'청산은 나를 보고 말없이 살라 하네'…윤양호 개인전
5월2일부터 30일까지
작가의 42회 개인전인 이번 전시에서 보여주는 작품들은 이전과는 다르게 조금은 설명적이며, 비정형성이 강조되는 특성을 보여준다.
윤양호 작가는 선사상의 철학적 관점들을 정립하는데 많은 노력을 기울이고 있다. 작가는 자신의 작품에 대해 “Red(빨강)은 명상을 상징한다. 일반적으로 빨간색은 강한 에너지, 열정, 권력 등으로 인식되며 강함을 상징한다"며 "나의 작품에 등장하는 빨간색은 강한 에너지를 중화시키며 중도의 역할을 한다. 캔버스에 반복된 붓질을 통하여 강함을 만들어 가는 색상은 어느 순간 정점을 지나 따뜻하고 부드러운 모습으로 변화한다"고 설명했다.
윤양호 작가는 독일 국립 뒤셀도르프 쿤스트아카데미에서 마이스터쉴러 학위를 취득하였으며, 원광대학교 선조형예술학과 교수를 역임하였다. 현재 전업 작가로 작업에 몰두하며 독일과 한국을 오가며 작품활동을 하고 있다.
한경닷컴 뉴스룸 open@hankyung.com
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파리의 아침햇살에 빛나던 물방울, 마흔의 김창열은 전율했다
50년. 한국 현대미술의 대표 화가 중 한 명인 김창열 화백(1929~2021)이 ‘물방울 그림’을 그리는 데 쏟은 시간이다. 사람들은 묻는다. 어떻게 50년씩이나 질리지도 않고 한 가지 주제로 그림을 그릴 수 있었냐고. 그에게 물방울은 어떤 의미였냐고. 서울 사간동 갤러리현대에서 열리고 있는 김 화백의 작고 3주기 회고전 ‘영롱함을 넘어서’는 그 질문에 대한 답을 가늠해볼 수 있는 전시다. 김 화백의 1970년대 초반 작품부터 2019년 작품까지를 망라하는 그림 38점이 나왔다. “물방울은 그냥 물방울”김 화백이 물방울 그림을 그리게 된 계기는 한 편의 드라마를 방불케 한다. 젊은 시절부터 여러 미술 운동의 선두에 서며 두각을 드러냈던 김 화백은 세계 미술계에 직접 도전하기 위해 1965년 미국 뉴욕으로 건너갔다. 하지만 동양에서 온 무명 화가를 주목하는 사람은 아무도 없었다. 훗날 김 화백은 무관심과 생활고에 시달리던 이 때를 “악몽 같았다”고 회고했다. 1969년 프랑스 파리로 거처를 옮긴 뒤에도 상황은 별반 달라지지 않았다.새 캔버스를 살 돈도 없었다. 그래서 김 화백은 그림을 그린 캔버스를 재활용해 또다른 그림을 그리곤 했다. 그 과정에서 그는 물감이 떨어지기 쉽도록 캔버스 뒷면에 물을 뿌려뒀다. 그러던 1971년의 어느날 아침, 김 화백은 아침 햇살을 받으며 캔버스 표면에서 영롱하게 빛나는 물방울의 아름다움에 새삼 눈을 떴다. “그때 물방울을 만나고 존재의 충일감에 몸을 떨었다”고 생전의 김 화백은 회고했다.이후 그는 캔버스에 물방울을 그려넣기 시작했다. 물방울 연작은 1972년 첫 전시 직후부터 프랑스와 한국 미술계의 주목을 받았다. 1층 전시장에 나와 있는 1970년대 작품들에 그의 초기 화풍이 드러나 있다.인기를 얻게 된 그에게 “왜 물방울을 그리냐”는 질문이 쏟아졌다. 평론가들은 비극을 보고 흘린 눈물, 세상을 정화하는 물, 환상과 현실의 경계 등 다양한 해석을 내놨다. 하지만 정작 그의 답변은 이랬다. “특별한 의미 없어. 물방울이 그냥 물방울이지.” 같은 물방울이 없다김 화백은 자신의 그림을 굳이 현학적인 말로 포장하려 하지 않았다. 오직 ‘더 아름다운 물방울 그림’을 그리는 데만 열중했다. 김시몽 제주도립 김창열미술관 명예관장은 “마치 아이가 구슬 놀이를 하듯이, 김 화백은 순수한 마음으로 물방울의 시각적 효과를 연구하고 즐겼다”고 말했다.수없이 많은 물방울을 그렸지만 그 중 똑같은 물방울은 하나도 없었다. 2층과 지하 전시장에 걸린 1980년대 이후 작품들에서는 글자 위에 맺힌 물방울, 스며들며 글자를 번지게 한 물방울, 큰 물방울, 빨리 떨어져 내리는 물방울, 그러다 합쳐진 물방울, 제멋대로 찌그러진 물방울 등 다양한 변주를 통해 김 화백의 끊임없는 실험을 엿볼 수 있다.김 화백은 이렇게 말하곤 했다. “나는 모든 것을 물방울 속에 녹이기 위해 물방울을 그린다.” 그 말대로 평생 수행하듯 무아지경으로 그린 캔버스 속 물방울에는 김 화백의 50년에 걸친 예술혼이 녹아들어 있다. 심오한 설명도, 화려한 색채나 모양도 없는 그냥 물방울 그림이 많은 사람들의 사랑을 받는 건, 김 화백의 이런 순수한 열정과 집념이 느껴지기 때문이라는 평가다.김 화백의 작품을 시대별로 고루 감상하며 그의 작품세계 전반을 돌아볼 수 있는 전시다. 방탄소년단(BTS) RM이 소장한 작품도 한 점 나와 있다. 전시는 6월 9일까지.성수영 기자 syoung@hankyung.com
