뮤지컬 오디션에 합격한 뒤 만나는 첫 번째 난관, 출연 계약

입력2024.02.29 09:33 수정2024.02.29 09:33

[arte] 송용진의 Oh! 매지컬 뮤지컬

지난 연재에 뮤지컬 오디션에 대한 내용들을 담았으니 이번 연재는 오디션에 합격한 이후 공연 준비 과정을 담아보려고 한다. 첫 번째로 계약에 관한 이야기이다.

오디션에 통과한 배우들은 제작사와 계약서를 작성해야 한다. 계약서에 사인하는 순간이 배우에겐 즐겁고도 가장 어려운 순간이다. 제작사는 정해져 있는 제작비를 가지고 계약해야 하니 출연료와 부대비용을 최대한 아끼려 할 것이고, 배우는 조금이라도 더 받고 싶은 마음일 것이니 상호 간의 적절한 조율이 필요하다.

계약서에서 가장 중요하게 봐야 할 것이 출연료인데, 출연료 책정은 크게 두 가지로 나눌 수 있다. 공연 한 회당 출연료를 정해 총 몇 회를 공연할 것인가로 책정하는 경우가 있고, 출연 회차와 상관없이 공연 전체에 대한 출연료를 책정하는 경우가 있다.

전자의 경우는 더블, 트리플을 넘어 쿼터블 이상의 배우가 한 역할을 맡는 요즘 뮤지컬 시장에서 일반적으로 많이 선택되는 방식이다. 회당 출연료는 해당 공연의 티켓 가격, 객석 수, 출연 배우의 수, 해당 배우의 공연 회차, 경력 등을 고려해 책정되고 배우와 제작사가 협의를 통해 결정한다. 보통은 제작사에서 금액을 먼저 제시하는 것이 일반적이다.

후자의 경우는 더블이나 트리플이 아닌 원 캐스트일 경우 선택되는 것이 일반적이다. 하지만 전자의 방식과 마찬가지로 공연 기간 중 총 몇 회의 공연을 하는 지를 명시하고 추가 회차가 생기는 경우 그에 따른 회당 출연료가 추가로 책정되어 지급된다.

지방 공연에 대해서도 계약서에 명시되는데, 제시되는 조건마다 다르지만, 서울 공연과 동일한 회당 출연료를 받거나 지방인 점을 가만해서 50% 정도 인상된 출연료를 받기도 한다. 교통과 숙박은 제작사에서 부담하는 것이 일반적이다.

출연료 지급은 계약서 작성 후 수일 이내에 1차 계약금이 지급되고 나머지 금액은 공연 기간에 따라 공연 중에 2~4회 정도로 나누어 지급된다. 마지막 지급은 공연 후 한 달 이내에 지급되는데, 배우의 출연 회차가 여러 가지 이유로 늘어나기도, 줄어들기도 하므로 이를 정산하여 최종 금액이 지급된다.

연습기간에 식사제공을 제작사에서 하는 것이 일반적인데, 연습 시간에 따라 식사 제공 여부가 달라지는 경우가 있다. 또한 연습 기간에도 식사 제공을 하지 않는 제작사도 있고, 공연 기간에도 식사를 제공하는 제작사도 있다. 먹는 문제는 모두에게 민감한 문제이니 잘 살펴볼 일이다.

몇 년 전부터 신설되는 조항에는 공연 관련된 내용을 개인 SNS에 올리지 않는다는 조항도 들어가는 추세이다. 몇몇 공연이 배우들이 올린 SNS로 인해 관객들에게 항의와 피해를 보는 경우가 생기자 만들어진 조항이다. 배우들이 고민 없이 올린 SNS의 글과 사진이 논란이 되면서 공연에 참여하는 모두에게 피해가 가는 일이 생기자 아예 계약서에 명시해 버린 것이다. 사실 이 조항이 있어도 개인 SNS 활동을 막기가 어렵긴 하지만 배우들이 조금 더 신중하게 SNS 활동을 하게 만드는 조항이기도 하다.

배우가 제작사에서 진행하는 공연 홍보에 적극 참여해야 한다는 조항도 있다. 당연히 홍보 관련해서 요청이 올 때 참여 여부를 묻지만, 배우가 특별히 원하지 않는 내용이 있다면 계약서에 미리 명시하는 것이 좋다. 마찬가지로 OST나 DVD 제작을 준비하는 공연이라면 제작에 참여한다는 내용의 조항이 있을 텐데, 제작 참여를 원치 않는다면 계약 전에 제작사에 미리 공지하고 계약서를 작성하는 것이 나중에 문제가 되지 않는다.

