첼리스트 한재민, 윤협 개인전 '녹턴시티'서 게릴라 콘서트
윤협 개인전서 20일 연주
18일 롯데문화재단에 따르면 첼리스트 한재민(18)의 게릴라 콘서트가 오는 20일 서울 잠실동 롯데뮤지엄에서 열린다. 재단은 녹턴시티의 오후 4시 도슨트 설명 종료 후 '나이트 인 뉴욕(Night in New York)' 작품 앞에서 한재민이 약 25분간 연주한다"고 밝혔다.
롯데뮤지엄 관계자는 "윤협의 작품과 한재민의 첼로 연주가 어우러져 전시장이 환상적인 공간으로 탈바꿈 하게 된다"며 "진정한 미술과 음악의 협연이 될 것"이라고 전했다.
윤협 작가의 개인적 녹턴시티에서는 그의 초기작푸터 신작, 회화, 조각, 영상, 드로잉 등 총 230여 점의 작품을 한자리에서 만날 수 있다. 윤협은 음악에서 많은 영감을 받는 작가로 알려져 있다. “어릴 적 어머니가 하시던 음악학원에서 즉흥 연주를 배운 경험을 지금까지도 미술로 옮겨오고 있다”고 밝힌 바 있다.
그의 그림은 오직 '점'과 '선'으로 이뤄져 있어 율동감, 리듬감이 느껴지는 게 특징이다. 이 독특한 화풍 때문에 미술계의 주목을 받았다. 미국 뉴욕을 중심으로 활동중인 윤협은 세계 여러 도시를 돌며 포착한 풍경과 그 속에 담긴 사람의 이야기를 담아내고 있다.
최다은 기자 max@hankyung.com
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50년째 전성기인 '현의 여제'…안네 소피 무터의 칸타빌레
안네 소피 무터(61·왼쪽)는 현역 바이올리니스트 중 남녀 불문하고 단연 가장 원로급이다. 새삼스러운 얘기지만, 그녀는 14세인 1977년 헤르베르트 폰 카라얀이 지휘하는 베를린 필하모니 오케스트라와 함께 오케스트라 데뷔 무대를 치른 후 환갑을 넘긴 지금까지 활발하게 활동하면서 오랫동안 ‘바이올린의 여제’로 칭송받았다. 지난 14일 서울 예술의전당에서 열린 공연에서 무터는 자신이 왜 그렇게 불렸는지를 극명하게 보여줬다. 당분간은 누구에게도 제위를 선양할 마음이 없어 보였고, 또 그래야 할 이유도 없어 보일 만큼 훌륭한 공연이었다.세월의 흐름은 누구나 피할 수 없는 법. 무터 역시 첫 곡인 모차르트의 ‘바이올린 소나타 18번 사장조’ 맨 첫머리에서 음정이 미세하게 흔들리거나 두 번째 순서인 슈베르트의 ‘환상곡 다장조’에서 피치카토(현을 손으로 뜯어서 소리 내는 주법)를 좀 둔하게 연주하는 등 자신도 예외가 아님을 보여줬다. 그러나 깊이 있는 해석은 이런 사소한 결함을 덮고도 남았다. 무터는 모차르트에서 유연하면서도 섬세하고 조화로운 연주를 들려줬고, 슈베르트에서는 ‘칸타빌레(노래하듯이)란 바로 이런 것’이라고 말해주는 듯했다.2부 순서의 첫 곡은 클라라 슈만(로베르트 슈만의 아내)의 ‘세 개의 로망스’였다. 곡의 낭만성을 굳이 강조하지 않는, 어찌 들으면 상당히 관조적인 연주였는데, 이 점이 역설적으로 ‘머언 먼 젊음의 뒤안길에서 이제는 돌아와 거울 앞에 선’ 듯한 원숙함을 느끼게 했다. 마지막 순서는 오토리노 레스피기의 ‘바이올린 소나타’였는데, 무터는 이 곡에서 (슈베르트의 ‘환상곡’ 맨 마지막 대목을 제외하면) 앞서는 보여주지 않던 강렬함을 마음껏 펼쳐 보였다. 결단력 있고 단호한 마무리는 특히 인상적이었다. 