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은둔의 벨기에 작가 한국 나들이…"현실보다 상상이 더 흥미로워요"
극도로 내성적인 작가가 한국을 찾아왔다. 벨기에 작가 리너스 반 데 벨데다. 그는 서울 종로구 아트선재센터와 서초구 스페이스이수에서 개인전을 열고 있다. 두 곳의 전시가 끝나면 작품을 그대로 들고 광양 전남도립미술관을 찾는다.벨데는 말 그대로 ‘방구석 작가’다. 집을 나서거나 남에게 노출되는 것을 싫어한다. 한국에서 3곳의 전시회를 열면서도 공식 행사를 하지 않았다. 외부 작업도 없다. 집에서 책과 TV, 영화 등을 보며 바깥세상을 구경한다. 그리고 실제 이미지에 상상을 더해 현실과 상상 어딘가에 있는 새로운 세계를 작품으로 만든다.아트선재센터 전시를 관통하는 건 두 편의 영상이다. 야외에서 찍은 것 같지만 영상 제작은 모두 작업실 안에서 이뤄졌다. 자동차, 바위산, 과일 가판대 등 바깥세상을 세트장으로 창조했다. 소품은 모두 벨데가 직접 손으로 만들었다. 서울 전시에서는 소품들도 함께 설치됐다.2층 전시장에는 눈알이 뚫린 라텍스 마스크가 있다. 벨데는 자신의 얼굴을 그대로 본뜬 마스크를 배우에게 씌우고 영상을 찍었다. ‘내 얼굴로 180도 다른 삶을 살면 어떨까’라는 상상이 영감이 됐다.실제 자동차를 그대로 옮겨놓은 소품도 등장했다. 내부 기어, 계기판과 핸들까지 모두 진짜 자동차와 똑같을 정도로 정교하다. 특이한 점은 번호판이다. 숫자, 글자 대신 패턴을 심었다. 이유에 대해 벨데는 “내 허구의 세계에 특정 국가나 도시를 반영하기 싫다”고 말했다고 한다.이번 전시에는 벨데의 회화도 소개됐다. 그가 그리는 회화는 반드시 하단에 텍스트가 놓인다는 점이 특징이다. 그림 밑에 글귀를 적어 작품이 신문 사진기사처럼 느껴지게 의도했다. 하지만 글귀들에는 맥락이 없다. 유명한 인물의 말을 인용하거나 라디오에서 나온 이야기, 꿈에서 들은 말을 무작위로 썼다. 관객이 회화와 텍스트의 연관성을 상상하게 하기 위해서다. 전시 제목 ‘나는 욕조에서 망고를 먹고 싶다’도 작품 속에 쓰인 문구다. 프랑스 화가 앙리 마티스가 한 말에서 따왔다.벨데의 영상·회화 작품 등은 집 안에서 만든 것이라고는 믿어지지 않는다. 그만큼 외부 세계를 정교하게 드러내고 디테일에 공을 들였기 때문이다. 이를 가장 잘 보여주는 작품이 그의 목탄화다. 풀밭에 드러누운 자신의 모습을 담았는데, 풀잎 하나하나 앞에 두고 그린 듯 세밀하게 묘사했다. 하지만 이 장소 역시 실제 존재하지 않는 ‘허구의 장소’다.“무언가를 현실에서 직접 경험하는 것보다 상상하는 것이 더 흥미로운 경우가 많다. 답답하고 장애물이 가득한 현실과 달리 상상 속에서는 무엇이든 생각하고 경험할 수 있다.”서울 2곳에서 열리는 전시는 5월 12일까지. 이후 전남도립미술관에서 이어진다.최지희 기자 mymasaki@hankyung.com
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누나는 그림으로, 동생은 조각으로 … 똑 닮은 남매가 함께 전시를 열었다
