사막의 모래알 같은 음표들로 경외감을 일으킨 한스 짐머
드니 빌뇌브 감독의 영화 '듄' 음악
'듄친자'들을 양산한 듄 시리즈
<듄>은 미국 작가 프랭크 허버트(1920~1986)가 1965년에 발표한 소설입니다. 그는 미국 오리건주 사막 지역을 보고 영감을 얻어 사막의 광물을 두고 패권 싸움을 벌이는 1만 191년 후의 우주를 배경으로 한 <듄>, <메시아>, <듄의 후예들>, <듄의 신황제>, <듄의 이단자들>, <듄의 신전> 등 총 6권에 걸쳐 SF 대하소설을 출간했습니다. 프랭크 허버트는 7번째 책을 구상하다가 병환으로 사망했는데 아들 브라이언 허버트가 아버지의 뒤를 이어 듄의 세계관을 이어갔죠.<듄> 시리즈는 출간 다음 해인 1966년에 미국에서 한 해의 최고 과학 소설에 수여하는 휴고 상을 받았고, 미국 SF 판타지 작가 협회가 수여하는 상인 네뷸러 상이 만들어진 첫 연도에 수상작에 당당하게 이름을 올렸습니다.
소설 <듄> 시리즈는 이미 1984년에 영화화, 2003년에 드라마 시리즈로 제작되었습니다. 하지만 소설이 묘사하는 고도로 발달된 미래 모습을 스크린에 구현하는 데 기술적 한계가 있었죠. <그을린 사랑>, <시카리오: 암살자의 도시>, <컨택트> 등 실험적이면서도 완성도 높은 영화로 할리우드에 성공적으로 입성한 캐나다 출신 드니 빌뇌브 감독은 3부작을 완성을 염두에 두고 <듄> 시리즈 제작에 들어갔습니다.
2021년에 개봉한 <듄: 파트1>이 호평을 받았고 올해 2월 28일에 개봉한 <듄: 파트2>는 한 달 만에 150만 관객 수를 돌파했죠. 2027년쯤에는 <듄: 파트3>가 나올 예정이라 벌써부터 기대하는 팬들이 많습니다.
그리스·로마 신화와 <듄>
영화 <듄: 파트2>는 전세계적으로 흥행에 성공했는데 캐릭터와 찰떡궁합인 배우들의 캐스팅이 영화 흥행 요소 중 하나입니다. ‘폴은 젊은 몸에 노인의 영혼을 가진 캐릭터이다. 내게 폴은 티모시 샬라메 뿐이었다’라는 드니 빌뇌브 감독의 말처럼 배우 티모시 샬라메는 언뜻 보면 유약해 보이지만 동시에 강인한 정신력과 의지를 가진 주인공 ‘폴 아트레이데스’ 역을 훌륭하게 소화해냈습니다.<듄: 파트2>는 2시간 45분짜리 영화입니다. 촘촘하게 짜여져 있는 소설 속 세계관을 파악하고 영화를 봐야 줄거리를 따라가고 이해하는데 한결 도움이 됩니다. 저도 ‘듄친자’ 중 한사람으로서 벌써 2번이나 <듄: 파트2>를 관람했습니다. 개봉 첫날 영화관에 달려가 관람했고, 며칠 후에는 한스 짐머의 음악을 집중적으로 감상하기 위해 스피커 시설이 좋은 상영관에서 관람했죠. 2차례 영화를 본 이후에도 여러 자료들을 살펴보다가 <듄>의 여러 캐릭터, 인물 관계도, 배경 등이 그리스·로마 신화와 직간접적으로 연결되어 있다는 걸 발견했습니다.
기원전 3000여 년 전 그리스 크레타섬을 중심으로 발달한 미노스 문명. ‘미노스’라는 명칭은 황소의 모습을 한 반인반수 미노타우르스에서 유래합니다. 아트레이데스 가문의 상징 중 하나가 미노타우르스인데 영화 속 가문의 휘장에도 등장합니다. 이뿐만 아니라 <듄> 세계관에서 아트레이데스 가문은 트로이전쟁에서 그리스 연합군을 이끌었던 영웅인 아가멤논 장군의 후예로 설정되어 있죠.