최근에는 총출연료의 일부를 예술인 고용보험에 의무적으로 납부해야 한다. 늘 불안전한 고용 상태에 있는 예술인들에게 좋은 제도라고 생각한다. 동료 배우들 중에 보험 혜택을 누리는 배우들이 생기면서 보험료는 납부하면서도 이 제도의 혜택을 누리지 못하는 배우들에게 개인적으로도 알려주고 있다. 예술인에 대한 다양한 복지 정책이 마련되어 보다 안정된 생활 속에서 예술 활동을 할 수 있기를 바란다.

상호 계약 위반에 대한 내용들은 꼼꼼히 살펴봐야 한다. 제작사와 배우 각각의 의무 사항과 이를 어길 시에 보상에 관련된 내용을 잘 살펴서 의문점이 있는 내용은 계약 체결 시에 충분한 설명을 들어야 하며, 명문화해야 하는 내용이 있다면 충분히 요구할 수 있다. 좋은 게 좋은 걸로 넘어가는 것은 혹시라도 문제가 발생했을 때 더 큰 문제를 야기하기 때문이다.

요즘은 기본적인 계약서 내용이 표준 계약서를 중심으로 만들어지기 때문에 큰 문제가 없지만 일반적으로 문제는 제작사가 출연료를 미지급하는 경우에 생긴다. 아마도 필자 정도의 경력을 가진 배우들이라면 출연료 미지급을 당한 경우가 꽤 있을 것이다. 공연이 성공하지 못하면 출연료를 미지급하고 다음 공연 투자를 이용해 카드 돌려막기식으로 공연을 이어가는 제작사들도 있다. 또한 출연료 미지급 후에 파산신청을 한 후, 대리 대표를 이름만 올려놓고 뒤에서 다시 공연 제작을 하는 경우도 있다. 배우들은 을의 입장에 있기에 출연료 지급 소송을 하기도 어렵고, 하더라고 법정 싸움에서 지는 경우도 있다. 출연료 미지급에 대한 법적 조치를 위해 관련 입법이 필요하다고 생각한다.

소속사가 있는 배우들은 소속사에서 제작사와 계약체결을 하므로 배우가 직접 계약을 하러 가지 않아도 된다. 하지만 소속사가 없는 경우에는 배우가 직접 제작사와 계약을 해야 하므로 여러 가지 불편함을 겪는다. 가장 중요한 출연료 문제부터 스케줄 등의 다양한 제반 사항을 이야기해야 하기 때문이다. 필자도 직접 계약하러 갈 때 늘 좋지만 뭔가 찝찝한 느낌으로 돌아오던 것이 생각난다. 직장인들도 연봉협상이 어려운데 배우들은 매 번 계약 때마다 임금협상을 해야 하기 때문이다.

하지만 공연이란 모두 사람이 하는 일이다. 서로의 입장을 이해하고 잘 소통한다면 안 될 일이 없다. 무대가 관객과 소통하는 장이듯 배우와 제작사가 잘 소통한다면 좋은 계약을 할 수 있을 것이다.

관련 뉴스

1

"인간이 사라진 바로 다음 날, 자연은 집 청소부터 하기 시작한다"

