오페라 '처용', 파리 베를린 등 유럽의 유서 깊은 무대 오른다

최다은 기자

입력2024.05.27 10:31 수정2024.05.27 10:31

국립심포니오케스트라가 현대 오페라 '처용'을 프랑스와 독일, 오스트리아 등 각국의 유서깊은 공연장에서 다음달 선보인다. 2024 파리 올림픽 개최를 기념해 K클래식의 위상을 전세계에 알리기 위한 취지에서다.

27일 국립심포니는 국립오페라·국립합창단과 함께 6월 9일 파리 오페라 코미크 극장을 시작으로, 6월 11일 베를린 필하모닉 콘서트홀, 6월 13일 빈 무지크페어라인 황금홀에서 오페라 처용을 무대에 올린다고 밝혔다. 한국 대표하는 세 국립예술단체가 함께 해외 투어에 나서는 것은 이번이 처음이다.

1987년 국내 초연한 오페라 처용은 신라 시대 설화를 주제로 한 작품으로, 한국어 말맛을 주요 골조로 한국 전통음악과 바그너의 유도동기 기법(라이트 모티브)을 접목한 창작 오페라다. 작곡가 이영조는 서양음악 틀에 한국적인 것을 껴 넣는 것이 아닌, 서양음악을 한국적인 틀에 맞추는 방식으로 한국적인 신묘함과 아름다움을 담아냈다.

작품은 옥황상제의 아들 처용이 부패한 신라를 구하기 위해 지상에 내려오지만, 지상의 여인 가실과 사랑에 빠지게 되고, 가실을 탐내던 역실의 꼬임에 넘어가 사랑과 나라도 모두 빼앗기는 내용을 담고 있다. 이번 투어에서는 제1막 ‘옥황상제의 진노’, 제2막 ‘경(승려의 노래)’ 등 주요 장면을 엄선해 콘서트 오페라 형식으로 관객과 만난다.

국립심포니는 1987년 처용을 초연한 데 이어 이번 무대에 오른다. 이외에도 이영조 작곡가의 ‘현을 위한 레퀴엠(2002)’ ‘아리랑 페스티벌(2019)’ 등 초연을 맡아온 국립심포니는 김택수(2014~2016), 전예은(2022~2023), 노재봉(2024~2025)을 상주작곡가로 위촉하며 한국 현대음악의 명맥을 꾸준히 이어가고 있다.

국립심포니 관계자는 "이번 투어를 통해 현재와 과거, 서양과 한국을 이으며 세계 속 한국 클래식 음악의 위상을 높이겠다"며 "세 국립예술단체가 올림픽이 강조하는 연대의 가치를 이어가 문화 올림피아드를 완성하겠다"는 포부를 밝혔다.

이번 공연을 위해 스위스 베른 오페라극장, 독일 마인츠 국립극장 등에서 연주하며 호평받는 대한민국 대표 지휘자 홍석원이 포디움에 선다. 연출에는 다양한 장르에서 한국적 감수성을 녹여온 이지나가 키를 잡는다. 이 외 테너 김성현(처용), 소프라노 윤정난(가실), 베이스 권영명(옥황상제), 바리톤 공병우(역신)가 출연한다.

최다은 기자 max@hankyung.com

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1200여명 기립 박수에 환호성까지…피아니스트 조성진, '프라하의 봄' 밝혔다