25년이 넘도록 무터의 반주자로 활동한 람베르트 오르키스(오른쪽) 역시 모범적일 만큼 단정하게 연주한 이전 곡들과 달리 여기서는 과감하고 역동적인 반주로 무터를 뒷받침했다.전체적으로 보아 이번 공연 프로그램 구성은 고전주의 음악(모차르트)으로 시작해 20세기(레스피기)로 나아가게 구성돼 있었는데, 그런 측면에서 보면 무터가 무려 네 곡(!)이나 연주한 앙코르에서 두 곡을 존 윌리엄스의 작품으로 구성한 것은 무척 일관성 있는 행보였다고 할 수 있겠다.두 번째 앙코르 ‘곁에 있어 좋아(Nice to be around)’는 영화 ‘신데렐라 리버티’에 나왔던 음악으로 재즈풍인 데 비해 네 번째로 연주한 ‘쉰들러 리스트’ 주제곡은 특유의 비가풍 선율을 깊은 감성으로 애절하게 연주해 대조를 이뤘다. 한편 첫 번째와 세 번째 앙코르는 각각 브람스 ‘헝가리 춤곡’ 가운데 ‘1번’과 ‘2번’으로, 여기서 무터는 템포와 표현을 극단적으로 설정해 그야말로 앙코르다운 연주를 들려줬다.무터는 앙코르에 앞서 오르키스와의 특별한 인연을 강조하기도 하고 자신이 세운 ‘안네 소피 무터 재단’에서 세계 각국의 젊은 연주자들을 후원하는 이야기를 들려줬다. ‘여제’라는 진부한 수사에서 느낄 수 있을 법한 오만함 따위는 그림자도 없었다. 이 또한 그녀가 이렇게 긴 세월 동안 많은 이에게 사랑받을 수 있었던 이유 가운데 하나가 아닐까.황진규 음악 칼럼니스트
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영국서 무대, 배우, 음악이 완벽하게 맞물린 오페라를 맛보다
오페라의 경우 평소 대체로 오소독스(Orthodox)한 무대를 선호하는 편입니다만 <마술피리>의 경우는 좀 다릅니다. 특히 펜데믹 이전에 로마 극장에서 발전된 에니메이션 영상 기술과 기발한 무대장치의 결합에 의해 이 작품에 담긴 동화적 환상의 세계를 절묘하게 표현해낸 멋진 현대적 연출을 경험한 이래(아래 유튜브 영상 참조) 색다른 연출에 의한 <마술피리> 무대를 늘 동경하여 왔습니다. 그런데 이번에 런던 콜리세움에서 관람한 영국국립오페라(ENO)의 <마술피리>는 그러한 갈증을 단번에 풀어주는 참으로 매력적인 공연이었습니다. 이번 공연은 유명한 사이먼 맥버니(Simon Mcburney)의 2012년 연출을 레이첼 휴어(Rachel Hewer)가 리바이벌한 것인데, 이번 공연이 벌써 세번째 리바이벌이라고 하더군요.흔히들 오페라를 종합예술이라고 하는데, 이번 공연은 무대 세팅 및 연출, 솔리스트들의 연기와 가창, 합창 및 오케스트라, 관객과의 교감, 오페라 홀의 음향 등이 완벽히 조화를 이룬 종합예술의 극치였다고 평가를 하고 싶습니다. 무대 세팅과 연출런던 콜리세움의 홀을 들어서자 맨 먼저 눈에 들어오는 것이 무대 위의 심플한 사각형 플랫폼이었는데, 알고보니 이 플랫폼이 무대 위에서 기울어지기도 하고 또 들어 올려지기도 하는 방식으로 작동하더군요.이러한 단순한 무대 장치를 매우 변화무상하 만든 것은 무대 앞쪽과 뒤편의 막들과 중간의 플랫폼등을 스크린으로 활용한 각종 에니메이션 영상들이었습니다. 