90세 노장 미셸 들라크루아가 그리는 파리의 예술 지도

입력2024.02.28 14:51 수정2024.03.05 16:00

[arte] 이수민의 커넥트아트

모두에게 아름다웠던 시절을 그리는 화가

프랑스에서 ‘벨 에포크’라고 부르는 시기가 있습니다. 보불전쟁이 종료된 1871년부터 1차 세계대전이 발발한 1914년 이전까지, 40여 년간의 평화롭고 문화예술이 번성했던 시기를 말하죠. 이 시기 파리에는 전 세계에서 모여든 예술가들이 한데 뒤섞여 카페에서 진한 에스프레소를 마시며 이야기 나누고, 귀족 부인의 살롱에 모여 예술을 논하고, 역사가 살아 숨 쉬는 시내를 거닐었습니다.

<미셸 들라크루아, 파리의 벨 에포크> 전시가 열리고 있는 예술의전당 한가람디자인미술관, 전시장 내부

1933년에 태어난 미셸 들라크루아는 아버지로부터 전해 들었던 벨 에포크 시기 파리의 아름다움, 1939년부터 1945년까지 이어진 2차 세계대전 전후 자신이 겪었던 행복했던 시절을 기억에 의존하여 그리는 화가입니다. 들라크루아도 ‘내 그림은 사진이나 다큐멘터리가 아니다. 내 기억 속에서 편집되고 재해석한 아름다운 시절을 담았다’라고 말합니다.

미셸 들라크루아가 순박하고 아름다운 동화 같은 그림을 그리게 된 데에는 부모님의 역할이 큽니다. 어릴 적 ‘그림을 그리고 싶다’라는 말에 부모님은 화가에게 체계적인 미술 렛슨을 받게 했고, 독일군이 프랑스를 점령했을 때에는 사촌들의 집이 있는 교외 지역 이보르(Ivors)에 내려가 자연을 마음껏 탐험하도록 했습니다.

들라크루아의 모든 그림에는 천진난만한 소년과 몸통에 점이 세 개 콕콕 박힌 강아지가 등장합니다. 때로는 소녀의 모습으로도 등장하는 어린아이는 들라크루아 본인을 상징합니다. 역동적인 자세로 소년을 따라다니는 강아지는 들라크루아가 어릴 때 키우던 강아지 퀸(Queen)이고요. 그는 그림을 완성한 후 서명을 하기 직전에 꼭 퀸을 그려 넣는데 이는 그만의 방식으로 동심을 추억하는 것입니다.

전시장에서 사진을 찍을 수 있는 구역. 어린 들라크루아와 퀸이 뛰어노는 모습을 빔으로 재현했다

미술 교육자로 일하던 들라크루아는 40대에 들어서야 본격적으로 그림을 그리기 시작합니다. 시내를 수 킬로미터 걸어서 학교에 다녔던 감수성 풍부했던 소년 시절 눈으로, 귀로, 피부로 느낀 파리를 화폭 위에 옮기게 되죠. 파리의 명소들, 파리지앵들의 일상, 연인들의 낭만적인 순간, 이보르의 자연 속에서 보낸 인상적인 장면들이 시간이 멈춰버린 그의 그림 속에서 그대로 재현됩니다.

가수 스텔라 장의 <미셸 들라크루아, 파리의 벨 에포크> 전시 홍보 영상

90세 넘은 화가가 다시 붓을 든 이유

2019년 4월 15일, 노틀담 대성당이 원인 모를 화재에 휩싸여 10시간 동안 불탔고, 첨탑과 그 주변 지붕이 무너지는 사건이 있었습니다. 파리 시민들은 그 앞에서 발을 동동 구르며 라틴어 찬송가를 불렀죠. 성당의 명칭인 ‘노틀담(Notre Dame)’은 프랑스어로 ‘우리의 귀부인’이라는 뜻으로 성모마리아를 일컫습니다. 노틀담 대성당은 14세기에 지어진 프랑스 고딕 건축 양식을 잘 살펴볼 수 있는 세계적인 문화 유산으로 무려 600년 이상 시민들의 영혼의 안식처 역할을 했습니다.