닮은 얼굴로 닮은 미소를 짓고 있는 두 작가. 다정한 모습은 언뜻 부부처럼 보이지만, 이 둘은 남매지간이다. 3남 4녀 중 1939년생인 둘째 누나와 1947년생인 여섯째 동생이 함께 전시를 열었다. 그림을 그리는 것을 좋아하던 어머니와 소설가 아버지 사이에서 태어난 두 남매는 부모의 예술 DNA를 그대로 물려받았다. 지금 서울 종로구 학고재갤러리에서는 윤석남과 윤석구의 전시 '뉴 라이프'가 열리고 있다. 두 남매가 각자의 작품을 한 곳에서 선보이는 건 이번 전시가 처음이다. 윤석구의 설치작 전시를 준비하던 학고재가 “누나 윤석남의 작품을 함께 걸면 어떻겠냐”고 제안하며 남매 그룹전이 성사됐다. 학고재의 문을 열자마자 관객을 맞이하는 건 팔을 한껏 벌리고 선 남성의 조각상이다. 마치 영화 ‘박하사탕’의 설경구를 연상시키는 자세를 취하고 있는 이 조각상은 레오나르도 다빈치의 인체비례 드로잉을 본따 만들었다. 그 위에는 알록달록한 천을 덧씌웠다. 윤석구는 인체비례라는 진지한 작품에 화려한 천을 씌우는 과정을 통해 다빈치에서부터 비롯된 ‘과학만능주의’에 비판적 시선을 보낸다. 과학이면 뭐든 가능하다는 믿음이 유전자 조작, 환경 파괴 등 오히려 혼란스러운 세상을 초래했다는 것이다. 이번 전시에는 윤석구가 만든 빌렌드로프의 비너스 조각도 전시됐다. 이 작품 위에도 그는 화려한 색과 모양의 천을 덧씌웠다. 최초의 인간 조각상을 의미하는 비너스에 색을 씌우며 피곤하고 지치지만 그 모습을 가리고 살아가야 하는 현대인의 아픔과 사회 문제를 표현했다. 윤석구는 이처럼 조각이나 설치작에 천을 감싸 새로운 작품을 만드는 작업을 해 온 작가다. 그는 익산의 한 산골에서 벌목을 하는 장면을 보게 됐고, 그 과정에서 반듯하고 깨끗하지 않은 비틀어진 나무들이 모두 버려지는 장면을 목격한다. 그는 버려진 나무들을 주워다 천을 감싸기 시작했다. 그는 이런 과정을 반복하며 나무에 새로운 생명을 주는 것 같다는 느낌을 받았다고 한다. 이후엔 아파트에서 버려진 물건들을 주워 천을 씌웠다. 이번 전시에도 탁자와 의자 등 일상 소품들에 갖가지 천을 싸맨 작품들이 나왔다. 윤석구에게 천을 씌우는 행위는 물건에 새 생명을 부여하고 버려진 아픔을 치유한다는 의미를 담고 있다. 그래서 그는 과거 빛을 보지 못했던 그의 작품들에 천을 씌우기도 했다. 이번 전시 제목도 ‘새 생명’이라는 뜻을 가진 ‘뉴 라이프’로 지었다. 학고재의 가장 안쪽 전시장으로 들어서면 누나 윤석남의 드로잉이 벽 세 면을 빼곡히 메웠다. 윤석남은 ‘아시아 대표 여성 작가’로 통한다. 여성 독립운동가 100인을 죽기 전까지 모두 그리는 작업을 오늘날까지 이어오며 대중에게 이름을 알렸다. 그의 드로잉엔 모두 시인지, 편지인지, 혹은 독백인지 모를 글들이 함께 쓰여졌다. 문학을 사랑하는 윤석남이 자신의 드로잉에 모두 서사를 부여하기 위해 글을 적어 넣은 것이다. 나무를 이용한 조각과 설치 작품을 주로 만들던 윤석남은 1990년대 후반과 2000년대 초반을 지나며 ‘아이디어가 고갈됐다’는 걸 느끼게 됐다. 곧바로 그는 모든 설치와 조각 작업을 내려놨다. 그리곤 낙서를 한다는 가벼운 마음을 갖고 드로잉을 시작했다.드로잉은 윤석남의 마음 속 응어리를 풀어줬다. 하루에 열 장을 그릴 때도, 한 장도 못 그릴 때도 있었지만 2년이란 시간을 드로잉에만 쏟으며 그는 치유받았다. 이번 전시에는 그 중에서도 윤석남이 스스로 ‘남에게 보여줄 만 하다’고 느낀 작품들만 골라 갖고 나왔다. 윤석남에게 드로잉이란 ‘완성작의 전 단계’가 아니라 그것 자체로 하나의 작품이다. 순간 떠오르는 짧은 생각을 표현할 수 있는 하나의 테크닉인 셈이다.그가 선보이는 그림 중에는 그네에 인물이 매달려 있는 듯한 작품이 많다. 윤석남은 ‘지상에서 딱 20cm만 떠 있었음 좋겠다’는 생각에서 모티브를 얻었다고 한다. 20cm가 고통스러운 현실을 외면하지 않으면서도 현실에서 벗어날 수 있는 높이라고 생각했기 때문이다. 그림 안에 나타나는 모든 여성은 자화상이다.두 작가는 미술 애호가도, 문외한도 즐길 수 있는 쉬운 작품을 선보인다. 하지만 그 안에 담긴 메시지는 묵직하다. 그림으로, 조각으로 세상을 향한 다정한 이야기를 선사하는 다정한 남매의 전시는 5월 25일까지 이어진다.최지희 기자 mymasaki@hankyung.com
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