고대 그리스의 서사시 <일리아스>에서 아가멤논 장군은 아트레우스 왕의 아들입니다. 성장해서는 그리스 총사령관이 되는데 외모, 카리스마, 용맹함 모두 갖추었지만 영웅이라는 호칭에 비해 공훈이 빈약한 허울뿐인 영웅으로, 아내를 배신한 비열한 성격을 가진 자로 묘사됩니다. 이처럼 시공간을 뛰어넘어 다양하게 변주되는 그리스·로마 신화는 알면 알수록 신비롭습니다. 떠도는 이야기들을 엮어 신화로 만든 이들이 누구인지, 신화와 함께 살아간 그 시대 사람들의 머릿속도 궁금해지고요.
영화 음악계의 거장, 한스 짐머
작곡가 한스 짐머는 영화 음악사에서 빼놓을 수 없는 인물입니다. 드니 빌뇌브 감독은 관객들이 <듄: 파트2>로부터 시각적인 경험뿐만 아니라 청각적인 놀라움을 경험하게 하고 싶었다며 전에 없던 새로운 음악을 만들 작곡가가 필요했다고 말했습니다. 마침 한스 짐머도 <듄> 시리즈를 무척 사랑하는 사람이었기 때문에 둘의 협업은 수월하게 성사되었습니다.1만 191년 후의 우주에서 벌어지는, 지금과는 전혀 다른 시공간을 배경으로 한 영화이기에 한스 짐머의 음악은 새로움을 넘어 낯선 느낌마저 드는 음악을 창조했습니다. 그가 만들어낸 전자 악기들은 이국적이면서도 강렬한 사운드를 내었고, 여성 싱어들의 목소리를 주요 재료 삼아 새로운 음악 언어를 창조해냈죠.
그는 워너브라더스사가 진행한 인터뷰에서 ‘놀랍도록 대담하고 재능을 가진 사람들과 작업하다보면 자연스럽게 새로운 방향으로 나아가게 된다’, ‘남들이 당신의 아이디어를 듣고 그건 정말 최악의 아이디어라고 말하면 옳은 길로 잘 가고 있는 것이다’라고 말합니다.
사막의 모래알처럼 수많은 음표들이 영화를 압도해버리거나 반대로 영상에 묻혀버리는 것이 아니라 영화의 주요한 장면에서 분위기를 극대화 시키는 음악을 듣고 있자니 경외감마저 들었습니다.
[한스 짐머가 말하는 <듄> 시리즈의 음악]
<블레이드 러너 2049> 속 클래식 음악
드니 빌뇌브 감독과 한스 짐머는 이미 2017년 작 <블레이드 러너 2049>에서 협업한 적이 있습니다. 영화 내용은 이렇습니다. 2049년, 인간들과 휴머노이드 로봇들은 황폐해진 지구를 떠나 최첨단 기술로 만들어진 계획도시 ‘오프랜드’에 정착하여 살게 됩니다.얼핏 생각하면 기술이 극도로 발달하면 이를 바탕으로 하여 인간은 훨씬 윤택한 삶, 적게 노동하고 많은 즐거움을 누리며 살 것 같습니다. 하지만 영화 속에서는 디스토피아적 미래가 그려집니다. 사람과 사람 간, 사람과 기계 간의 소통이 단절된 지 오래입니다.
[<블레이드 러너 2049> 예고편]
외로움을 느끼는 오프랜드의 정착민들은 애인이자 친구이자 가족 역할을 하는 반려 인공지능 프로그램을 구매합니다. 더 비싼 프로그램, 더 고사양의 기계를 구입하면 투명한 홀로그램이기는 하지만 사람의 형상을 한 반려 인공지능이 눈앞에 나타나기도 하죠. <블레이드 러너 2049>를 보면서 이 기계가 작동될 때마다 친숙한 음악이 들리는데요, 바로 <피터와 늑대> 속 소년 피터의 테마입니다.