노틀담 대성당은 1789년 프랑스 대혁명 이후 외벽 파손으로 인해 한 차례 철거위기를 맞았었는데 이를 안타깝게 여긴 프랑스 대문호 빅토르 위고(1802-1885)가 노틀담 대성당을 배경으로 하는 소설 <노틀담 드 파리>를 출간하여 프랑스 국민들에게 노틀담 대성당의 역사적 가치와 보존의 중요성을 다시 한 번 일깨웠죠.

2019년 노틀담 대성당 화재 당시 뉴스 보도 영상

노화로 인해 잠시 붓을 놓았던 들라크루아는 노틀담 화재 사건을 접하고 다시금 붓을 들게 됩니다. 파리의 아름다움을 기록하는 일을 계속해야겠다는 결심을 했기 때문이죠. 그의 근 3년간의 작업을 보면 선들이 곧지 못하고 삐뚤빼뚤하거나, 등장인물들의 이목구비가 또렷하지 않습니다. 그럼에도 화가의 파리에 대한, 파리지앵에 대한 애정만큼은 듬뿍 담겨있기에 보는 이들에게도 그 마음이 고스란히 전해집니다.

들라크루아의 그림 속 오페라 가르니에

지난 1월 말, 파리에 ‘예술’을 컨셉으로 한 여행을 다녀왔습니다. 파리의 대표적인 미술관, 박물관, 공연장을 매일 두 세 군데씩 방문하며 하루하루를 예술로 가득 채웠죠. 꼭 가보고 싶어 일찌감치 일정에 넣어둔 곳이 바로 오페라 가르니에인데 19세기 후반부터 파리 문화예술의 중심지 역할을 하는 이곳을 직접 눈으로 확인하고 싶었습니다. 오페라 가르니에는 세계적인 오페라단이자 프랑스 문화부에서 직속으로 운영하는 단체인 <파리 국립 오페라>가 상주하는 곳이기도 합니다.

한경arteTV <옴브라 마이 푸>에 출연한 파리 국립 오페라의 클라리넷 수석 주자 김한

‘가르니에 궁(Palais Garnier)’이라고 불리기도 하는 오페라 가르니에(Opéra Garnier)는 나폴레옹 3세와 유젠 오스만 파리 시장의 파리 개조 계획의 일환으로 지어졌습니다. 공모전을 통해 당당하게 입상한 30대 후반의 젊은 샤를 가르니에(1825-1898)가 무려 13년 동안 착수한 대형 작업이었죠.

오페라 가르니에의 지붕 모서리에는 황금 조각상 ‘아폴론의 시와 음악’이 빛을 받아 번쩍거렸고, 나폴레옹 3세 전용 출입구에는 청동으로 조각된 여신이 등불을 받치고 있었습니다. 대칭으로 설치된 중앙 계단, 화려한 프레스코 벽화, 눈부신 샹들리에, 대리석 부조로 장식되어 있는 30미터 층고의 중앙 로비는 비현실적으로 아름다워 시간여행을 한 듯한 기분이 들었습니다.

오페라 가르니에와 그 앞 광장, 사교계 명사들의 뒷풀이 장소였던 평화의 카페까지 담겨있는 들라크루아의 그림

콘서트홀 내부에서는 고개를 90도 이상 꺾어야 합니다. ‘색채의 마술사’라고 불리는 마르크 샤갈(1887-1985)이 그 특유의 몽환적인 그림체로 그려낸 천장화 <꿈의 꽃다발>을 보기 위해서이죠. 천장화 중앙에는 대형 크리스털 샹들리에가 설치되어 있는데 1896년, 무게 8톤의 샹들리에가 추락하여 인명사고를 낸 사건에서 모티브를 얻어 소설 <오페라의 유령>이 탄생했습니다.

