"사실만 담으라는 조던과의 약속 지켰죠"
영화 ‘에어’를 연출한 배우 겸 감독 벤 애플렉(사진)은 28일 오전(한국시간) 화상 글로벌 콘퍼런스에서 이같이 말했다. 에어는 전설의 농구선수 조던, 글로벌 1위 스포츠 브랜드 ‘나이키’의 이야기를 함께 담은 작품이다. 조던과 친구인 애플렉은 조던의 이야기를 직접 들으며 영화를 구상했다. “조던은 자신에게 의미 있는 모든 사람이 이 영화에 담기길 바랐어요. 또한 사실이 아닌 것은 절대로 영화에 담지 않길 원했고, 그걸 충실히 지켰습니다.”
영화는 1984년 업계 꼴찌를 벗어나지 못하고 있던 나이키의 스카우터 소니를 중심으로 전개된다. 소니는 브랜드의 간판이 돼줄 새로운 모델로 NBA 신인 선수인 조던을 떠올리고, 그의 마음을 얻기 위한 전략을 구상한다. 소니 역은 맷 데이먼이 연기했다. 애플렉은 소니의 결정을 믿고 지지해주는 나이키의 창업주 필 나이트 역을 맡았다.
영화에선 조던의 어머니인 델로리스 조던(비올라 데이비스) 캐릭터도 중요하게 다뤄진다. 조던을 맡은 배우의 얼굴은 끝내 나오지 않는다. 대사도 거의 없다. 대신 델로리스가 적극적인 역할을 하는 것으로 그려진다. 소니가 협상을 이끌어내기 위해 먼저 델로리스를 찾아갈 정도다. 애플렉은 “조던이 들려준 자신의 엄마 이야기는 정말 놀라웠다”며 “델로리스는 상징적인 의미를 가진 위대한 어머니였고 이를 영화로 잘 그려내고 싶었다”고 강조했다.
데이먼은 영화에 참여한 배우들의 열정을 극찬했다. “이 작품의 대단한 점은 모든 배우가 다들 영화를 쓰기도 하고 제작도 했어요. 그 덕분에 모든 장면이 명장면이 될 수 있었습니다.”
김희경 기자 hkkim@hankyung.com
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연소자관람불가. 그 시절 극장 간판에 붉은색으로 떡하니 쓰여있던 글자다. 나름 성숙한 외모라고 자평했던 나는 겨우 중3이었지만 번번이 상영관 입장을 시도했다. 당연히 실패다. 검표 직원에게 쫓겨나며 친구들과 투덜거렸다. 2022년 봄, 코로나19로 멈췄던 일상이 조심스럽게 회복되던 때 <범죄도시 2>는 1000만 관객 영화 목록에 새롭게 이름을 올렸다.사회적 거리두기와 방역 기준으로 극장 수익은 반토막이 나고, 이렇게 가다간 한국 영화산업에 위기가 도래할 것이라며 걱정하던 때 들려온 반가운 소식이었다. 이 영화가 개봉하고 정확히 일주일 뒤, 나는 영상물등급위원회에서 영화 등급 분류 심의를 시작했다.<범죄도시 2>가 1000만 관객을 돌파했다는 뉴스에 잠시 의아했다. 내 머릿속에는 이 시리즈의 첫 번째 영화 <범죄도시> 속 장첸이 행한 무시무시하고 잔인한 폭력 장면이 각인되어 있었기 때문이었다.그리고 숫자를 확인했다. 15, <범죄도시 2>는 청소년관람불가였던 전편과 달리 15세이상관람가 등급을 받은 영화였다. 15는 영화의 흥행을 이야기할 때 꽤 중요한 숫자다. 1000만 관객을 동원하는 초대박 흥행작의 경우 더욱 그렇다. 2023년 4월 현재까지 극장 개봉작 중 1000만 명 이상의 관객을 동원한 영화는 총 29편이다.