호랑이는 죽어서 가죽을 남기고 사람은 죽어서 이름을 남긴다는 말이 있습니다. 호랑이 가죽의 가치 혹은 유용함 만큼이나 인간에겐 명예가 중요하다는 뜻이었을까요? 그런데 우리가 아는 옛이야기들에서 항상 빌런은 호랑이 였습니다. 인간이 기술로 무장하기 전, 호랑이와 같은 맹수는 우리가 떼로 덤비기 전에는 당해낼 재주가 없었겠지요.지금은 세월이 변해, 기후변화라는 문맥에서 인간이 빌런이고 호랑이는 약자가 되었습니다. 이제 곧 멸종을 앞둔, 세상이 나서서 구원해야할 종이 되었죠. 그에 반해 인간은 기후변화를 초래한 빌런이자 어쩌면 기후변화를 막아낼 히어로가 될 수도 있고, 아니면 인류세 대멸종으로 사라질 운명에 처할 수도 있습니다,사람이 죽어서 이름을 남긴다는 것은 그 이름을 기억할 사람들이 남아 있을 때 가능한 이야기일 겁니다. 히어로이건 빌런이건 그 유명한 이름을 기억할 그 누구도 남아 있지 않게 된다면 어떻게 될까요? 어느 날 갑자기 인간들이 몽땅 사라진 세상을 상상하며 쓴 책이야기를 이제부터 한번 들여다볼까 합니다.2007년 앨런 와이즈만이라는 저널리스트이자 교수이기도 한 작가는 ‘인간 없는 세상’에 대해 상상하며 쓴 동명의 책을 출판합니다. 당시에도 큰 화제가 되고 베스트셀러가 되었지만 지금까지 스테디하게 판매되고 있고, 기후위기 시대 더욱 주목받으며 얼마 전 개정판으로 책의 가치가 재조명되기도 했지요.기후위기라는 문맥에서 사람들이 흔히 하는 착각이, ‘지구의 멸망’이라거나 멸망하는 지구를 ‘구해야 한다’는 것인데 사실을 바로 잡자면, 멸망 혹은 멸종의 대상은 우리 인간이고 49억년을 지탱해 온 지구는 인간에 의해 멸종되지 않고 살아남은 생물종들과 보란 듯이 건재할 것입니다. 그렇다면 인간이 빠진 지구는 어떤 식으로 건재할까요.“인간이 사라진 바로 다음날, 자연은 집 청소부터 하기 시작한다. 그리하여 우리가 살던 집들은 금세 지구 표면에서 사라져 버린다” (<인간 없는 세상> 2장 ‘집은 허물어지고’에서)2007년 책을 읽다 가장 충격을 받은 꼭지의 첫문장이었습니다. 지금도 그렇지만, 책이 나올 당시가 서브프라임 모기지로 인한 미국발 경제위기로 부동산문제가 화두였을 때였는데요. 이 부분에서 고작 100년을 사는 인간이 가진 ‘내 집’ 또는 ‘부동산’이라는 욕망이 얼마나 부질없는 가를 깨닫게 됩니다.이 책을 쓰기 전 작가는 인간이 만든 문명이 사라지는 모습을 상상하기 위해, 역사를 통해 인간이 문명을 쌓아가는 모습을 고찰하였습니다. 또한 원전이 폭발했던 체르노빌이나 우리나라 비무장 지대처럼, 어떤 이유로 인해 인간의 손길이 전혀 닿지 않은 지역을 직접 찾아다니며 온전한 자연의 모습을 관찰했고, 식물과 동물 전문가는 물론이고 건축, 해양, 화학, 금속 등 여러 전문가를 찾아다니며 인터뷰를 했습니다. 아울러 지역마다의 기후특성과 강물의 흐름, 바람의 이동, 해수면의 높이 등 이 한 권의 책은 지구에 관한 방대한 데이터에 기반을 둔 ‘지구 미래 시나리오’입니다.기후위기에 대해 팽팽하게 맞서는 두 입장이 있는데요. 하나는 기후위기는 인간의 산업화와 무분별한 개발과 소비로 인해 초래한 결과라는 것이고, 다른 하나는 기후위기는 인간의 삶과는 무관한 자연변화의 원리로 우리가 가속화시키는 것은 맞지만 우리가 해결할 수 있는 문제는 아니라는 입장입니다.그동안 발생했던 5번의 대멸종이 거대한 자연의 흐름 속에 일어난 일어났던 것처럼, 어쩌면 6번째 대멸종이 발생하게 되더라도 그건 자연의 거대한 섭리하는 것이고, 인간은 그러한 섭리에 영향을 미칠 정도로 대단하지 않다는 입장이죠.책이 출간된 2007년도에 주목하면, 지금과 같은 기후위기의 심각한 징후들이 발생하기 전이라 ‘인간 없는 세상’에 대한 작가의 상상력이 좀 더 자유로울 수 있었을 겁니다. 지금에 비해, 기후위기 국면에서 인간을 빌런으로 못 박지 않아도 되었을 테니까요. 그렇지만 지금, 기후위기 혹은 기후변화 시대에 우리가 이 책을 통해 얻을 수 있는 인사이트는 무엇일까요?기후변화와 환경문제는 윤리 문제가 아니라 경제 문제라는 패러다임(ESG 경영) 속에서 그나마 여러 논의가 활발해지고 있습니다. 환경을 위해 노력하는 것이 곧 경제적으로도 이익이라는 관점에서 말입니다. 개인이 아니라 기업이 앞 다투어 기후변화 대응을 위해 비용을 지출하고 행동에 나서고 있으니까요.하지만 경제라는 관점은 상당히 복잡한 구조입니다. 상황에 따라 때로는 비정하고 잔인하기도 하죠. 지금은 기후변화 대응이나 환경을 보호하는 입장을 견지하고 있지만 어느 순간, 환경을 위해 노력하는 것이 경제에도 이롭다는 계산이 달라지는 순간이 오면 입장이 달라질 수도 있을 테니까요.왜냐하면 경제의 시간과 환경의 시간이 다르기 때문입니다. 환경의 시간은 경제의 시간에 비해 느리게 흘러가죠. 따라서 경제가 어떤 시간을 기준으로 ‘이익’을 평가하느냐에 따라 환경의 가치평가는 달라집니다. 경제가 조급해지면 환경문제는 후순위로 밀리 수밖에 없게 되겠지요. 이 책은 지금의 기후위기 국면이 오기 전에 쓰였기에 좀 더 자유로운 시선으로 세상을 멀리보고, 게다가 재미있게 읽을 수 있습니다. 49억년을 살아온 지구에서 고작 100년도 못 사는 인간이 대략 1만 2천년 동안 아웅다웅하면서 욕망하고 추구하는 많은 것들이 ‘인간 없는 세상’이란 상상 속에서 얼마나 부질없는지 알게 해주니까요.우리 인류는 펜데믹을 겪으며 눈에 보이지도 않는 바이러스 앞에 우리 인간과 인간의 기술이 얼마나 무력한지 경험했습니다. 하지만 페스트로 인해 겪었던 펜데믹 300년 기간을 고작 3년 만에 끝냈다는 자부심이 바이러스의 공포를 밀어내고 다시금 기고만장하게 되었지요. 어쩌면 결국 300년을 3년에 단축한 것처럼, 기후재앙이나 인류세대멸종을 100분의 1 시간으로 앞당길 수 있지 않을까요?인류가 사라진 지구의 모습을 무려 수십억 년 후의 시간대까지 내다보는 <인간 없는 세상>은 지금 시점의 우리에게 딱 필요한 브레인스토밍이 아닐까 합니다.
2