에어비앤비 주최, 오페라 가르니에에서 <오페라의 유령>을 주제로 연 특별한 이벤트

샤갈의 천장화 <꿈의 꽃다발>과 비제의 오페라 <카르멘>

샤갈이 드골 정부의 문화부 장관 앙드레 말로로부터 작업을 의뢰받아 1965년 완성한 천장화에는 우리에게 익숙한 오페라 속 등장인물들이 등장합니다. 비제의 오페라 <카르멘>의 등장인물들은 정열적인 빨간색으로, 베르디의 오페라 <라 트라비아타>에서 가슴 아픈 사랑을 하는 알프레도와 비올레타는 아련한 노란색으로, 베토벤의 유일한 오페라 <피델리오>에서 남편을 구출하는 현명하고 강인한 여성 주인공 레오노라가 기사를 향해 돌진하는 장면을 진취적인 느낌을 주는 초록색과 파란색으로 채색되어 있습니다.

비제의 오페라 <카르멘> 중 <투우사의 노래>

현재는 프랑스를 대표하는 작곡가로 알려져 있지만 생전에는 큰 성공을 맛보지 못하고 세상을 뜬 조르주 비제(1838-1875). 사망한 해이기도 한 1875년에 초연된 그의 오페라 <카르멘>의 혹평을 듣고 비제가 큰 충격을 받았었다고 하니 안타까운 마음이 더합니다. 독특한 개성, 날것의 매력을 가진 등장인물들이 등장하는 오페라 <카르멘> 속 다수의 아리아는 많은 사랑을 받고 있습니다. 그 중에서도 <투우사의 노래>는 젊고 매력적인 투우사 에스카미요가 술집에서 사람들에게 술을 권하는 장면에서 부르는 노래입니다.

"투우사여, 조심하라! 투우사여!
잊지마라, 그래 잊지마.
검은 눈동자가 너를 지켜보고,
사랑이 너를 기다리고 있다는 것을.
투우사여, 사랑이, 사랑이 당신을 기다리고 있다!"

한 번뿐인 인생, 에스카미요처럼 매 순간을 오감으로 느끼며 능동적으로 만들어나가면 어떨까요.

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수백 명 이름 모를 재주꾼들의 조선판 '집단 지성'…5대 판소리의 비밀