이 중 한국영화는 20편, 해외영화는 9편이다. 그리고 29편 모두 15세이상관람가 이하의 등급을 받았다. 다시 말해 청소년관람불가 등급을 받은 영화는 아직 한 편도 1000만 관객 동원 목록에 포함되지 못했다는 말이다.마치 15라는 한계선이 있는 것만 같다. 청소년관람불가 영화 중 가장 높은 흥행성적을 거둔 작품은 <내부자들>(약 707만 명)이고, 그 뒤를 <범죄도시>(약 688만 명)가 따른다. 1000만 관객 영화 목록 안에서도 15의 흥미로움은 발견된다. 1000만 관객을 동원한 한국영화 20편 중 <국제시장>을 포함해 5편만이 12세이상 관람가이고, 그 외 약 75%의 작품이 모두 15세이상관람가 등급이다. 숫자 15에 어떤 마법이 있는 걸까.실은 단순하다. 오늘날 한국영화의 등급은 모든 연령이 시청할 수 있는 ‘전체관람가’를 비롯해 ‘12세이상관람가’, ‘15세이상관람가’, ‘청소년관람불가’ 그리고 ‘제한상영가’로 나뉜다.제한상영가는 해당 등급의 영화만을 상영하는 제한상영관에서 상영할 수 있는데, 현재 우리나라에는 제한상영관이 없어 일반 관객이 관람할 수 없다.그렇기에 극장에서 상영되는 영화는 제한상영가를 제외한 총 4개의 등급 중 하나를 결정받은 작품이다. 예를 들어 12세이상관람가는 만 12세 이상의 사람이 관람할 수 있는 영화로, 등급 분류 고려 요소의 유해성이 경미한 경우를 말한다.그러나 해당 등급의 영화는 보호자의 시청 지도가 있다면 만 12세 이하도 관람할 수 있다. 같은 의미로 14세 청소년도 부모와 함께 극장을 찾는다면 15세이상관람가를 볼 수 있다.<명량>이 한국영화사상 가장 많은 관객을 동원하며 기록을 경신하던 때 우리는 극장에 앉은 수많은 중학생을 보았었다.그런데 청소년관람불가는 안된다. 고등학교 재학 중인 자를 포함해 만 18세 미만의 사람은 보호자와 동행해도 해당 영화를 관람할 수 없다. 학생 관객이 상영관으로 입장할 수 있는지가 15라는 숫자를 기준으로 나뉘는 것이다. 물론 특정 등급을 받는 것이 영화 흥행의 결정적 열쇠는 아니다. 등급은 아주 많은 흥행 변수 중 하나에 불과하다.최근 심의한 영화 중 폭넓은 팬덤을 가진 아이돌 가수가 주연한 작품이 있었다. 제작사는 12세이상관람가로 등급 신청을 했지만, 심의 위원들은 고민 끝에 15세이상관람가로 등급을 결정했다.학교 폭력 가해 학생들의 흡연, 욕설, 금품 갈취 장면과 모방위험 요소가 다소 높다고 판단했다. 어쩌면 해당 영화는 12와 15라는 숫자 사이에서 마케팅 전략을 조금은 수정했을지 모른다.그리고 얼마 전 <범죄도시 3>의 예고편이 공개되자 네티즌들은 이 영화가 15세 등급을 받을 것이라 예상하는 의견을 남겼다. 결과는 곧 영등위 심의 회의에서 정해질 것이다. 과연 이 영화는 어떤 숫자를 표시하게 될까.