여든 살 치매에도 창작 활동을 한 '추상 표현주의의 기수' 드 쿠닝

윌렘 드 쿠닝(Willem de Kooning, 1904~1997)윌렘 드 쿠닝(Willem de Kooning, 1904~1997)은 네덜란드에서 미국으로 이주한 예술가로, 폭력적으로 느껴질 만치의 힘찬 필치에 어두운 색감으로 그린 여성 그림들로 유명해졌다. [도판1] 1940년대와 50년대에 잭슨 폴록, 프란츠 클라인과 함께 입체주의, 초현실주의, 미국 지역주의(Regionalism)등 전통적인 화풍에서 벗어나 추상적 형태, 작가의 감정이 깃든 강렬한 몸짓의 결과로써의 붓질을 예술의 주요 내역으로 삼는 추상표현주의 혹은 액션 페인팅을 이끌어낸 기수로, 그의 작업은 클레멘트 그린버그와 같은 비평가들의 해설 하에 모더니즘의 정수로 사람들의 머릿 속에 각인되었다.이 시기의 전형적인 작품으로 <여인 1>(1952)[도판2]를 꼽는다. 캔버스 위 어느 방향으로 움직일지 모를 자유롭고 강렬한 붓질을 통해 다양한 색을 겹겹이 칠해 올려 추상적으로 패턴화된 여성의 모습을 직조한다. 또 다른 예시로는 <발굴(Excavation)>(1950) [도판 3]이 있는데 여기서 보이는 즉흥적인 붓의 운용은 작가의 신체가 얼마나 그림을 그리는 순간에 몰입했는지를 잘 드러낸다.<여인 1>(1952)<발굴(Excavation)>(1950)그린버그는 드 쿠닝의 모더니스트로서의 능력에 대해 다음과 같이 평했다. “드 쿠닝은 (아르쉴) 고르키와 마찬가지로 화면 구성을 똑부러지지 않게끔 하는데 이는 역설적이게도 그의 뛰어난 예술가로서의 실력의 결과이다. 예술가가 기교에 천착하면 그것에 휩쓸려 미학적 만족을 놓치기 마련이지만 (드 쿠닝은) 감정이란 요소를 기술보다 중시하여 창의적인 자기 고유의 표현을 만들어낸다. 비정형성 혹은 모호성이라는 드 쿠닝 회화의 성격은 기교를 억제하려는 그의 부단한 노력에서 오는 것이라고 나는 생각한다. 기교로 느껴지는 '작가의 의지'는 포기하는 한편 너무 또렷한 아이디어를 다루는 것 또한 거부한다. 그러나 이는 동시에 다른 맥락에서 상당한 의지의 행사, 그리고 의식의 제고를 필요로 하여, 예술가로 하여금 언제 자신이 진정 즉흥적으로 작업하는지와 기계적으로 그리는지 사이의 경계를 알 수 있도록 한다. 이러한 고충은 어느 화가에게나 있겠지만 나는 드 쿠닝의 경우처럼 그것이 명확히 드러나는 경우를 본 적이 없다.“[1]추상화의 열풍 속에서 모더니스트 이론가들은 좋은 추상 작품의 기준을 정신적, 감정적인 것에 두었다. 보이는 대상을 얼마나 사실적으로 묘사하여 설득력 있는 스토리를 제공하느냐를 기준으로 작품의 질을 판단하는 전통적인 구상화와 달리 좋은 추상화란 작가가 품고 있는 감정을 이성의 개입을 최소화한 신체적 활동(즉흥적인 붓질)으로 매개해 화폭에 옮겨 담는 것이라는 모더니스트 평론가들의 주장이 대중을 매료시켰다.언뜻 이 해설에는 모순이 존재하는 듯 보이는데 왜냐하면 작품을 구성하고 채색하는 과정에서 작가가 기존의 미술 훈련에서 쌓은 공식, 경험들을 배제하고 그림을 그릴 수는 없을 것이기 때문이다. 그린버그는 이때 이 축적된 경험에서 순수한 감정을 추출하는 능력을 모더니스트 작가에게서 요구한 것이다. 그러니 감정이 담긴 즉흥적인 붓질과 그저 몸에 배긴대로 기계적인 붓질을 하는 것 간의 차이를 고심했다는 드 쿠닝에 대한 평가는 당대 모더니스트 작가가 들을 수 있는 최고의 찬사 중 하나일 것이다.