통영국제음악제부터 교향악축제까지…'3色 페스티벌' 막 오른다
윤이상 기리는 '통영국제음악제'
현대음악 집중 조명…초연작 多
23개 악단 참여하는 '교향악축제'
'탄생 200주년' 브루크너 작품 연주
'서울스프링실내악축제' 60명 참여
세계적인 작곡가 윤이상을 기리기 위해 시작된 현대음악 페스티벌 ‘통영국제음악제’와 국내 유수 오케스트라들이 한곳에 모여 선의의 경쟁을 펼치는 ‘교향악축제’, 내로라하는 연주자들의 신선한 음악적 호흡을 경험할 수 있는 ‘서울스프링실내악축제’ 등이 이맘때 열리기 때문이다.
스타트는 ‘통영국제음악제’가 끊는다. 1999년 ‘윤이상 음악의 밤’과 2000년 시작된 ‘통영현대음악제’를 모태로 2002년 출범한 음악제다. 오는 29일부터 다음 달 7일까지 경남 통영시 통영국제음악당에서 열리는 올해 음악제의 주제는 '순간 속의 영원(Eternity in Moments)'이다.
음악제 예술감독인 작곡가 진은숙은 "연주되는 곡 하나하나가 청중과 연주자 기억에 영원히 남을 아름다운 순간이 될 것이란 의미를 담았다"고 말했다. 올해 음악제는 헝가리 출신 거장 페테르 외트뵈시를 상주 작곡가로, 프랑스 클래식 음악계 대표 주자인 비올리스트 앙투안 타메스티, 피아니스트 베르트랑 샤마유, 플루티스트 에마뉘엘 파위를 상주 연주자로 선정했다.
다음 달 3일부터 28일까지 서울 예술의전당 콘서트홀은 ‘교향악축제’로 물든다. 1989년 시작한 이 축제는 국내 유수 오케스트라가 한곳에 모여 그간 단련한 연주 실력을 뽐내고 선의의 경쟁을 펼치는 자리다. 올해는 서울시립교향악단, KBS교향악단, 국립심포니오케스트라 등 전국 20개 국공립 교향악단과 함께 한경아르떼필하모닉, 심포니송, 코리안챔버오케스트라 등 3개 민간교향악단도 함께 무대에 오른다. ‘더 웨이브(The Wave)’란 부제를 단 올해 교향악축제에선 단 한 공연도 레퍼토리가 겹치지 않는다. 국립심포니오케스트라(지휘 다비트 라일란트)는 다음 달 12일 임형섭의 신작 ‘하윌라’를 세계 초연한다.
올해 19회를 맞은 ‘서울스프링실내악축제’는 다음 달 23일부터 5월 5일까지 세종문화회관, 예술의전당 등지에서 열린다. 이번 축제에는 베를린 필하모닉 플루트 수석을 지낸 마티어 듀푸르, 라디오 프랑스 필하모닉 오보에 수석으로 활동한 올리비에 두아즈, 파리 국립 오페라 오케스트라와 루체른 페스티벌 오케스트라에서 바순 수석을 지낸 로랭 르퓌브레, 프랑스 국립 오케스트라와 라디오 프랑스 필하모닉에서 호른 수석으로 활약한 에르베 줄랭 등 합주(合奏)에서 잔뼈가 굵은 연주자 60명이 참여한다.