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스티븐 스필버그에게 영화는 예술일까 오락일까?아니면 스크린의 경계를 넘어 현실의 그 어딘가를 비추는 거울일까?<죠스(1975)>로 블록버스터를 창시하고 <인디아나 존스>로 프랜차이즈 시리즈를 탄생시켰으며, <쥬라기 공원>으로 컴퓨터 그래픽 효과의 가능성을 입증한 스티븐 스필버그는 할리우드 산업시스템을 대표하는 감독으로 인식되어 왔다.또한 <쉰들러 리스트(1994)>와 <라이언 일병 구하기(1998)>로 12개의 오스카상을 수상하며 흥행의 귀재 수식어와 예술적 성취까지 이뤄냈다.예술성과 대중성의 경계 속 관객이 무엇을 원하는지 정확히 이해하고 모든 기대를 충족시켜왔던 스티븐 스필버그 감독. 하지만 그의 신작, <파벨만스>는 이전의 영화들과 달리 오롯이 자신의 기억과 과거, 가족의 이야기를 전하는 데에만 집중한다.올해로 76세가 된 노년의 그는 이제서야 비로소 본인이 사유하는 영화의 단상을 지극히 소박하고 따뜻하며 유머러스하게 풀어낸다.영화를 좋아했던 자신의 어린 시절부터 가족의 아픈 상처까지.그가 생각하는 영화에 대한 생각을 <파벨만스>를 통해 차분히 들여다본다. <파벨만스>의 시작점<파벨만스>는 1999년, 그의 누나 앤 스필버그가 쓴 각본으로부터 시작된다. 앤의 시나리오는 지극히 사적이고 은밀한 가족사를 솔직하게 담고 있다. 스티븐에게 이 각본은 마치 판도라의 상자와 같아서 쉽게 열어볼 수 없는, 절대 영화로 완성할 수 없는 아픈 기억들이었다.1998년 <라이언 일병 구하기>로 제71회 미국 아카데미 시상식에서 감독상을 받은 뒤 2001년 <에이아이>를 발표한다. <에이아이>는 원래 스탠리 큐브릭 감독이 집필해왔던 시나리오다.일종의 동화와 같은 이야기로 전개하고자 했으나 자신이 연출하면 지극히 염세적인 이야기로 변질될 우려에 스티븐 스필버그에게 맡긴다.<에이아이>가 공개되었을 당시 스티븐 스필버그는 자신의 유년 시절에 대한 경험이 반영되었다는 고백을 인터뷰에서 전했으나 그 경험이 정확히 어떤 것인지는 말하지 않았다. 어쩌면 앤 스필버그의 각본을 절대 영화로 만들 수 없을 것 같다는 두려움이 <에이아이>에 조금이나마 반영되었는지도 모른다. 11년 만에 스필버그가 작가로 참여한 작품 <에이아이> 이후 스필버그는 11년 만에 <파벨만스>의 시나리오 작업에 참여했다. 그가 직접 집필한 작품은 생각보다 몇 되지 않는데 <미지와의 조우(1977)>, <폴터가이스트(1982)>, 그리고 <에이아이>와 <파벨만스>가 전부다.초기 두 편이 그의 장르적 감각과 재능을 확인할 수 있는 작품이라면, 후기 두 작품은 자전적 경험이 어떻게 영화 속에 반영되어 있는지 엿볼 수 있다.특히 부모님으로부터 버림받은 아이의 구원을 다룬 <에이아이>가 스필버그와 부모와의 관계를 엿볼 수 있다면, <파벨만스>는 가족의 고통으로부터 영화가 어떻게 자신을 구원했는지 확인할 수 있다.불우한 환경에도 불구하고 자신이 좋아하는, 하지만 세상은 인정하지 않는 무언가에 진심으로 매달리며 구원받는 주인공 서사는 이 두 작품에만 해당되지 않는다.가상 게임 세계의 비밀을 밝혀 세상을 구원하는 <레디 플레이어 원(2018)>의 웨이드, 아일랜드 이민자로서 푸에르토리코 이민자인 마리아와 사랑에 빠져 금기를 넘어서는 토니까지. 그의 모든 작품에는 유년 시절의 경험들이 DNA처럼 각인되어 있다.유대인으로서, 이혼 가정의 자녀로서, 어린 시절의 어두운 경험을 영화로 극복할 수 있었던 것처럼 스티븐 스필버그에게 영화는 항상 현실에서는 이룰 수 없는 불가능을 가능케 하는 희망의 세계였다.