전시로 열린 ‘단색화’전이 주목을 받으면서 그의 작품 값이 천정부지로 뛰기 시작했다.“김창열, 이우환과 달리 내 작품은 늘 찬밥이었어. 외국에는 이름이 잘 알려지지 않았거든. 1975년 미국 진출, 1977년과 1996년 프랑스 진출 등 기회가 많았지만 다 걷어차 버렸어. 한국에서 태어나서 공부하고, 단색화 운동을 해서 세계화를 시켜야 의미가 있다고 생각했지. 그림이 안 팔려도 ‘반드시 내 시대가 온다. 지금 세상이 나를 이해하지 못하는 것뿐이다’고 확신하면서 죽자사자 그렸어. 결국 팔순을 넘어 세계 미술계에서 단색화의 대표 작가로 인정받게 됐지.”돈이 생기자 그는 기부 행보를 이어가기 시작했다. 올초 후학 양성을 위해 박서보예술상을 제정해 광주비엔날레에 100만달러(약 13억원)를 기부했고, 최근 전쟁 중인 우크라이나에는 5000만원을 건넸다. 지난달에는 경북 울진, 강원 삼척 등지의 산불 피해 복구를 돕기 위해 서울옥션 자선경매에서 판매한 50호 묘법 판화의 수익금 1억원을 기부했다.“그림이 돈으로 보이면 타락해. 그래서 필요한 것만 남겨두고 기부하기로 했어. 우크라이나에 기부한 건 전쟁 때 겪은 참혹한 고생이 생각나서야.” ‘지칠 줄 모르는 수행자’2019년 국립현대미술관은 박 화백의 회고전을 열며 ‘지칠 줄 모르는 수행자’라는 전시 제목을 달았다. 그 말대로 박 화백은 결코 작업을 멈추지 않는다. “베네치아에서 열린 전시에 2019년부터 3년간 작업한 200호 대작(그림⑤)을 걸었어. 작업 기간 내내 여기저기 쥐가 나는 바람에 잠도 제대로 못 잤지. ‘동전 파스’ 덕분에 그나마 버텼어. 작업 중 쓰러져 바닥에 얼굴을 찧은 적도 있어. 지금 끼고 있는 물소 뿔 안경테 덕분에 살았지. 보통 안경이었다면 부러져서 실명했을 거야.”인터뷰 말미에 박 화백은 칠순 기념 출판기념식 때 했던 연설을 떠올렸다.“지난날 나는 ‘앞에 가는 똥차 비키시오’ 하고 선배들을 향해 소리쳤습니다. 똑같은 후배들의 말이 지금 부메랑처럼 돌아오는 것 같습니다. 하지만 나는 비켜설 의향이 없습니다. 자신 있거든 추월해 가시구려.”20여 년이 지난 지금, 그는 이 말을 덧붙이고 싶다고 했다.“아직도 할 일은 많은데 해는 저물어 갑니다. 저물라면 저물어야죠. 하지만 나는 나대로 인공조명을 비춰서라도 끝까지 내 할 일을 하겠습니다.” 베네치아=성수영/김보라 기자 syoung@hankyung.com
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세계 미술계에서 10년째 ‘코리안 갤럭시’ ‘퍼펙트 스톰’이라 불리는 한국 단색화를 제대로 알기 위해선 1970년대로 돌아가야 한다.미술사에 처음 모노크롬(monochrome·단색화)을 도입한 작가는 20세기 초 절대주의를 주창한 우크라이나 출신 카지미르 말레비치다. ‘흰 바탕 위 검은 사각형’을 그렸다. 1945년 이후 피에로 만초니, 루초 폰타나, 이브 클랭 등이 모노크롬 작업을 했다.1970년대 아방가르드를 이끈 한국 단색화는 모노크롬과 미니멀리즘 등 이전까지 미술계에 등장했던 특정 사상이나 사조에 얽매이지 않는다. 기법으로는 서구 미술적인 요소를 반영했지만, 동양적 선 사상이 더해졌다. 비슷한 시기 일본엔 ‘모노하(物派) 운동’이 있었다. 미셸 푸코의 《인간은 죽었다》에서 출발한 운동으로 인간의 이성보다 물질이나 사물에 관심을 두는 게 핵심이다.서울대 미대를 중퇴하고 일본에서 철학 공부를 하던 이우환 화백은 일본 모노하의 이론적 토대를 마련하며 한국 단색화가들과도 교류했다. 1972년 한국에서 열린 미술전 제1회 ‘앙데팡당(Independant)’의 심사위원을 맡은 이우환은 박서보와 손잡고 한국 단색화를 일본에 알리는 데 결정적 역할을 했다.1세대 한국 단색화가들은 차라리 수도자에 가깝다. 팔리지 않아도 그렸고, 비난받아도 그렸다. 정창섭, 윤형근, 김창열, 박서보, 이우환, 이강소 등 단색화가들은 6·25전쟁 당시 나이가 7세에서 23세였다. 학생이거나 군에 징집됐거나 전쟁으로 친구와 가족을 잃었다.한국 단색화가들은 정치 격변기에 단색화 속으로 빠져들었다. 일부 민중화가는 ‘현실을 외면한다’고 비판을 쏟아부었다. 단색화가들은 절망 속에서 침묵으로 외쳤다. 스님이 독경하듯 몸으로 반복한 붓질은 화가들 스스로 수련과 구도를 통해 자신을 비워내고 채워간 결과물들이다.물감을 바른 뒤 마르기 전 연필로 빗금을 그은 박서보, 캔버스 위에서 닥죽을 반죽해 그리는 정창섭, 마대 뒷면에 두꺼운 물감을 바르고 앞면으로 밀어낸 하종현, 청색과 갈색 물감을 면포나 마포 위에 반복적으로 칠해 번지게 한 윤형근, 고령토를 바른 뒤 선을 긋고 뜯어내고 메우길 반복한 정상화의 기법은 모두 저마다의 세계를 구축했다.김보라 기자 destinybr@hankyung.com