러시아 작곡가 프로코피예프가 1936년, 모스크바 극장의 의뢰를 받아 단 2주 만에 완성한 <피터와 늑대>는 클래식 음악에 입문하는 어린이들의 교육 목적으로 작곡되었습니다. 어린이들의 눈높이에 맞추기 위해 내레이션이 있는데 이는 프로코피예프가 직접 쓴 것입니다.
<피터와 늑대>는 독특하게도 특정 악기가 특정 인물을 표현합니다. 각 악기가 가진 음색, 구현 가능한 테크닉은 각 인물의 성격과 곡 속에서 펼쳐지는 장면의 분위기와 꼭 들어맞습니다. 피터는 바이올린, 비올라, 첼로로 이루어진 현악 합주로 묘사되고, 할아버지는 중저음의 바순, 고양이는 동글동글한 음색을 가진 클라리넷, 늑대는 부드러우면서도 날카로운 소리를 동시에 구현하는 호른, 사냥꾼들은 공격적인 느낌을 주는 팀파니와 큰북, 집오리는 납작하면서도 쭉 뻗어 나가는 오보에, 새는 청량하고 가벼운 음색의 플루트로 묘사됩니다.
[음악과 내레이션이 어우러진 디즈니의 <피터와 늑대> 애니메이션, 1946년 작]
감독의 메시지를 읽어내는 한스 짐머의 명민함
한스 짐머가 드니 빌뇌브 감독과 작업한 <듄: 파트2>, <블레이드 러너 2049> 속 음악들을 살펴보면 기본 2~3시간 짜리 영화의 방대한 분량 속에서 주제를 파악하는 능력이 뛰어남을 알 수 있습니다.<듄: 파트2> 속 남성들은 우주 패권을 위해 총과 칼로 서로를 해치는 반면 여성 예언자 무리는 미래를 이끌 지도자를 양성하기 위해 화합합니다. 여기서 한스 짐머는 ‘여성’이라는 키워드를 포착해내어 여성들의 목소리를 전면에 내세웠습니다.
디스토피아 미래를 그린 <블레이드 러너 2049> 속 도시인의 삶은 언뜻 화려하고 쾌락적이지만 그 속을 면밀히 살펴보면 단조롭고 고독합니다. 이 외로움을 해결해주는 반려 인공지능 프로그램의 부팅음을 프로코피예프의 <피터와 늑대> 속 천진난만한 캐릭터인 피터의 테마를 차용함으로써 아이러닉함을 돋보이게 했고요.
한스 짐머 뿐만 아니라 엔니오 모리꼬네, 존 윌리엄스, 히사이시 조 등 눈에 보이지도 않는 청각적 재료만으로 사람의 마음을 움직이고, 같은 것을 다른 시각으로 보게끔 유도한다는 점에서 음악가의 능력과 역할에 대해 다시 한번 생각해보게 됩니다. /바이올리니스트 이수민
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앙투안 볼롱의 정물화속 ‘버터 더미’는 왜 상온에 방치돼 있었을까?