해피엔딩의 가족중심 서사를 주로 만들어온 것 또한 현실에서 만나지 못한 가족들의 해피엔딩을 영화를 통해 구현하고자 한 것일지도 모른다. <파벨만스>의 또 다른 작가, 토니 쿠쉬너 <파벨만스>의 시나리오는 스필버그 감독과 <뮌헨(2005)>, <링컨(2012)>, <웨스트 사이드 스토리(2021)>로 호흡을 맞춘바 있는 토니 쿠쉬너 작가가 맡았다.퓰리처상과 에미상을 석권했던 쿠쉬너 작가의 데뷔작 <엔젤스 인 아메리카>는 작년 국립극장 레퍼토리로 선정되어 정경호 배우가 프라이어 역할을 맡아 화제가 됐다. 작품에는 유대인이자 성소수자인 토니 쿠쉬너 작가의 삶의 경험이 짙게 반영되어 있다.스필버그 감독은 누나가 집필한 원작 시나리오를 <뮌헨> 작업 당시 쿠쉬너 작가에게 들려주었고, 작가는 감독에게 언젠가 이 영화를 꼭 만들었으면 좋겠다는 바람을 전했다. 자신의 사적 경험을 작품으로 승화시켜본 경험이 있는 작가이기에 더욱 진심으로 전한 말이었는지도 모른다.감독은 앤의 시나리오를 영화로 만드는 것이 부모님에게 상처 주는 일은 아닐까 두려워했다. 또, 영화를 만든 자신을 부모님이 오해할지도 모른다고 걱정했다.하지만 2017년 어머니가 돌아가시고 난 뒤 2019년 <웨스트 사이드 스토리>를 만들며 <파벨만스>의 시놉시스가 완성되었고 본격적인 시나리오 작업은 2020년 10월 2일부터 시작되었다. 아버지가 돌아가신 지 한 달 하고 7일이 지난 뒤였다. ‘파벨만’과 ‘스필버그’의 상관관계쿠쉬너 작가는 ‘파벨만’이라는 주인공 가족의 성을 ‘스필버그’로부터 영감받았다고 한다. 이디쉬어로 스필버그Spielberg는 연극의 산이란 뜻인데, 스필러spieler는 연기자를, 스필spiel은 연설 또는 연극을 뜻한다.작가는 스필버그가 세기의 뛰어난 이야기꾼이라는 생각에 우화를 뜻하는 독일어 Fabel을 덧붙여 파벨만을 완성했다. 그리고 샘 파벨만이 얼마나 영화를 사랑하고 애정하는 청년인지 흥미롭게 그려낸다.어린 샘은 부모님과 함께 세실 B. 드밀 감독의 <지상 최대의 쇼>를 보러 갔다 영화에 매료된다. 기차가 전복되는 장면에 깊게 매료된 그는 부모님이 선물해준 기차 장난감을 망가트리며 같은 장면을 수없이 재현하려 애쓴다.이를 부모님이 사준 카메라로 기록하여 반복해 볼 수 있도록 한다. 결국 이 카메라가 그의 평생을 결정짓게 한 것이다. 어릴 적부터 샘에게 영화는 가상의 경계를 넘어서는 실재적 체험이었다.그는 현실의 특정 부분을 극단적으로 부각시키고 과장할 수 있는 영화의 매력에 심취한다. 그리고 영화 카메라가 자각할 수 없던 현실의 이면을 드러내고 폭로할 수 있음을 깨닫고 고민에 빠진다. 스필버그에게 영화란 무엇일까?영화를 만든다는 것은 마냥 행복할 수만은 없는 일이다. 영화가 주는 환상적인 환영들이 고통스러운 현실로부터 떠나 더없는 꿈과 희망을 안겨주기도 하지만, 결국 우리는 발 딛고 서 있는 고통의 땅으로부터 절대 벗어날 수 없기 때문이다.불이 꺼지면 환상에 젖다가도 불이 켜지면 현실로 돌아와야만 하는 경험 속에서 샘은 영화의 힘과 매력, 또 다른 가능성을 맛본다. 이것은 스필버그가 한평생 영화를 만들며 깨달은 바이기도 하다.그에게 영화는 삶에서 절대 경험해볼 수 없는 환상을 주기도 하지만 잊고 싶은, 외면하고 싶은 현실을 목도하도록 만드는 장치이기도 하다.스필버그가 노년에 <파벨만스>를 제작하겠다 결심한 것도 어쩌면 외면해왔던 자신의 아픈 기억들로부터 더 이상 도망치지 않겠다는 다짐의 결과는 아닐지 조심스레 추측해본다.만약 그것이 맞다면 스필버그의 작품론은 <파벨만스>를 중심으로 다시 쓰여야 한다. 영화를 대하는 그의 태도와 자세에 대한 모든 근원이 <파벨만스>에 기록되어 있기 때문이다.이동윤 | 영화 평론가*본 칼럼은 CJ그룹 뉴스룸과 CJ CGV에서 제공했습니다.