그런데 드 쿠닝의 80년대 작품들은 앞서 본 작품들과 양식적으로 상당한 차이를 보인다. <무제>(1986)[도판4]의 사례에서 보다시피 우선 색의 갯수가 3-4개정도로 줄어들고 여러 겹의 물감을 쌓아 올리는 대신 얇고 가벼운 바탕에 빨강, 파랑, 노랑 등 원색의 구불구불한 선들로 화면을 구성한다. 덕분에 1940·50년대의 무거운 화면과 달리 추상적 형태들이 빈 공간을 리드미컬한 움직임을 갖고 부유하는 듯하다. 그러나 그만큼 격동하는 감정은 사그러들고 강렬하던 붓질은 훨씬 의식적으로 조율된 차분함을 보인다. 형태적으로는 더욱 완전한 추상의 형태를 갖추어 갔음에도 불구하고 1980년대 작품은 비평가 및 예술 애호가 사이에서 작업의 성숙기로 보는 입장과 이전만 못한 작품으로 보는 입장의 엇갈리는 평가를 받고 있다.<무제>(1986)드 쿠닝의 후기작업에 대한 부정적 견해와 논란을 가중시킨 것은 그가 인지적 장애를 겪고 있는 것 같다는 소문이었다. 1970년대부터 종종 사람들 이름이나 최근 있었던 일을 기억 못하는 일이 있었지만 농담이나 소소한 거짓말로 실수를 잘 덮었고 워낙 유머감각이 뛰어나기로 유명했던 터라 크게 표가 나지 않았었지만 1980년대가 되면 ‘증상’으로 보일만한 변화가 눈에 띄었던 것 같다.예술계에서는 드 쿠닝이 심한 치매로 인해 더 이상 아티스트로 활동이 가능치 않은 것 같다고 수근댔다. 그의 가족들이 어시스턴트들을 활용해 아무것도 모르는 드쿠닝 앞에 캔버스를 들이밀어 작품을 만들어내게 하는 ‘공장’을 차렸다는 말이 세간에 돌았다. 예전의 그는 작품이 완성되었다 확신이 들 때까지 몇달이고 그림을 고치고 또 고쳤었지만 이제는 어시스턴트들이 보기에 적당히 완성되면 새 캔버스를 놓아준다는 것이었다.이 시기에는 드 쿠닝이 그림을 완성하는 시간이 훨씬 짧아져, 기존 작품이 완성에 1.5년이 걸린 반면 80년대 작업들은 몇 주내로 그릴 수 있었다는 점이 마치 그 소문을 뒷받침하는 듯했다. 실제로 1981-86년의 기간동안 드 쿠닝은 총 254점의 작품을 완성할 만치 다작했다. 어떤 이들은 이 시기 작품에 대한 세간의 평이 좋지 않자 이를 우려한 윌렘 드 쿠닝의 아내 일레인 드 쿠닝의 지휘 하에 윌렘 드 쿠닝이 고른 색 이외에도 오렌지, 보라 등의 색을 어시스턴트들이 조색해 아티스트에게 칠하도록 쥐어 주었다고 믿기도 한다. 물론 드 쿠닝의 가족들과 어시스턴트들은 이를 완강히 부정했다.결국 드 쿠닝의 가족들은 그가 치매를 앓고 있음을 고백했다 드 쿠닝의 치매는 다양한 병인학적 원인을 가질 것이다. 그는 1950년대부터 심각한 알콜중독이었고 지독한 우울증에 시달리며 자기 자신을 방치하여 영양부족이 심각하였고 처방약을 오남용하는 일이 지속되었던 것으로 알려져 있다. 이로 인해 죽상동맥경화증(arteriosclerosis), 코르사코프 증후군(Korsakoff‘s syndrome), 그리고 뭣보다 1989년에 확진 받은 알츠하이머병(alzheimer's disease) 등이 복합적으로 영향을 미친 것으로 추정된다.알츠하이머병은 이상 단백질(아밀로이드 베타 단백질, 타우 단백질)이 뇌 속에 쌓이면서 뇌 신경세포가 서서히 죽어가는 퇴행성 신경 질환이다. 여기서 퇴행성이란 정상적인 사람이 나이가 들면서 세포가 손상되어 점차 증세가 나타나는 것을 말하는데, 알츠하이머병은 치매를 유발하는 가장 흔한 원인(전체의 50~60%가량)으로 알려져 있다.