존재하는 모든 글과 음악은 분명히 누군가가 만든 것이다. 그러니 전통 판소리 5대가* 또한 당연히 누군가가 글을 쓰고 그것에 장단과 선율을 입혀 만든 창작물이다. 그러나 이 전통 판소리 들은 명확한 작가나 작창가를 명기할 수 없다. 물론 ‘김연수 제’ ‘박녹주 제’ ‘박봉술 제’와 같이 근대 들어 여러 명창들이 그간의 전수 되어온 판소리 들을 중심으로 자신만의 편집과 편곡 과정을 거쳐 자신의 이름으로 하나의 유파를 새로이 정립하는 노력들이 있었고 이로 인해 판소리는 커다란 발전을 이루기도 하였다. 허나 그는 그 이전 세대의 소리꾼들의 노력과 마찬가지로 기존의 이미 창작되어 전해져 오는 거대한 각 작품에 창작을 보탠 것이다. ‘아무개 제’라는 4~8시간 가량의 전체 판소리의 모든 선율과 장단을 그 아무개가 온전히 창작했다 할 수는 없다. 이처럼 전통 판소리 5대가는 18세기에 태어나 19세기를 거쳐오는 과정에서 각 지역의 소리꾼들과 패트런**의 협업으로 의해 지속적으로 자유롭게 퇴고와 편곡이라는 수정의 과정을 거치며 완성되어 왔기에 수백 명의 이름 모를 재주꾼들이 거듭해 완성해 온, 특정 창작자를 지목할 수 없는 조선 후기 창작물이다.이러한 방식으로 수많은 창작자들에 의해 지속적인 재창작을 거쳐오던 판소리는 1962년 국가 중요무형문화재 제 5호로 지정이 된다. 무형문화유산으로 지목된 이후 판소리는 이전의 편집과 수정의 미덕보다 보존을 더 중요한 가치로 두게 되며, 이로 인해 문화재의 소리를 올곧게 전수하는 것이 판소리를 잘 하는 일로 변화한다. 필자가 어렸던 시절, 판소리는 필자에게 ‘함부로 바꿔서는 안되는 예술’이었다. 그러나 다행히도 판소리 5대가를 배우는 과정에서 창작의 DNA도 함께 전수받은 모양인지, 판소리 수련을 거듭할수록 ‘현 시대의 언어로 된 나만의 판소리를 만들어야겠다’는 결심을 하게 되었다. (알려지지 않았다 뿐이지 이러한 소리꾼은 전국 각지에 잔뜩 있다.)이전 글에서 판소리가 7개의 장단과 하나의 선율, 그리고 이야기 부분인 아니리로 이루어짐을 밝혔다. 자, 그럼 이어서 판소리를 창작할 때 어떠한 과정들이 이루어지는지 나열해 보겠다. 먼저 하나의 이야기가 있어야 한다. 이야기는 작가의 몫이다. 작가가 작창가에게 이야기가 쓰인 대본을 준다. 그 대본에는(드물게는) 아니리와 소리 부분이 나뉘어 소리 부분에 장단 표기가 되어 있기도 하고, 혹은 그저 아니리와 소리로만 나누어져 있기도 하다. 작창가의 창작 영역 일은 여기서부터 시작이다. 작가가 내어준 대본의 소리 부분들을 (이미 장단이 지정되어 있더라도) 이야기의 흐름에 따라 어떠한 장단으로 배치할 것인가를 결정한다. 그때 7개의 장단들이 그 속도와 뉘앙스에 따라 배치된다. 판소리의 장단은 단순하고 동일한 장단의 반복이 아니라 각 장단이 언어와 선율과 어떠한 합을 이루어 내며 이야기를 그려내는가를 음악적 특징으로 지니고 있으므로, 하루 이틀 장단을 배워서 그를 활용할 수 있는 것이 아니다. 각 장단이 가진 수많은 특징을 잘 살려 낼 수 있는 작곡가가 장단과 언어를 더불어 사고하며 다루어 내야 한다. ▶▶작창이랑 작곡이랑 뭐가 달라요?(1편)보기대본상에 장단이 배치되면 그다음은 각 장단에 맞는 선율을 만들어간다. 18세기 판소리에 주로 쓰이는 음계와 선율은 현재 우조 혹은 평조라 일컬어지는 음계와 선율이었으며, 이후 19세기 들어서는 계면조라 칭하는 음계가 두드러지게 많이 쓰였다. 각 악조마다 특정 음들이 주요음으로 쓰이며 각 음마다 다른 발성 기술을 쓴다. - 이게 무슨 소리인지 문자로 읽으면 어렵게만 느껴지겠으나, 지면을 통한 음악 구조 설명이라 한계가 있는 것은 어쩔 수가 없다. 그럼에도 불구하고 한번 설명을 시도해 보겠다!