좋은 작품은 바로 마음에 들어온다. 말하자면 ‘꽂히는 것’이다. 앙투안 볼롱(1833~1900)의 ‘버터 더미(Motte de Beurre)’가 그렇다. 하, 그 버터 참 먹음직스러워 보인다. 버터의 질감이 너무나 좋은데 비단 기름으로 그린 그림이라 그런 것 같지는 않다. 그걸 뛰어넘는 완성도를 지니고 있다는 의미다. 매혹된 나머지 손가락을 푹 찔러 버터를 한 입 맛보고 싶을 지경이다. 물론 비위생적이니 자제하는 게 좋겠지만. 음식평론가다 보니 나는 이런 작품을 보고도 좀 결이 다른 걱정을 한다. 아니, 이 많은 버터를 그냥 상온에 둔 거야? 그리고 바로 나의 멍청함을 깨닫는다. ‘버터 더미’는 1875~85년 사이에 그려졌고 우리가 아는, 프레온 가스를 냉매로 쓰는 냉장고는 1918년이 돼서야 미국의 제네럴 일렉트로닉스에 의해 대량생산되기 시작했다. 말하자면 냉장기술의 대중화 이전이었으니 버터는 그렇게 상온에 두고 먹는 식재료였을 것이다.그렇다면 식품 안전은 괜찮을까? 큰 문제는 없다. 어차피 지방은 극단적인 환경을 조성해 미생물 번식을 억제하는 방부제 역할을 한다. 양식에는 동물의 지방에 고기를 조리듯 서서히 끓여 익히는 콩피(confit)라는 보존법이 있다. 지방에 서서히 끓인 뒤 건지지 않고 그대로 두어 굳히면 안의 고기가 보존된다. 따라서 냉장고가 있는 요즘도 버터를 상온에 두고 먹을 수는 있다.하지만 맛은 썩 좋지 않을 것이다. 상온, 즉 섭씨 20도라면 버터가 너무 녹아 기름져서 제맛을 못 느낄 수 있다. 따라서 그림에 매혹되더라도 따라하지 말고, 버터는 냉장고에 두고 먹을 것을 권한다. 원래 싸여 나오는 포장 채로 두었다가 먹을 때마다 조금씩 저며 얹거나 바른다. 예를 들어 따뜻하게 구운 빵에 차가운 버터를 얹으면 온도와 질감의 대조가 먹는 즐거움을 더해준다. 특히 지방 함유량이 높은 버터일수록 냉장고에서 꺼내더라도 상온에서 금방 부드러워지며 제맛과 질감을 내준다. 프랑스를 비롯한 유럽의 버터는 지방 함유량이 최소 82퍼센트에 이른다. 따라서 볼롱의 버터도 지방이 매우 풍성했을 것이다. 그런 가운데 주재료인 크림을 발효시켜 느끼함도 덜하다. 그럼 비싸지 않느냐고? 일단 한국은 버터 선진국이 아니다. 가뭄에 콩나듯 만들고는 있는데 맛도 썩 좋지 않고 수입산보다도 비싸다. 다만 꽤 햐얀 색이라 다른 색과 잘 섞여 케이크의 버터크림에 선호된다는 이야기는 있다. 그런 가운데 너무 비싸지 않으면서도 품질이 괜찮은 버터들이 그럭저럭 수입되고 있다. 종주국이라 할 수 있는 프랑스는 물론 의외의 강자인 덴마크, 아일랜드, 영국 등 선택의 폭이 꽤 다양하다. 그런 버터들을 사서 포장지를 까보면 색깔이 대체로 볼롱의 그림에 등장하는 것처럼 누런색이다. 소가 뜯어 먹은, 싱싱한 풀이 함유한 카로틴의 영향일 가능성이 높다. 소는 풀을 먹어야 우유(와 크림)도 고기도 더 맛있다고들 한다. 그런데 볼롱은 자신이 먹으려고 저 많은 버터를 산 걸까? 그랬을 것 같지 않다. 일단 버터의 풍모가 갓 만들어 나온 듯 보인다. 버터는 우유의 크림을 원심력으로 분리한 뒤 반죽해 물기를 최대한 걷어내 만든다. 볼롱의 버터를 자세히 보면 모양을 갓 잡아낸 지방의 결의 생생하다. 두르고 있는 천 또한 당시 버터의 보관에 많이 쓰였던 눈이 고운 면포 같다.작품의 버터가 볼롱 자신을 위한 것이 아니라는 실마리는 또 하나 있다. 