김수현 기자 ksoohyun@hankyung.com
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전쟁에 오른팔 잃은 피아니스트…다섯 손가락은 열 손가락보다 강하다
지난 9일 서울 롯데콘서트홀에서 열린 국립심포니오케스트라 정기연주회. 이날의 협연자는 '라벨 스페셜리스트'로 알려진 피아니스트 장에플랑 바부제(62). 연주가 시작되자 그는 우아하게 건반 위에 손을 올렸다. 그런데 양손이 아니다. 왼쪽 손만 건반 위를 질주했다.그는 이날 왼손으로만 연주하는 모리스 라벨의 '왼손을 위한 피아노 협주곡'을 선보였다. 20여 분간 수십 명의 오케스트라와 오직 다섯 손가락으로 대적한 바부제는 빼어난 음색과 옥구슬 같은 소리, 정확하고 절제된 연주로 감동을 자아냈다. 바부제가 선보인 이 곡은 특별한 사연으로 유명하다. 라벨이 전쟁으로 오른쪽 팔을 잃은 오스트리아 피아니스트 폴 비트겐슈타인(1887~1961)을 위해 1930년 작곡한 것이다. 비트겐슈타인은 당대 출중한 피아니스트였고, 오스트리아에서도 유명한 부잣집이자 명문가였다. 가족들 또한 빼어난 지식인이자 문화예술에 정통한 인물들이었는데, 그의 동생은 유명한 철학자 루드비히 비트겐슈타인(1889~1951)이다.남부러울 것 없는 집안에 음악적 재능까지 타고난 비트겐슈타인, 그러나 1차 세계 대전은 이 장래유망한 피아니스트의 성공적 미래를 앗아간 듯 했다. 한쪽 팔만 남은 채 집에 돌아온 그를 위해 동료 작곡가들은 잇따라 왼손을 위한 레퍼토리를 작곡했다. 라벨 외에도 세르게이 프로코피예프, 에리히 볼프강 코른콜트, 폴 힌데미트 등이 비트겐슈타인을 위해 왼손을 위한 협주곡을 작곡했다. 피아노 협주곡 외에 자주 연주되는 왼손용 작품은 어떤 게 있을까. 라벨이 왼손을 위한 협주곡을 작곡할 당시 선배 작곡가 카미유 생상스의 작품을 연구했다는 일화가 전해진다. 생상스 역시 손을 부상당한 절친이자 피아니스트 카롤린 드세르(1843~1913)를 위해 '왼손을 위한 6개의 연습곡'을 작곡한 바 있다. 그는 바로크 시대 거장으로 유명한 프랑수와 쿠프랭과 장 필립 라모의 작품을 참고해 6개의 소품 모음집을 구성했다. 프랑스 음악가 '라모-생상스-라벨'의 계보가 왼손 레퍼토리에서도 이어진 셈. 이외에는 러시아 작곡가 알렉산드르 스크리아빈의 작품이 유명하다. 그가 1894년 작곡한 '왼손을 위한 전주곡과 녹턴'은 피아노 독주곡으로 스크리아빈 특유의 멜랑콜리한 선율과 신비로운 화성감이 돋보이는 걸작으로 꼽힌다. 이 곡 또한 스크리아빈이 지나친 연습으로 오른손에 부상을 입게되면서 만든 곡이다.이처럼 왼손용 레퍼토리는 오른손을 쓸 수 없거나 오른손이 불편한 연주자들을 위해 자연스럽게 만들어졌다. 그럼에도 포기하지 않고 연주를 계속하려는 음악가들의 열정과 이들을 위하려는 작곡가들의 우정 덕분에 후대의 왼팔 피아니스틀에게 보석같은 레퍼토리가 만들어진 것. 라벨과 스크리아빈의 곡 모두 눈을 감고 들으면 양손으로 치는 것과 다르지 않다. 저음으로 베이스 라인을 만들고, 고음 영역에서 멜로디를 이어가며 마치 양손과 같은 효과를 낸다. 당연히 난이도는 극히 높을 수 밖에 없어 '왼손을 위한 난곡(難曲)'이라는 우스갯 소리가 나온다. 허명현 음악 칼럼니스트는 "다섯 손가락으로 열 손가락의 효과를 내야하는 만큼 소리를 컨트롤이 쉽지않고, 기술적 어려움 또한 뒤따른다"고 말했다. 후대 왼손 피아니스트들도 등장했다. 미국 피아니스트 레온 플라이셔(1928~2020)가 대표적. 퀸 엘리자베스 국제 콩쿠르에서 우승(1952년)하며 천재 연주자로 명성을 날리던 그는 연주자로서 전성기인 34세 때부터 원인 불명의 오른손 마비 증상이 일어났다. 