예를 들어 밤의 여왕이 등장할 때면 별들로 가득한 어두운 밤하늘이, 또 타미노가 마술피리를 연주할 때면 코끼리 등 각종 동물들이, 그리고 사원을 묘사할 때면 기둥처럼 꼳혀있는 두꺼운 책들이, 후반부에 주인공들이 물과 불의 시험을 통과할 때는 말 그대로 거대한 화염 등이 무대를 영상으로 가득채우며 다양한 환상적인 장면들을 연출해내었습니다.이러한 무대 장치와 함께 특이했던 것은 무대 좌우 끝편의 구석에 설치된 키오스크였는데, 우선 왼쪽으로는 비디오 아티스트 벤 톰슨(Ben Tomson)이 칠판에 직접 그리고 내용들이 쓰는 무대 반투명의 막이나 뒤편의 막 위에 라이브로 투사되는 방식으로 꾸몄습니다. 반투명의 막위로 영상을 투사하는 방식은 지난 해 빈 강변극장의 <마탄의 사수>에서 경험한 적이 있지만, 이렇게 라이브로 비디오 아티스트가 직접 반투명 막위로 라이브로 글과 그림을 그리는 방식은 다른 오페라에서 보기 힘든 상당히 색다른 시도였습니다. 벤 톰슨이 이렇게 직접 그려넣는 해당 막과 각 장면의 간략하고도 상징적인 소개가 전체 무대와 절묘하게 어울려 관객들의 몰입감을 한층 더 높여 주었습니다.그리고 무대 오른쪽 구석으로 자리 잡은 폴리 아티스트 루쓰 설리번(Ruth Sullivan)이 무대의 상황과 가수들의 동작에 맞춰 각종 특이한 효과음들을 만들어내는 장면들이 실시간으로 관객들에게 노출되었는데, 이 또한 공연의 재미를 크게 높여 주었습니다. 특히 마지막에 술에 취한 파파게노가 와인병을 이용하여 (워터 글라스 하프나 물 실로폰 처럼) 주제 동기를 연주하다가 뒤로 돌아서서 소변으로 와인병에 물을 채우는 익살스런 장면 등에서도 능수능란한 효과음으로 서로 절묘하게 호흡을 맞춰내던 모습은 (그 때 오케스트라에 의해 뜬금없이 연주된 베토벤의 환희의 송가와 함께) 아직도 기억에 생생합니다.현대적 기술을 활용한 각종 무대 장치와 함께 눈을 끈 것은 오케스트라의 위치와 역할이었는데, 특히 오케스트라는 통상의 낮은 피트에서 한층 더 끌어 올려져 거의 무대와 높이를 같이 할 정도로 노출되어 있었습니다. 홀에 도착해서 이러한 세팅을 보고 좀 의아했는데, 공연이 진행되면서 연출자의 핵심 의도를 간파할 수 있었습니다.즉, 이번 공연에서 오케스트라는 단순한 반주의 역할을 하는 데서 나아가 무대의 일부분으로 활용되었습니다. 특히 <마술피리>에 등장하는 (역경을 이기는 음악의 힘을 상징하는) 핵심적인 악기인 플루트와 첼레스타는 통상 타미노와 파파게노가 연주를 하는 것처럼 흉내를 내는 것으로 연출이 되지만 이번 연출에서는 타미노가 오케스트라 피트를 드나들며 플루티스트를 무대에 초대하여 직접 플루트를 불게하고 또 파파게노 역시 첼레스타 주자에게 요청하여 직접 악기를 연주하게 하였는데, 이는 아주 자연스럽게 오케스트라와 무대를 엮어줌으로써 전체 공연의 무대가 오케스트라 피트로까지 확장되는 효과를 가져왔습니다.무대의 확장이라는 관점에서는 주인공들이 수시로 스테이지에서 오케스트라 피트를 지나 심지어 객석에까지 진출하여 노래와 연기를 하는 장면까지 곁들여짐으로써 마치 런던 콜리세움 전체가 통으로 하나의 커다란 무대가 되어 관객들이 무대의 현장에 직접 들어와 있는 착각까지 불러 일으켰습니다. 솔리스트와 합창, 오케스트라 이러한 화려하고도 독창적인 무대 연출에도 불구하고 음악적인 측면에서 만족감을 주지 못하는 공연이었다면 반쪽의 성공에 불과하였을 것입니다. 그러나 이번 공연에 캐스팅된 솔리스트들은 연기는 물론 음악적 기량과 표현력이 매우 탁월하였습니다.