앞서 언급했듯 냉장기술이 발달하지 못했었던 시기이므로 당시의 버터에는 방부제로서 소금 양념이 되어 있었을 것이다. 요즘도 프랑스산 가염 버터는 무게 대비 1.5~2퍼센트의 소금을 더하는데 꽤 짠 편이다. 따라서 아내와 아들 둘의 네 식구였던 볼롱 가족이 먹자고 이만큼을 샀을 가능성은 매우 낮다(작품의 계란과 견주어 보면 양을 파악할 수 있다).말하자면 버터가 모델로 출연했을 거라는 말인데, 이처럼 정물이 볼롱의 작품 세계를 아주 풍요롭게 구축해 주었다. ‘춘희’의 작가 알렉상드르 뒤마 피스가 팬이었다는 이야기가 잘 알려져 있듯, 볼롱의 작품은 오늘날 상당수가 개인 소장품이다. ‘버터 더미’는 미국 워싱턴 DC의 국립 미술관이 소장하고 있다. /이용재 음식평론가
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지금 이 칼럼을 쓰는 시점은 2024년의 첫 판소리 <노인과 바다> 공연을 무사히 마친 바로 다음 날 오후이다. 이 시간을 강조하는 데는 이유가 있다. 필자는 소리꾼이며, 스스로 만든 2시간 넘는 판소리 <노인과 바다> 공연 다음날에 이렇게 사지가 적당히 멀쩡한 기분이 드는 것이 작품 탄생 후 5년 만에 처음이기 때문이다. 그렇다. 오늘 칼럼에서는 판소리가 소리꾼들에게 건네는 신체 부담, 흔히 직업병이라고 말하는 신체 소모에 대해 이야기하려 한다.전통 판소리꾼들의 극한의 훈련법에 대한 이야기는 어려서부터 무수히 들어왔다. (그에 관해서라면 칼럼2-▶▶▶“진짜로 똥물 먹나요?”편을 참고하시라.) 한데 그렇게 얻은 놀라운 성음에 대한 이야기, 그 이후의 서사는 듣지 못했다. 그래서, 그 후에 소리꾼은 행복하고 건강하게 잘 살았던가? 사랑받는 많은 이야기의 끝이 주인공의 승리나 성취에서 끝나지만 실상 그 이후 그들이 꾸려가는 삶이 더욱 어렵고 궁금하다. 예를 들어, 액션 영화 속 주인공들을 떠올려 보자면, 승리를 위해 주인공들이 그토록 고생을 하는데, 그 과정에서 겪은 신체 부상과 통증들은 과연 그들을 죽을 때까지 행복하게 지내는 해피 엔딩으로 내버려뒀을까? 3년 전, 이제는 은퇴하신 창극단원 선생님께서 연습실을 왔다 갔다 하는 필자를 불러 집에서 잘라 온 생 무를 건네주셨다. “몸에 좋아, 씹어 먹어.” 그러고는 툭 던지듯 하신 말씀이 “나 아는 어떤 소리 공부하는 지방 사람이 소리를 하도 지르다가 고혈압으로 쓰러져서 그대로 죽었댜. 긍께 소리꾼 덜언 항시 건강 조심해야혀.” 그때 그 다디단 생 무를 받아 아삭아삭 먹으며 ‘혈압이 확 오른다고 그렇게 바로 목숨을 잃기도 하는 건가?’라고 생각하다가 바쁜 현장 음악 연습 진행으로 금세 잊고 지냈다. 작년, 소리의 고장으로 이름난 지역에서 <노인과 바다>가 공연을 했다. 연초에 그 소식을 듣고 ‘과연 소리의 고장 관객들은 대체 얼마나 재미지게 공연을 보려나.’ 하는 기대감으로 근 반년을 기다렸던 공연이었다. 기대하고 기다리던 시간들이 훅 지나가 그 무대에 섰을 때, 필자는 참 주책맞게도 이 큰 기대감을 관객에게 발설해 버리고 말았다. “오래 기다렸던 무대입니다. 오늘 귀명창 분들이 던져주실 취임새가 얼마나 기다려졌는지 몰라요.”와 같은 내용의 인사말을 말이다. 이 말이 관객 개개인에게 각자 다르게 줄 부담을 생각하지 못했다. 