그럼에도 플라이셔는 피아노를 포기하지 않고, 왼손 레퍼토리 개발에 주력하며 연주활동을 이어갔다. 인고의 시간을 거친 그는 결국 40년 뒤 오른손을 치료해 양손으로 연주한 음반을 발표했다.일본 출생의 피아니스트 타테노 이즈미(88)는 2002년 1월 콘서트 도중 뇌졸중으로 쓰러졌다. 의식을 되찾은 그는 오른쪽 몸이 마비된 상태였다. 그럼에도 그는 한손으로 연주하며 후학 양성에 힘썼고, 그를 위해 수많은 작곡가들이 곡을 썼다. '타테노 이즈미의 왼손'이라는 곡에는 왼손을 위한 100여 곡이 수록돼 있다. 그는 "양손이 있었다면 이렇게 섬세하게 연주하지 못했을 것"이라는 말을 남기기도 했다. 국내에서는 왼팔 피아니스트 이훈 씨(52)가 지난해 6월 서울 예술의전당에서 왼손 레퍼토리들을 연주한 바 있다. 그는 미국 신시내티 음대에서 박사 과정을 이어가던 중 뇌졸중으로 한쪽이 오른쪽 반신 마비와 언어 장애를 얻게됐지만, 포기하지 않고 연주활동을 이어가고 있다. 신시내티 음대는 그의 노력을 높이 사 7번의 연주회를 마치면 박사 학위를 수여하겠다는 제안을 했고, 그는 수년의 노력 끝에 2017년 학위를 얻게 됐다. 최다은 기자 max@hankyung.com
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백발 연광철은 사랑을 노래, 청년 선우예권은 뜨겁게 헌신
음악사에서 가곡의 시대가 열린 것은 슈베르트가 등장하고부터였다. 낭만주의 시대에는 음악이 문학적인 상상력과 결합하는 경향이 강하게 두드러졌다. 처음부터 문학(시)을 기반으로 하는 가곡은 이런 경향에 안성맞춤이었다. 슈베르트와 더불어 화려하게 꽃피기 시작한 가곡이 슈만에 이르러 정점에 이르렀다. 슈만이 ‘낭만주의의 화신’이라 불리는 것은 결코 우연이 아니다.베이스 연광철(59)과 피아니스트 선우예권(35)은 지난 17일 서울 예술의전당에서 공연 ‘시인의 사랑’을 선사했다. 공연의 1부 순서는 슈만의 ‘시인의 사랑’으로만 채워졌다.작곡가의 대표작 중 하나로 꼽는 이 연가곡은 곳곳에 동경과 환희, 비탄과 절망이 넘쳐나는 작품이다. 이런 감정 상태는 청춘이기에 발생하고, 또 청춘이기에 비로소 정당화된다. 그런데 이 곡을 부른 연광철은 현재 환갑을 앞둔 성악가다. 나이가 이 곡을 노래하는 데 결격사유일 수는 없지만 문제는 따로 있다. 오페라에서 베이스가 맡는 역할은 크게 세 가지다. 왕, 아버지, 악당. 예외도 있지만 많지는 않다. 그리고 연광철은 세상이 알아주는 베이스다. 그의 목소리는 악당 역을 맡기에는 너무 고상하고, 왕이나 아버지 역할에 적격이다.어쨌든 셋 가운데 어떤 것도 ‘시인의 사랑’ 같은 곡과는 거리가 있는 이미지다. 선입견은 논리를 초월하는 것이기에 극복하려면 표현력이 필요하고, 연광철은 분명 이를 갖췄다. 그는 첫 곡 ‘기적처럼 아름다운 5월에’는 말할 것도 없고, 여러 대목에서 힘차고 열정적인 가창으로 이따금 느껴지는 관조적인 인상을 효과적으로 보완했다. 열 번째 곡 ‘언젠가 그 노랫소리 들려올 때면’처럼 그의 장중한 노래가 오히려 더 비감을 생생하게 전달해주는 경우도 없지 않았다. 절망감을 극도로 생생하게 전달한 열세 번째 곡 ‘나는 꿈속에서 울었습니다’에 대해서도 같은 말을 할 수 있다.공연이 성공적일 수 있었던 데는 선우예권의 헌신적이고 감각적인 반주도 결코 빼놓을 수 없다. 그는 반주자로서 연광철을 충실히 뒷받침하면서도 슈만 특유의 낭만성을 독자적인 경지로 펼쳐 보였다. 전반적으로 감정의 동요를 설득력 있게 보여줬으며, 열다섯 번째 곡 ‘옛날 동화에서 손짓을 보낸다’에서 들려준 생동감 넘치는 표현은 일품이었다. 