알츠하이머병이 진행되면 소위 말하는 치매 증상, 즉 기억 상실을 비롯하여 언어, 판단, 추론 등의 인지적 능력의 소실을 가져온다. 1980년대의 드 쿠닝은 최근의 사건은 기억하지 못하는 반면 고향인 로터담에서 미술학교를 다닌 것, 미국으로 불법이민을 왔던 것, 뉴욕에 정착하기 위해 페인트공으로 일한 것 등의 과거는 상세히 기억했다고 하는데 이는 그가 치매의 증상 증 순행성 기억상실(anterograde amnesia)을 보인 것이라 하겠다. 물론 알츠하이머 등의 치매성 질환이 예술적 능력을 곧장 사라지게 하는 것은 아니다. 손과 눈의 협응은 오랜 기간 남아 있을 수 있다. 그러나 여러 해에 걸쳐 진행되면서 환자의 추론능력 등이 현격히 손상되므로 고도의 인지능력을 요구하는 예술작업에 영향을 줄 것임을 쉽게 예상할 수 있다.다만 윌렘 드 쿠닝의 1980년대의 작품의 경향성이 손상된 인지의 결과라고만 보는 것, 그리고 작품의 질이 1940-50년대의 것보다 떨어진다고 쉽게 평가하는 우를 범하지는 말아야 할 것이다. 우선 1970년대 심각한 알콜 중독과 우울증 시기동안 작업을 거의 하지 못하던 것과 달리 1981년 초기부터 그가 일레인의 도움으로 술을 완전히 끊고 우울증 약도 더이상 먹지 않을 수 있으며 감정기복이나 무기력증을 극복할 정도로 정신건강을 회복했음에 주목할 필요가 있다.또한 그의 가족과 어시스턴트들은 예술계 가십 내용과 달리 1988년까지는 그의 인지적 문제가 작품활동에 미치는 영향이 거의 드러나지 않았다고 말한다. 그 이후 빠르게 알츠하이머로 인한 문제들이 심화되며 1989년부터는 더 이상 드 쿠닝이 작품을 할 수 없었다고 증언하고 있다. 그러므로 1981년에서 1987년까지의 작업들은 치매가 점점 진행되는 과정에서 나타나는 증상들을 극복하기 위하여 예술 창작 방식을 바꿔가며 자신의 예술 내역을 발전시켜간 결과물들이라 보아야 할 것이다.1981년 다시 붓을 잡게 되며 그는 자신의 스튜디오에 과거 자기 작업 중 걸작이라 할 것들의 실물과 사진을 늘어놓고 그 작품들의 윤곽선을 새 캔버스에 옮겨 그렸다고 한다. 우선 형태를 딴 후 진짜 작업이 시작되어 손을 자유롭게 움직여 몇시간이고 계속하여 형태를 단순화시켰다가 다시 재구성했다가를 반복하여 새로운 이미지가 나오도록 한 것이다.앞서의 <발굴>과 <무제>를 비교하면 이런 작업 과정을 상상해보기 수월하다. 가로 세로 2미터가 넘는 큰 캔버스로 작업하는 드 쿠닝이기에 젊은 시절같은 신체적 노동의 강도를 유지할 수 없어 전동으로 움직이는 이젤을 특수 제작하여 편의에 따라 캔버스의 방향을 틀고 움직여가며 그림을 그렸다. 알츠하이머 증상으로 나타나는 신체적 한계를 극복하고자 다양한 방식을 시도했고 이를 통해 즉흥적이고 자유로운 추상형태를 만들어낼 수 있었던 것이다.미술사학자 T.J. 클라크(T.J. Clark)는 드 쿠닝의 이 시기 작품이 모더니스트적 시각에서도 높이 평가되어야 한다고 주장한다. 그의 초기 작업, 성숙기 작업과 이 후기 작업이 유의미한 선형의 발전관계를 맺고 있다는 것이다.[2] 즉 1940-50년대 작업의 윤곽선을 따 확대하고 단순화, 패턴화 한 뒤 기존의 강렬한 붓질을 지워나가는 1980년대의 유희적 작업과정은 윌렘 드 쿠닝 자신이 스스로 평생의 작업을 돌이켜보며 모더니스트 화가로서의 자신의 작품을 이해하고 이를 통합, 정리, 발전시킨 결과물이라 봐야 할 것이다.드 쿠닝의 치매와 작품변화의 관계성을 연구한 의사 에스피넬(Carlos Hugo Espinel, MD)은 치매 진행에도 불구하고 창의 영역을 계속 탐색했다는 점에서 윌렘 드쿠닝이 치매질환 환자들에게 희망을 준다고 했다.