귀명창이라 할 수 있는 소리를 좀 배운 관객들은 자신들이 귀명창이어야 할 부담을 느꼈을 것이고, 가뜩이나 취임새를 던지는 것이 낯설고 부끄러운 관객들은 주변에 있을 귀명창이라는 보이지 않는 존재 - 무대 위의 사람이 있을 것이라 말해버린 그 존재 - 에게 혹여 책 잡힐까 더더욱 움츠려 들었을 것이다. 이유야 정말 여러 가지 였을 것이다. 공연은 시작되었고, 초반 10분 동안 그야말로 나는 진땀을 뺐다. 예상했던 ‘자유롭고 열렬한 반응’이 아니라 너무도 조용하고 긴장된 10분을 보냈다. 나는 예상치 못한 이 딱딱한 분위기에 당황했다. 관객은 못 느꼈을 수도 있을 테지만 이 공연을 5년간 해오는 내 몸은 안다. ‘오늘의 관객은 아주 조용하다. 나는 이 공기의 무게를 잘 들어 올리며 진행해야 한다.’ <노인과 바다> 공연은 총 140분이 소요되는 공연이다. 나는 그날, 140분 동안 그 조용한 분위기를 깨어보려 평소의 두 배가량의 에너지를 사용했고, 그로 인해 평소보다 전반적인 음의 높이가 높아졌다. 평소에도 무대 위에서 키(Key)가 올라가면 머리로 오는 압력이 높아지기 때문에 늘 조심하곤 했었는데, 이날은 그런 조심을 할 겨를도 없이 음은 높아지고 나는 그 높은 음과 뻑뻑한 공기를 이겨내려 커다란 힘을 써 배의 압력을 최대치로 높여 버리고 말았다. 말 그대로 기를 쓰며 죽기 살기로 공연을 하고 무대에서 내려온 것이다. 공연의 표면은 내용이나 기술 면에서 평소와 크게 다르지 않게 완주했다. 허나 그날 이후 내 몸은 지속적인 이상신호를 보내기 시작했다. 처음엔 그냥 어지럼증이 좀 심해졌구나, 생각했다. 이전 작품의 투어로 인해 생긴 오른쪽 이명과 난청, 어지럼증은 늘 몸이 피로하거나 힘을 많이 쓴 공연 직후에 증세가 더 심해졌다가 돌아오곤 했기에 그러려니 했었다. 그러나 수상 하게도 심장 주변의 근육 통증이 있었다. 이 통증은 공연 직후 간헐적으로 있던 경미한 통증이었는데 위의 공연 이후로 통증이 찾아오는 간격도 좁아졌고 강도도 꽤 세었으며, 무엇보다 지속적 이었다. 뭔가 세한 기분이 들었다. 일주일이 채 지나지 않아 다른 지역에서 다시 <노인과 바다>를 올리는 공연 날, 분장실에서 나의 안색을 살핀 동료가 나의 증상을 물었고, “심장 주변이 자꾸 뭐에 찔리는것처럼 욱신거려요.” 라는 말을 듣고는 본인이 치료를 받는 내장기 도수치료사에게 전화를 걸었다. 증세를 들은 도수치료사는 “어? 그건 뇌압이 올라갔다는 신호에요. 내가 그리로 갈게요.” 라 답하고는 한달음에 달려와 공연 직전 나의 온몸을 차분히 만져 경추 뒤에 잔뜩 뭉쳐있던 근육과 여러 순환계의 흐름을 다시금 원활하게 해주었다. 그리고 그 덕에 나는 무사히 공연을 마칠 수 있었다. 그 일이 있은 후 필자는 판소리라는 예술이 소리꾼의 신체에 끼치는 영향에 대해 좀 더 진지한 사유를 시작했다. 하마터면 마비가 오거나 혹은 죽음에 이를 수도 있었을 것이라는 막연한 두려움이 커져, 한동안 판소리를 그만해야 하나 생각했다. 판소리 특유의 복압으로부터 질러내는 깊이감 있는 소리가 마치 차력쇼처럼 징그럽게 느껴졌고, 조선시대에도 소리꾼들이 이런 통증을 겪었을지 궁금했다. 어쩌면 조선시대 이후 판소리에 대한 관심이 크게 사그라드는 바람에 소리꾼들이 사람들의 관심을 끌기 위해 기예적인 측면을 강화해온 것은 아닐까 하는 의구심이 들기도 했다.