하나의 예를 들어보자면 계면조에서 주로 쓰이는 음은 ‘미, 라, 시' 이렇게 세 개의 음이며 ‘미’는 떠는 음으로 많이 불리고 ‘라’는 뻗는 음, ‘시’는 주로 바로 반음 위인 ‘도’에서 음을 꺾어내려오도록 불린다.(이에 관한 가장 단순하고 명료한 예시는 진도아리랑의 후렴구이다. “아(떨고) 리(뻗고) 아리랑, 쓰리 쓰리랑, 아라리가(꺾고) 났 네”) 이러한 각 음의 성질은 각 음이 하나의 조합으로 이루어질 때 또다시 다양한 표현 방식으로 진화한다. 문장이나 단어, 발성 방식과의 만남으로 하나의 특징적 표현방식으로 고유명사처럼 쓰이기도 하고 (이 경우의 예로는 “얼씨구 절씨구 지화자 좋네 얼씨구나 절씨구”라는 문장의 장단과 선율, 음 조합이 아주 적절한 예가 될 수 있다. 이 문장은 모든 전통 판소리의 흥겨운 대목에 등장하며 모든 판소리 유파에서 90% 이상 동일한 선율과 장단으로 등장한다.) 특정 시김새***가 되기도 한다. 작창가는 노래를 작곡할 때 이러한 계면조의 선율 특성을 살려 극적 상황을 전달할 것인지, 그 외의 선율/음계 특성을 가진 우조나 평조로 곡을 쓸 것인지 혹은 각 지역 특색의 선율, 혹은 경드름이나 권마성과 같은 특정 선율형을 사용할 것인지 등을 결정하고 결정된 각 악조(혹은 선율)의 특성 안에서 선율의 변주와 장단과의 조화를 살피며 곡을 써 나간다. 이러한 작창가의 작곡법은 판소리의 자장 안에서 서양의 작곡가가 행하는 일과 아주 동일한 작업 방식을 갖고 있다. 음악을 쓰게 될 장단(박자)을 정하고, 하나의 악조(조)를 선택하고 그 조 안의 음계를 따르다가 극적 상황의 변화에 따라 변조를 하거나, 음의 복잡한 조합과 나열로 높은 기술을 요하는 특정 하이라이트 부분을 만든다거나 하는 일을 하는 것이다.현시대에는 필자를 포함한 많은 작창가들이 전통 판소리의 기본적인 음악 질서 위에서 여타의 음악 장르의 포용과 조화를 꾀하며 작창의 음악적 영역을 넓혀가고 있다. 필자의 경우, 소리꾼이 무대 위에 고수와 단둘이 연행하는 전통 판소리의 양식에서는 전통 판소리의 음악적 질서 안에서 음악적 ‘깊이’를 모색하는 반면, 창극과 같이 여러 소리꾼과 여러 악기가 함께 이야기를 표현할 수 있는 경우 서양의 화성의 개념과 더불어 ‘여러 음악 장르의 흡수와 조화’를 시도한다. 후자의 경우는 서양 작곡법의 작곡과 그 작업 영역이 교집합 되는 상황이 발생한다. 한마디로 판소리 작창이라는 것은 지금 이 순간에도 작품과 장르(1인 소리꾼의 판소리 양식일것인가 창극일 것인가)에 따라 그 개념을 무한하게 넓혀가고 있는 중이며, 기본적으로는 판소리의 자장 안에서의 전문적인 작곡법을 뜻하고 그 범주가 창극인가 창작 가무극인가 에 따라서는 우리가 흔히 말하는 ‘작곡’의 개념을 포섭하기도 한다. 좋은 작곡이 무엇인지 함부로 단언하기 어렵듯이, 좋은 작창이 어떠한 것이라 단언할 수는 없다. 필자가 판소리 창작에 임하는 음악적 노력의 방점은 판소리의 전통적인 음악 질서를 기본적으로 갖추되 이야기의 흐름과 진행에 따라 겁내지 말고 여러 장르로 뻗어나가 보는 실험에 있다. 틀리면 다시 제자리로 돌아와 흐트러진 진열을 정비하고 다시 시작하면서 계속해보는 것이다. 그것이 창작자들의 기쁨이고 수고일 것이다. *춘향가, 심청가, 수궁가, 흥보가, 적벽가**patron. 조선 후기 예술 발달에 긍정적인 역할을 한 예술후원자들을 일컫는다. 이들은 판소리꾼을 초청하여 공연을 벌여 소리꾼을 후원하는 동시에 청중에게도 감상의 기회를 제공하였고, 점차 판소리에 자신들의 예술양식과 예술취향을 반영시켜 판소리의 재창작 과정에도 적극적으로 참여하였다. ***시김새란 판소리의 높은 음악성을 보여주는 기술들이다. 여러개의 음의 조합이 한 두개의 단어 표현에 사용 되어 빠르게 불리워 지는 것을 말한다.