열여섯 번째이자 마지막 곡인 ‘낡아빠진 못된 노래들’의 꿈결 같은 후주는 시의 화자가 겪은 그 모든 고통을 온전히 보상해줄 수 있을 것처럼 아련하고도 달콤했다. 다만 곡의 여운을 음미하기도 전에 성급하게 박수가 터져 나온 것은 무척 아쉬웠다.선우예권은 2부 순서의 핵심인 ‘다비드 동맹 무곡’ 역시 훌륭하게 연주해내리라 기대할 수 있었고, 실제 연주도 그에 걸맞았다. 그는 첫 곡 ‘생기있게’부터 천진함과 진지함, 열망이 교차하는 연주로 청년 슈만이 느꼈을 감정의 기복을 멋지게 담아냈다. 전곡을 거의 끊지 않고 이어 연주함으로써 감정의 흐름을 자연스럽게 이어간 것도 돋보였고, 전체적으로 폭넓고 과감한 표현과 감각적인 터치가 돋보이는 연주였다. 이후에는 다시 연광철이 슈만의 가곡 ‘내 고뇌의 아름다운 요람’과 ‘나의 장미’, ‘헌정’을 노래했다. 전체적인 해석은 아까와 비슷했지만 ‘헌정’에서 표현한 뜨거운 열정은 이전의 어떤 곡에서도 접하지 못한 수준이었다.총평하자면 단순히 완성도가 높은 것을 넘어서 두 음악가가 나이 차를 넘어 서로 존경하고 존중하는 모습을 엿볼 수 있었던 좋은 무대였다고 하겠다.황진규 음악칼럼니스트
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"클래식 도시가 살 길은 '공연의 디지털화'…하이퀄리티는 필수죠"
“당시엔 완전히 불가능했죠. 단원 모두가 말도 안 된다고 했어요.”올라프 마이닝어 베를린필미디어 총괄책임자(사진·60)는 18년 전을 회상하며 이렇게 말했다. 1995년 첼로 단원으로 입사해 이듬해 베를린필 수석첼리스트가 된 마이닝어는 디지털 콘서트홀(DCH) 설립 아이디어를 처음 제안한 인물이다.30년째 이곳에서 단원이자 매니저로 몸담아 온 그는 최근 한국경제신문과의 인터뷰에서 “당시 인터넷이 급격히 부상하고, CD 시장이 빠르게 줄어드는 변화가 있었다”며 “공연의 디지털화가 오케스트라와 클래식 음악이 계속 연주될 수 있는 확실한 해결책이라고 생각했다”고 말했다.지금이야 스트리밍 서비스가 보편적이지만, 당시엔 스마트폰도 나오기 전이었다. 단원들의 초기 반응은 냉랭했다. 라이브 연주를 남기는 것 자체가 불편하다는 의견이 많았다.“‘빅 브러더’가 연주를 감시하는 것 같아 음악에 몰입이 어렵다”는 이야기였다.1년간 단원을 끊임없이 설득한 끝에 당시 상임지휘자인 사이먼 래틀을 비롯해 단원 모두를 디지털화에 몰두하게 했다.“실행은 더 어려웠죠. 촬영이나 녹음이 연주에 방해가 되지 않아야 하고, 퀄리티는 좋아야 했으니까요. 시작부터 음질은 CD 퀄리티, 화질도 고화질(HD)을 원했습니다. 가장 중요한 건 퀄리티였고 그것과 타협할 생각은 결코 없었어요. 그래서 3년이라는 준비 기간이 필요했습니다.”그는 인터뷰 내내 ‘퀄리티’를 강조했다. 무엇보다 최고의 품질을 추구해야 한다는 것이다. 베를린필미디어는 빠르게 무언가를 내놓으려 하기보다는 더 좋은 품질로 제작하기 위해 기다리고 준비하는 과정을 거듭했다.“혁신 사례로 언급되지만 그보다 품질을 더 강조하고 싶습니다. 연주할 때도 왜, 누구를 위해, 무엇을 연주할지 고민하고 최고의 퀄리티로 최선을 다할 때 관객의 마음에 닿을 수 있으니까요. 디지털 작업도 그와 비슷하게 생각했어요.”DCH 이후 베를린필의 가장 큰 변화는 ‘글로벌 청중’이 생겼다는 점이다. 세상을 떠난 지휘자들의 연주 영상을 복원하고, 모든 콘서트 기록을 남겨 15년간 연주 영상만 780여 개, 그동안 다룬 클래식 작품만 1700여 개 레퍼토리에 달한다. 아티스트 인터뷰 등 필름도 제작해 그야말로 ‘베를린필 글로벌 팬덤’을 구축했다.베를린=최다은 기자 max@hankyung.com
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