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오합지졸도 괜찮아…'중요한 건 꺾이지 않는 마음'이니까 [영화 리뷰]
스포츠 영화에서 승부는 핵심 요소다. 인물들이 우여곡절 끝에 얻어낸 값진 승리는 짜릿한 쾌감을 선사한다. 그런데 26일 개봉하는 영화 ‘드림’은 승부 자체를 중요하게 다루지 않는다. 승부보다 새로운 도전에 큰 의미를 부여한다. 다양한 이유로 세상의 리그에서 밀려난 ‘낙오자’들이 모여 한바탕 멋진 낙오전을 펼치는 과정을 담는다. 그래서인지 쫄깃한 긴장감은 떨어지지만 그 이상의 값진 가치와 메시지를 담아낸다.작품은 영화 ‘극한직업’(2019)으로 1000만 관객을 동원하고, 드라마 ‘멜로가 체질’로 많은 인기를 얻은 이병헌 감독이 연출을 맡았다. 배우 박서준, 아이유가 출연한다. 아이유는 “원래부터 감독님의 개그 코드를 좋아했다”며 “‘극한직업’이 TV에서 재방송될 때마다 영화를 보고 있는 나를 발견하곤 했다”고 말했다. 영화는 실화를 바탕으로 한다. 2010년 멕시코시티에서 열린 홈리스 월드컵 대회에 출전한 한국 팀 이야기다. 홈리스 월드컵은 오갈 데 없는 노숙자들의 자립 의지를 키우기 위해 마련된 국제축구대회다.‘드림’은 만능 2위인 프로 축구선수 출신 홍대(박서준 분)를 중심으로 전개된다. 그는 물의를 일으키고 은퇴를 준비하던 중 어쩌다 홈리스 월드컵 출전팀의 감독을 맡게 된다. 열정 없는 PD 소민(아이유 분)은 팀의 이야기를 다큐멘터리로 만드는 역할을 한다. 오합지졸 선수들로 구성된 이 팀은 어설픈 솜씨에도 월드컵에 나가게 되고, 각국 선수들과 경합을 벌인다.스포츠 영화임에도 영화의 초점이 스포츠가 아니라 홈리스 이야기에 맞춰져 있다. 흥미진진한 스포츠물을 기대한 관객이라면 다소 실망할 순 있다. 하지만 영화를 끝까지 보고 나면 이 감독이 장르와 형식이 아니라 사회적 메시지에 집중하고 있음을 알 수 있다.작품 곳곳엔 이병헌표 웃음 코드와 ‘말맛’이 잘 담겨 있다. 홍대와 소민이 주고받는 빠른 속도의 대화, 홍대가 선수들을 설득하고 이끄는 과정 등에 이 감독만의 특색이 고스란히 녹아 있다. 다만 ‘극한직업’ 식의 큰 웃음은 아니다. ‘멜로가 체질’에서 보여준 아기자기하고 소소한 유머에 가깝다.박서준과 아이유는 이를 매끄럽게 소화해 코미디적 요소를 잘 부각시킨다. 박서준의 축구 선수 연기도 인상적이다. 실제 선수로 뛰고 있다는 착각이 들 정도로 뛰어난 솜씨를 발휘한다. 주연과 조연 배우들의 호흡도 뛰어나다. 내용에서 짐작할 수 있듯 이 영화는 주연 캐릭터만 돋보이는 작품이 아니다. 대표팀 선수들 등 여러 캐릭터 간의 조화가 더 중요하다. 박서준은 “선배님들이 많이 나오고, 아이유 씨도 나오니까 의지할 수 있어 좋았다”며 “개인보다도 호흡이 중요한 작품이라 더욱 하고 싶었다”고 말했다.익숙한 클리셰와 전개 방식은 아쉬움을 남긴다. 특히 선수 각각의 스토리에서 신파적인 면이 강하게 부각된다. 신파를 소민이 찍는 극중 다큐멘터리 설정 자체로 내세우긴 하지만, 이 부분에 지나치게 많은 시간을 할애한다. 본격적인 경기가 펼쳐지는 30여분을 제외하고는 선수들의 절절한 사연이 대부분을 차지한다. 그럼에도 영화는 세상의 리그에서 한두 번쯤 물러나 본 경험이 있는 사람이라면 누구나 쉽게 공감할 수 있다. 그리고 낙오에 좌절하지 않고 새롭게 나아갈 힘을 얻게 된다.김희경 기자 hkkim@hankyung.com
![오합지졸도 괜찮아…'중요한 건 꺾이지 않는 마음'이니까 [영화 리뷰]](https://img.hankyung.com/photo/202304/AA.33261694.3.jpg)