인간문화재 송순섭 선생님은 1980년에 <흥보가> 완창을 무대에 올렸다가 관객 반응이 너무 좋아서 그 해 총 네 차례의 <흥보가> 완창을 강행했다가 왼쪽 전신에 마비가 오셨다고 했다. 또 현재 몸이 급속도로 안 좋아지신 한 명창 선생님께서는 제자들에게 “너희는 나처럼 미련하게 소리 많이 하지 마라.”라는 말씀을 하신다고 한다. ‘완창’ 이라는 장시간의 판소리 공연 형태는 1960년대에 박동진 선생님에 의해 처음으로 시도된 이후 판소리꾼들의 통과 의례와 같은 수련 방식이 되었다. 박동진 선생님이 유행시킨 ‘완창’은 1960~70년대 판소리에 대한 대중의 꺼져가는 관심의 불씨를 다시금 지피는데 커다란 역할을 함과 동시에, 소리꾼들에게 장시간 무대 위에서 소리 하는 위험한 일을 당연시하게 만들기도 한 셈이다.그리고 필자는 5바탕의 전통 판소리 완창을 모두 경험 하고, 2시간 30분 짜리 창작 판소리 들을 만들어 온 세계를 다니며 공연을 강행하는 삶을 살아왔다. 그 과정에서 세 번이나 이런 신체 위기를 겪고 나니(첫 번째는 8시간 완창 직후이며, 나머지 한 번은 <억척가>때이다.) 앞으로 무대 위에서 무사히 공연 해내는 방법을 찾지 못하면 나는 이 사랑하는 예술을 생각보다 훨씬 빠른 시간안에 멈출 수밖에 없게 되겠구나, 라고 생각하게 되었다. 그렇게 2023년을 힘겹게 보낸 후, 바로 어제가 2024년의 첫 장시간 공연이었다. 오랜만의 공연인 데다가 <노인과 바다>라는 작품에 완벽하게 어울리는 바다 가까운 지역에서의 공연이었다. 관객은 대극장 2층까지 가득했으니 참으로 흥분하기 딱 좋은 상황이었다. 한데 불행인지 다행인지 공연 전날 갑자기 목 근육에 심각한 담이 찾아왔다. 통증이 너무 심해서 공연 당일 인대 강화 주사며 근육이완제며 진통제며 할 수 있는 모든 방법을 동원해 통증을 완화하는데 온 힘을 기울였다. 그리고 그 덕에 어느 때보다 차분하게, 소리 하기 좋은 청(key)을 유지하며 공연을 진행했다. 근육의 통증이 나를 흥분하지 못하도록 제어해 줬고 그 때문에 음이 높이 올라가지 않은 채 2시간 30분 정도의 공연이 끝났다. 하도 여유를 부리며 너스레를 떨다 보니 평소보다 10분이나 늘어난 공연을 하고 내려왔다.물론 공연 직후의 몸은 여느 때처럼 천근만근이었으나, 평소였다면 몸에 열이 올라 밤새 설쳤을 잠을 오늘 아침에는 달게 푹 자고 눈을 떴다. 공연 다음 날인 오늘이면 당연히 비가 내리듯 무거웠을 등짝도, 발바닥의 통증도 거의 없이 일상과 비슷한 몸의 컨디션이다. 아…… 이는 정말 놀랍고 반가운 발견이다. 어제의 공연은 여느 때보다도 관객과 다정하게 에너지를 주고받았으니, 음을 높여 큰 힘을 쓰며 공연하지 않더라도 작품은 관객과 얼마든지 훌륭한 만남을 가질 수 있음을 확인했다. 그리고 나는 어두웠던 나의 판소리꾼으로서의 미래에 한줄기 빛을 보기 시작한 것이다. 그것이 바로 글을 쓰고 있는 오늘이다. 오늘도 이명, 뇌압, 등짝에 종종 찾아오는 담, 사지가 너덜거리는 듯한 신체 피로를 느끼며 판소리 공연을 하고 있을 소리꾼 동료들에게 또 한 번의 응원과 마음을 보낸다.우리, 그 자체로 충분한 예술을 지니고 있으니 부디 몸 건강히, 되도록 오랫동안 행복하게 관객을 만나자고.그렇게 높은 음이 꼭 필요한 것도, 놀라울 만큼의 커다란 성량이 꼭 필요한 것도 아니니 우리의 몸이 허락하는 선 안에서 마음껏 이 소리를 가꿔 보자고.