“이곳에서 피아노 리사이틀을 연 지 (벌써) 8년이 지났네요. 시간이 정말 빨리 지나가는 것 같습니다. 다시 돌아와 연주할 수 있어 매우 기뻤고, 다음에도 이 자리에서 또다시 연주할 수 있길 바랍니다.”피아니스트 조성진(30)이 지난 24일(현지시간) 체코 '프라하의 봄 국제 음악 축제'에서 연주를 마친 직후 리셉션장에 올라와 남긴 말이다. 프라하의 봄 국제 음악 축제는 오스트리아 잘츠부르크 페스티벌, 스위스 루체른 페스티벌과 더불어 유럽을 대표하는 클래식 음악제다. 마에스트로 헤르베르트 폰 카라얀·레너드 번스타인, 바이올리니스트 다비드 오이스트라흐·예후디 메뉴인, 피아니스트 스비아토슬라프 리히터·아르투르 루빈슈타인 등 그야말로 ‘전설’이라 불린 음악가들이 줄이어 찾은 축제인 만큼, 웬만한 명성으로는 무대에 설 기회조차 주어지지 않는 곳으로 유명하다.그 깐깐한 음악제에 두 번이나 이름을 올린 피아니스트 조성진의 리사이틀은 현지에서 일찍부터 화제였다. 2016년 프라하의 봄 국제 음악 축제 첫 무대에 오를 때까지만 해도 해외에선 쇼팽 콩쿠르(2015년)에서 막 우승한 ‘신예’에 그쳤던 그가 이젠 명(名)피아니스트 마우리치오 폴리니, 크리스티안 지메르만의 뒤를 이을 만한 세계적인 피아니스트가 되어 돌아왔기 때문이다. 그의 위상을 보여주듯 이날 체코 프라하 루돌피눔 드보르자크홀 주변은 공연 시작 1시간 30분 전부터 사람들로 북적였고, 조성진의 포스터 옆으론 사진을 찍기 위한 사람들로 긴 대기 줄이 생겨났다. 공연은 지난 1월부터 이미 전석 매진을 기록했다.오후 8시 5분. 장내가 조용해진 뒤에야 천천히 무대를 걸어 나온 조성진은 박수갈채가 채 끝나기도 전에 건반에 손을 올렸다. 첫 곡은 라벨이 향후 직접 관현악곡으로 편곡했을 정도로 깊은 애정을 표한 피아노 작품인 ‘고풍스런 미뉴에트’. 조성진은 시작부터 섬세한 손끝 감각으로 음 하나하나를 선명히 조형해나가면서 라벨 특유의 오묘한 색채와 우아한 서정을 전면에 펼쳐냈다. 다음 곡인 라벨의 ‘소나티네’에선 그가 탁월한 표현의 소유자란 걸 다시금 확인해볼 수 있었다. 고전주의 형식에 인상주의 기법이 접목된 이 작품에서 조성진은 불필요한 움직임이나 지나친 감정 표출을 배제하고, 선율의 굴곡과 리듬을 예민하게 처리하면서 작품의 풍부한 색채감을 온전히 전달했다.이어진 작품은 라벨이 작가 알로이쥐 베르트랑이 쓴 동명의 산문시에서 영감을 받아 작곡한 ‘밤의 가스파르’. 피아니스트에게 초인적인 기교와 무한한 상상력을 요구하는 난곡(難曲)으로 악명이 높다. 첫 번째 곡 ‘물의 요정’에선 마치 건반을 스치듯 가볍게 손가락을 굴리면서 32분음표 트레몰로로 점철된 빗방울의 형상을 더없이 생생하게 들려줬고, 두 번째 곡 ‘교수대’에선 죽음을 암시하는 B플랫 종소리를 셈여림의 폭이 크지 않게 읊조리듯 연주하면서 음산하면서도 묘한 분위기를 불러냈다. 세 번째 곡은 피아노 역사상 가장 어려운 작품으로 꼽히는 ‘스카르보(요괴·교활한 요정)’. 조성진은 건반을 누르는 깊이와 무게, 페달 움직임, 피아노의 배음과 잔향의 효과를 아주 세밀하게 조율하면서 때론 신경질적인 요괴의 목소리로, 때론 기괴스러운 환상으로 손에 땀을 쥐게 하는 긴장감을 선사했다. 2부는 리스트의 피아노 연작(連作) ‘순례의 해’ 가운데 ‘이탈리아’ 전곡(1~7곡) 프로그램으로 채워졌다. 연주하는 데 50분가량 소요되는 대작으로 이탈리아의 강렬한 풍경과 작가 페트라르카, 단테 등 위대한 예술가들의 작품에서 받은 영감이 오롯이 담겨있다. 전체를 관통하는 안정적인 호흡, 윤슬처럼 반짝이는 음색, 리스트 특유의 화려한 서정을 흔들림 없이 구현하는 연주에서 그가 얼마나 이 작품을 깊게 이해하고 있는지 가늠해볼 수 있었다. ‘페트라르카의 소네트 47·104·123번’에선 마치 대화하듯 양손을 긴밀하게 움직이면서 응집력 있는 소리를 만들어냈는데, 모든 소절의 셈여림과 음색에 미묘한 차이를 두고 자연스러운 흐름의 변화를 이끌면서도 고음과 저음, 장음과 단음, 연결과 단절 등의 대비는 놓치는 법이 없었다.마지막 곡은 ‘단테를 읽고, 소나타풍의 환상곡(단테 소나타)’. 조성진은 무게감 있는 타건으로 심연으로 빠져드는 듯한 암흑의 정서를 불러내다가도 금세 맑은 색채와 섬세한 터치로 삶에 대한 희망을 드러내면서 ‘연옥(죽은 사람의 영혼이 천국에 들어가기 전 남은 죄를 씻기 위해 단련 받는 곳)’에 놓인 인간의 복잡한 심경을 역동적으로 그려냈다. 감정에 지나치게 치우치지도, 기교적인 요소만 과시하지도 않았다. 리스트 작품에서 흔히 기대할 수 있는 뜨거운 열정으로 휘몰아치는 극적인 효과를 떠올렸다면 보다 담백하다고 느낄 수 있지만, 연주의 완성도는 최고 수준이었다. 그는 정신없이 쏟아지는 수많은 음표 속에서 한시도 흐트러지지 않는 아티큘레이션(각 음을 분명하고 명료하게 연주하는 기법), 치밀한 해석과 균형, 정제된 음색과 제한된 음량으로 선율을 속삭이다가 돌연 두 발이 튀어 오를 정도로 세게 건반을 내려치면서 불러내는 격정적 에너지로 리스트의 음악 세계를 온전히 포효했다.조성진이 마지막 음을 누르고 마침내 공중으로 손을 들어 올리자, 1200여 명의 청중은 약속이라도 한 듯 일제히 자리에서 일어섰다. 그렇게 시작된 뜨거운 환호와 박수 세례는 여섯 번의 커튼콜, 한 번의 앙코르를 지낸 뒤에도 좀처럼 끝날 줄 몰랐다. “명성을 얻기 위해 쇼팽 콩쿠르에 참가한 것이 아니다. 난 단지 음악을 만들고 싶었을 뿐이다.” 8년 전, 프라하의 봄 국제 음악 축제 첫 공연 당시 체코의 일간지 호스포다스케 노비니와의 인터뷰에서 조성진이 한 말이다. 순수하게 음악만 쫓겠다던 조성진의 연주는 여러모로 차원이 달랐다. ‘그때도, 지금도 왜 조성진이어야 하는가’에 대한 답이 될 만한 무대였다.프라하=김수현 기자 ksoohyun@hankyung.com
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묵직한 철학적 화두와 고도의 예술성까지 선사한 오페라 '죽음의 도시'