[3] 특히 그는 드 쿠닝이 1981년에 아내 일레인과 동료들의 도움으로 알콜, 우울증 약을 끊고 균형 잡힌 식사와 적당한 운동을 매일 한 후 작업을 재개할 수 있게 된 점에 주목한다. 알츠하이머가 진행성 질환임을 고려할 때 이러한 ‘회복’ 양상은 알츠하이머로 인한 치매 이외의 영역일 것으로 추정되며 우울증과 여타 병인들로 인한 인지적 문제들이 건강한 생활습관으로 완화될 수 있음을 보여준다는 것이다.노인의학적 관점에서 가장 중요한 목표는 ‘독립적인 생활이 가능한 상태’를 가능한 오래 유지하며 건강한 삶을 지키는 것인데, 치매는 그 독립적인 생활을 불가능하게 하는 매우 큰 장애요인이며 다른 동반질환들로 인해 사망에까지 이르게 할 수 있는 위험요인으로 작용한다. 그래서 전세계적으로 뇌과학자들이 치매의 예방과 치료에 초점이 맞추고 있음에도 현재까지의 치료제는치매의 진행을 늦추는 정도만이 가능한 안타까운 실정이다. 제한적인 대상자들에 한하여 효과가 있는 치매약제가 개발되어 사용 중이지만 매우 고가이고 우리나라에서는 처방이 어렵다는 점도 아직 치매 치료가 가야할 길이 멀다는 것을 시사한다.하지만 건강한 생활습관이 치매를 예방함을 알고, ‘인지기능장애’가 의심될 때 조기 진단을 받아 초기부터 약제를 꾸준히 복용하면 퇴행의 속도를 현저히 줄일 수 있다는 점에서는 과거와 비교하여 희망적인 부분도 있다. 치매는 암이나 심장병, 뇌졸중과 같은 큼직한 위험들을 넘어 초고령으로 가는 노인들의 마지막 고비이며, 오래 살다보면 결국 오게 되는 숙명 같은 질병일 수도 있다.다만 드 쿠닝의 사례처럼 치매를 노년의 동반자로 수용하고, 그것이 가지고 오는 문제를 최소화할 방안을 강구하고, 현재 내 삶의 상태에서 가능한 최선을 이끌어낼 것을 새로운 목표로 가질 수 있다면 혹 노년에 인지기능이 감소하는 것을 경험하더라도 겸허히 받아들이고 긍정적으로 이겨나갈 수 있지 않을까 생각해본다. ‘독립적인 존재로서의 나’의 인생을 최대한 누리는 모습은 치매에 대한 막연한 공포를 갖고 기다리는 노년보다 훨씬 가치 있을 것 같다. [1] Clement Greenberg, “Review of an Exhibition of Willem de Kooning,” The Nation, April 24, 1948, repr. in Greenberg, The Collected Essays and Criticism, vol. 2, Arrogant Purpose, 1945–1949, ed. O’Brian (Chicago and London: University of Chicago Press, 1986), p. 229.[2] T.J Clark et al, Painting from Memory: Aging, Dementia, and the Art of Willem de Kooning, Doreen B. Townsend Center for the Humanities, University of California (January 1, 1996) https://escholarship.org/uc/item/6w01q8n9#article_main[3] Carlos Hugo Espinel, “de Kooning's late colours and forms: dementia, creativity, and the healing power of art”, The Lancet, Volume 347, Issue 9008, 20 April 1996, Pages 1096-1098
3