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바이올리니스트 윤소영 "시벨리우스 고유의 매력 들려드릴게요"
전 세계 무대에서 활약 중인 바이올리니스트 윤소영(40·사진)은 벌써 데뷔 34년 차 바이올리니스트다. 지난해에는 서울 롯데콘서트홀 인하우스 아티스트(상주음악가)로 선정돼 한국에서도 수차례 무대에 섰다. 올해도 지난 1월부터 독일에서 12차례 리사이틀 투어를 하고, 오는 28일 예정된 한경아르떼필하모닉과의 협연을 위해 한국으로 입국했다. 윤소영은 한국경제신문과의 전화 인터뷰에서 “연주 투어가 잡히면 매일같이 4시간 이상 연습하고, 차로 이동하며 한두 달을 보낸다”며 “최근 몸과 마음 건강에 신경 쓰기 시작했다”고 말했다.이번 공연에서 한경아르떼필과 들려줄 곡은 시벨리우스의 바이올린 협주곡. 바이올린 대표 레퍼토리이자 기교와 음악 측면에서 모두 까다로운 대곡이다. 윤소영은 “매우 좋아하는 곡이지만 할 때마다 도통 익숙해지지 않는 어려운 곡”이라며 “바이올리니스트를 희망했던 시벨리우스조차 자기가 써놓고 연주하지 못한 일화가 있을 정도로 연주자에게 도전적인 레퍼토리”라고 설명했다.시벨리우스 바이올린 협주곡은 특히 3악장이 기교적으로 난해하기로 유명하고, 특유의 차가우면서도 따뜻한 두 가지 극단적 분위기를 잘 나타내줘야 하는 곡이다. 윤소영의 시벨리우스는 어떨지 궁금해졌다. “예전에는 다른 사람과 달라야 한다는 강박 관념이 있었는데, 지금은 그저 있는 그대로 잘 표현하는 데 집중하려고 합니다. 아주 차갑게 시작하는 첫 부분과 2악장 포근하고 따뜻해지는 중간 부분. 그런 시벨리우스 고유의 아름다움을요.”한경아르떼필과 호흡을 맞추는 건 이번이 처음이다. 지휘는 이전에도 몇 차례 호흡한 적이 있는 이병욱과 함께한다. 윤소영은 “(한경아르떼필 연주를) 유튜브에서 몇 번 본 적이 있다. 말러 2번을 연주한 것도 봤는데 매우 젊고 열정이 많은 오케스트라”라며 “이병욱 선생님도 매우 존경하는 분이라 벌써 연주가 기대된다”고 전했다.프로 연주자로 매년 수십 차례의 공연을 소화하는 윤소영의 화두는 멘털 강화다. 육체적 건강뿐 아니라 정신 건강에도 많은 노력을 기울인다는 얘기다. “음악가들은 스스로 다른 사람과 비교하기 시작하면 무너져요. 어릴 때는 이런 게 심했고, 성숙한 음악가가 된 지금도 여전히 그런 생각들과 싸우고 있어요. ”매번 무대에서 최선을 다하려는 열정, 발전하고 싶은 의지는 때로 지나친 긴장과 불필요한 감정 기복을 만들어내기도 했다고. 그는 자신을 “무대에서 많이 긴장하는 축에 속하는 연주자”라고 했다. “다들 즐기라고 조언해요. 굉장히 쉬운 얘기 같은데 막상 마음이 잘 안 따라와요. 그래서 가끔 정신적으로 무너지기도 하죠. 근데 생각해보면 이 모든 게 설레서 그런 것 같아요. ”최다은 기자 max@hankyung.com
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