타미노를 맡은 미국 출신 테너 노만 라인하르트(Norman Reinhardt)와 파미나 역할의 영국 출신 소프라노 사라 타이난(Sarah Tynan)은 매우 안정적인 가창과 함께 절묘한 궁합을 이루었으며, 파파게노 역의 데이비드 스타우트(David Stout) 또한 익살스럽고도 자연스런 연기와 함께 음악적 표현력을 겸비한 우수한 가수였습니다. 그리고 자라스트로의 역할을 맡은 캐나다 출신 베이스 존 렐리에(John Relyea)의 목소리는 마치 신의 목소리와도 같이 너무나 깊고 고귀하였습니다.그 밖에 밤의 여왕의 세 명의 시녀들은 (캐릭터의 부정적 특성을 부각시키기 위한 것이었겠습니다만) 전나의 몸을 드러내는 듯한 시스루 의상이 눈에 다소 거슬렸습니다만 음악적으로는 만족스러웠고, 두 명의 소년과 한 명의 소녀로 구성된 세소년 역시 정령과도 같이 신비로운 목소리와 화음이 매우 인상적이었습니다. 합창 또한 매우 힘있고 또렷하여 감동적이었고 젊은 여성 지휘자 에리나 야쉬마(Erian Yashima)가 이끄는 오케스트라 또한 매우 민첩하고도 역동적인 음악으로 홀을 채웠습니다.그러나 무엇보다도 이날 공연에서 돋보인 가수는 밤의 여왕을 맡은 소프라노 라이넬 크라우제(Rainelle Krause)였습니다.이번 공연에서 밤의 여왕은 휠체어를 타거나 지팡이를 집고 절뚝이는 노파로 등장하는데, 카리스마 넘치는 역동적인 연기는 물론 매우 음악적인 표현과 안정적인 발성에 기반한 그녀의 아리아들은 지금까지 경험해본 밤의 여왕의 아리아들 가운데서도 매우 강렬하면서도 인상적인 가창이었습니다. 런던 콜리세움의 음향과 청중이번 공연의 또 다른 특징은 독일어에 의한 징슈필인 <마술피리>를 영어로 번안하여 관객들의 몰입도를 높였다는 점입니다. 이 점은 위에서 설명 드린 것처럼 현대인들에게 매우 친숙한 무대장치와 연출을 통해 마치 한 편의 뮤지컬처럼 자연스럽게 청중에게 어필하는 데에 큰 기여를 한 것 같습니다.게다가 비교적 작은 규모의 런던 콜리세움의 멋진 음향 또한 오페라에 몰입하는 데에 큰 도움을 주었는데, 순간순간마다 객석에서 터져나오는 순진한 웃음과 소박한 탄성들을 통해 청중들이 남녀노소 할 것 없이 모두 얼마나 이 작품에 푹 빠져들었는지를 확인할 수 있었습니다.늦은 밤 소맷부리를 파고드는 런던 시내의 을씨년스러운 바람을 뒤로 하고 호텔로 돌아오면서 우리나라에서도 이런 환상적인 연출의 <마술피리> 공연을 볼 수 있다면 얼마나 좋을까 하는 상상을 해보았습니다.© 임성우 - 클래식을 변호하다
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女帝는 건재했다…'칸타빌레의 정수' 보여준 안네 소피 무터
안네 소피(실제 발음은 ‘조피’에 더 가깝지만 통상적인 표기를 따른다) 무터는 현역 바이올리니스트 가운데 남녀를 불문하고 단연 가장 원로급이다. 여기서 언급하기조차 새삼스러운 얘기지만, 그녀는 14세인 1977년에 헤르베르트 폰 카라얀이 지휘하는 베를린 필하모니 오케스트라와 함께 오케스트라 데뷔 무대를 치른 이후로 환갑인 지금까지 활발하게 활동하면서 오랫동안 ‘바이올린의 여제’로 칭송받았다. 지난 14일 서울 예술의전당에서 열린 공연에서 무터는 자신이 왜 그렇게 불렸는지를 극명하게 보여주었다. 