폭발적 점프 '그랑 제떼'는 보통 몇번 미끄러진 다음에야 온다

오고 있던 봄이 눈길 위에 미끄러졌다. 2월 말, 서울에서는 58년 만에 폭설이 내렸고, 강릉에는 70센티미터의 눈이 쌓였다. 쌓인 눈 속에서 이제 기지개를 켜려던 새싹이 잔뜩 몸을 움츠렸다. 하지만 우리는 이 눈이 봄을 기다리는 하얀 소식인 걸 알고 있다. 빙판 위에서 부쩍 줄어든 마찰력. 발레에서도 이런 미끄러지는 듯한 움직임을 찾아볼 수 있다. 이 이야기를 듣고 어떤 사람들은 발레 < 지젤(Giselle, 1841) > 2막에서 윌리들의 수장, 미르타가 처음 등장하는 장면을 떠올릴 수도 있겠다.물 흐르는 듯이 무대 위에서 이동하는 미르타의 모습은 마치 스케이트를 타고 빙판 위를 가로지는 것처럼 아무런 마찰력을 느낄 수 없다. 그 동작은 부레(bourré). 오른발과 왼발을 끊임없이 바꾸며 발걸음을 잘게 부서서 걷되, 머리와 어깨는 전혀 미동이 없기 때문에 관객의 눈에는 눈 위를 미끄러지듯 움직이는 것처럼 보인다. 미동 없이 미끄러지듯 움직이는 부레는 귀신인 윌리들에게 가장 잘 맞는 동작이라 할 수 있다. 그런데 부레 외에 실제로 미끄러지는 움직임을 표현한 발레 동작이 있다. 글리사드(glissade)이다. 글리사드는 단어 자체가 '미끄러지다'라는 뜻을 갖고 있다. 두 다리와 발을 포갠 자세에서 한 다리를 뻗어서 옆으로 미끄러지듯이 밀어서 이동하다가 순간적으로 두 다리를 무릎까지 완전히 뻗는 모습을 보이고, 이어서 나머지 다른 한 다리를 미끄러지듯이 밀고 와서 두 다리와 발이 포갠 자세로 마무리한다. 바닥 위에서 미끄러지듯이 동작이 수행되기 때문에 글리사드라고 부르는 것이다. 이 동작은 바닥에 거의 붙어서 하기도 하고 바닥에 몇 인치 떨어져서 점프 상태로 수행하기도 한다. 관객들이 작품을 보는 동안 글리사드를 눈치 채기 쉽지 않은 건 이 동작이 메인동작이 아니라 주요 동작들을 잇는 연결동작이기 때문이다. 보통은 하늘을 향해 180도 이상으로 다리를 뻗어 폭발적인 감정 상태를 표현하는 그랑 제떼(grand jeté)는 글리사드 이후에 수행하는 경우가 많다. 글리사드가 일종의 도움닫기 동작인 것이다. 메인동작이 아님에도 불구하고 글리사드가 중요한 이유가 있다. 각 메인동작들을 점이라고 한다면, 글리사드와 같은 연결동작은 그 점들이 흩어지지 않도록 이어서 춤이 하나의 선으로 표현되게 만든다. ‘미끄러진다’는 단어는 일상에서 많은 경우 부정적인 뉘앙스를 갖고 있다. 시험을 앞둔 사람이 미역국을 먹지 않고 찹쌀떡을 먹는 건 마음의 마찰력을 높여 시험에 미끄러지지 않기 위해서이다. 하지만 뒤집어 놓고 생각해 보면 이렇다. 비행기가 활주로 위에서 미끄러지지 않으면 날 수 없고, 한번도 무언가에서 미끄러지지 않은 사람은 더 높이 성장할 수 없다.실패가 성공의 어머니로 불리는 이유는 미끄러지는 것에는 다음 단계로 나아가게 해주는 힘이 있기 때문일 것이다. 발레에서 글리사드가 제떼로 이어지게 해주는 힘이 있는 것처럼. 돌아보면 그때 미끄러져서, 실패해서 천만다행인 일도 있었다. 지금 누리고 갖고 있는 것 바탕에 그 실패가 있었다는 걸 부정할 수 없기도 하다. 봄은 찬 겨울과 얼음장 위에서 미끄러지다가 찾아온다.