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우리는 눈으로 음식을 즐긴다. 음식이 입에 들어가기 전 우리의 뇌는 이미 ‘맛있다’ ‘맛없다’를 구분해낸다. 일본의 색채연구가 노무라 준이치의 연구에 따르면 인간의 오감 중 맛에 영향을 미치는 정도는 시각이 87%로 가장 크다. ‘보기 좋은 떡이 먹기에도 좋다’는 말처럼 맛은 혀가 아니라 뇌가 판단한다. 먹고 싶은 색, 입맛 없애는 색 따로 있다붉은색은 식욕을 돋우고 달콤함을 연상시키는 반면 푸른색은 음식에서 쓴맛을 느끼게 한다. 붉은색 육회와 푸른색 육회를 상상해보라. 찰스 스펜스 옥스퍼드대 심리학 교수의 실험에서 적나라한 반응이 나온다. 스펜스는 불 꺼진 방에서 피실험자들에게 푸른색 식용색소로 염색한 스테이크를 제공하고 반응을 살펴봤다. 스테이크를 맛있게 먹던 피실험자들은 불을 켜는 순간 먹는 것을 멈췄고 일부는 구토를 했다고 한다. ‘초미각자(슈퍼테이스터)’가 아닌 이상 우리의 미각은 시각에 지배당한다.보여지는 것이 중요하기에 그동안 음식업계에서 차가운 계열의 색은 ‘절대 피해야 할 색’이었다. 사람들은 빨강과 주황, 노랑, 녹색 순으로 높은 식욕 반응을 보이다가 푸른색, 보라색으로 색이 차가워지는 순간 식욕 반응이 급격히 떨어진다고 알려져 있다. 푸른색이나 보라색은 경험적으로 독, 쓴맛, 덜 익은 과일, 푸른 곰팡이를 떠올리게 하기 때문이다. 모든 색이 섞인 검은색은 죽음, 그리고 탄 맛을 연상시킨다. 정반대인 흰색은 식욕을 자극하는 색이다. 대부분의 레스토랑에서 하얀 식탁보 위에 붉은 러너를 깔고 흰 식기를 사용하는 것은 이런 이유에서다. ‘블랙푸드’의 재발견…식탁에 부는 검은 바람새로운 경험과 특이한 것을 찾아다니는 MZ세대(밀레니얼+Z세대)가 주 소비층으로 떠오르면서 디저트 시장을 중심으로 인류의 역사와 함께해온 ‘금기’가 깨지고 있다. 한국에서는 검은색 케이크를 먹기 위해 긴 줄을 서는가 하면 일본에서는 새까만 커피가 인기다. 미국에서는 이미 5년 전에 검은색 아이스크림이 업계에 돌풍을 일으켰다.SNS가 보편화하면서 먹음직스러운 음식보다는 강렬한 인상을 남길 수 있는 디저트에 소비자들이 반응하고 있다. 검은색을 내기 위해 사용하는 검은콩, 오징어 먹물 등에 항암 효과가 있는 안토시아닌이 풍부하다는 것이 알려지면서 검은색 음식에 대한 거부 반응도 줄었다.리틀데미지는 LA아이스크림의 유행을 선도한 업체다. 세계 요식업의 트렌드가 만들어지는 LA 다운타운에서 리틀데미지의 ‘숯 아이스크림’은 큰 인기를 끌었다. 콘의 색깔도, 아이스크림 색깔도 짙은 검은색이다. 흑백영화 속 아이스크림을 보는 듯하다며 입소문을 탔다. 일본에서도 한 차례 블랙 디저트 바람이 불었다. ‘인스타바에’에 딱 맞는 음식들이기 때문이다. 인스타바에란 ‘인스타그램’과 ‘하에루(빛나다)’를 합성한 신조어로 인스타그램에 올릴 정도로 잘 찍힌 사진을 뜻한다. 효고현 고베 모토마치에 자리한 ‘히토 스탠드’는 세계에서 가장 검은 커피를 판매하는 곳으로 화제를 모았다.한국에서도 작년 2월 젠틀몬스터가 론칭한 디저트 브랜드 ‘누데이크’가 젊은 층을 중심으로 인기몰이 중이다. 대표 메뉴 ‘피크’는 초록색 말차 크림을 검은색 먹물 페이스트리로 감싼 케이크다. 빵이 타버린 것처럼 보이지만 담백하고 바삭한 식감을 갖고 있다. 성수동의 ‘칸토’는 아예 블랙에이드, 블랙파운드 등 검은색을 주 색상으로 사용한다. 충무로의 ‘원형들’에서는 고수 케이크, 감태 퀸아망 등 기존에 사용되지 않았던 재료를 활용한 디저트를 선보이고 있다. 식욕을 떨어뜨린다는 초록색이 이 매장의 대표 색깔이다.한경제 기자 hankyung@hankyung.com
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