당분간은 누구에게도 제위를 선양할 마음이 없어 보였고, 또 그래야 할 이유도 없어 보일 만큼 훌륭한 공연이었다.세월의 흐름은 누구나 피할 수 없는 법이다. 무터 역시 첫 곡인 모차르트의 ‘바이올린 소나타 18번 사장조’ 맨 첫머리에서 음정이 미세하게 흔들리거나 두 번째 순서인 슈베르트의 ‘환상곡 다장조’에서 피치카토(현을 손으로 뜯어서 소리 내는 주법)를 좀 둔하게 연주하는 등 자신도 예외가 아님을 보여주었다. 그러나 깊이 있는 해석은 이런 사소한 결함을 덮고도 남았다. 무터는 모차르트에서 유연하면서도 섬세하고 조화로운 연주를 들려주었고, 슈베르트에서는 ‘칸타빌레(노래하듯이)란 바로 이런 것’이라고 말해주는 듯했다.2부 순서의 첫 곡은 클라라 슈만(로베르트 슈만의 아내)의 ‘세 개의 로망스’였다. 곡의 낭만성을 굳이 강조하지 않는, 어찌 들으면 상당히 관조적인 연주였는데, 이 점이 역설적으로 ‘머언 먼 젊음의 뒤안길에서 이제는 돌아와 거울 앞에 선’ 듯한 원숙함을 느끼게 했다. 마지막 순서는 오토리노 레스피기의 ‘바이올린 소나타’였는데, 무터는 이 곡에서 (슈베르트의 ‘환상곡’ 맨 마지막 대목을 제외하면) 앞서는 보여주지 않았던 강렬함을 마음껏 펼쳐 보였다. 결단력 있고 단호한 마무리는 특히 인상적이었다. 25년이 넘도록 무터의 반주자로 활동한 람베르트 오르키스 역시 모범적일 만큼 단정하게 연주했던 이전 곡들과는 달리 여기서는 과감하고 역동적인 반주로 무터를 뒷받침했다.전체적으로 보아 이번 공연 프로그램 구성은 고전주의 음악(모차르트)으로 시작해서 20세기(레스피기)로 나아가게 구성돼 있었는데, 그런 측면에서 보면 무터가 무려 네 곡(!)이나 연주한 앙코르에서 두 곡을 존 윌리엄스의 작품으로 구성한 것은 무척 일관성 있는 행보였다고 할 수 있겠다. 두 번째 앙코르 ‘곁에 있어 좋아’(Nice to be around)는 영화 <신데렐라 리버티>에 나왔던 음악으로 재즈풍인 반면, 네 번째로 연주한 <쉰들러 리스트> 주제곡은 특유의 비가풍 선율을 깊은 감성으로 애절하게 연주해 대조를 이뤘다. 한편 첫 번째와 세 번째 앙코르는 각각 브람스 ‘헝가리 춤곡’ 가운데 ‘1번’과 ‘2번’으로, 여기서 무터는 템포와 표현을 극단적으로 설정해 그야말로 앙코르다운 연주를 들려주었다. 특히 ‘1번’ 마지막의 아첼레란도(점점 빠르게)는 한때 그녀의 전매특허나 다름없던 화려함을 새삼 돌이켜보게 했다.또 한 가지 앙코르에서 주목할 만했던 점은 청중과 다양하게 소통하려는 시도였다. 무터는 매번 앙코르에 앞서 오르키스와의 특별한 인연을 강조하기도 하고 자신이 세운 ‘안네 소피 무터 재단’에서 세계 각국의 젊은 연주자들을 후원하고 있으며 이 가운데는 한국인(바이올리니스트 최예은)도 있다거나, 존 윌리엄스에게 생강 쿠키를 선물로 보내고 답신을 받을 일화 등을 소개하면서 많은 청중에게 웃음을 선사했다. ‘여제’라는 진부한 수사에서 느낄 수 있을 법한 오만함 따위는 그림자도 없었다. 이 또한 그녀가 이렇게 긴 세월 동안 많은 이에게 사랑받을 수 있었던 이유 가운데 하나가 아닐까.황진규 음악 칼럼니스트
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