"삶과 죽음의 세계는 갈라져 있어, 냉혹한 철칙이지. 천국에서 날 기다려줘."에리히 볼프강 코른골트(1897~1957)의 오페라 '죽음의도시' 3막 마지막 장면. 주인공 파올은 죽은 아내에 대한 갈망과 집착을 내려놓고, 마침내 아내의 망령과 작별한다. 파의 깨달음과 함께 무대의 막이 내리자 관중석에서는 뜨거운 박수가 쏟아져 나왔다. 국내에서 전막 초연하는 국립오페라단의 '죽음의 도시'가 지난 23일 서울 예술의전당에서 베일을 벗었다. '쇼츠'와 '세줄 요약'이 범람하는 시대에 '죽음과 삶의 관계'라는 심오한 주제와 러닝타임 150분에 달하는 이 대작이 청중에게 어떤 감흥을 줄 수 있을까. 죽음의도시는 이런 세간의 의문에 대해 오페라의 존재감을 역설하는 무대였다. '종합예술의 꽃'으로 불리는 오페라는 연출, 의상, 연기, 노래, 음악 등 모든 요소가 제대로 구현돼야 몰입이 가능하다. 그렇지 않을 경우 '지루하다', '조잡하다'는 평을 받기 쉽다. 이번 작품은 국립심포니의 호연, 성악가들의 기량, 적절한 연출까지 드물게 세 박자가 맞아 떨어진 무대였다. 이를 통해 오페라만이 줄 수 있는 묵직한 철학적 화두와 고도의 예술성을 선사했다. 정신적 사랑vs육체적 사랑…대조 활용해 주제 전달전체 3막으로 이뤄진 죽음의도시는 끊임없는 대조를 통해 삶에 대한 성찰을 유도한다. 우울하고 과거에 잠식돼 있는 파올과 삶을 노래하는 무용수 마리에타의 대비가 대표적이다. 상반된 두 남녀 주연을 비롯해 작품은 죽음과 삶, 정신적 사랑과 육체적 사랑, 종교가 지배하는 엄숙한 세계와 욕망이 지배하는 속세, 환상과 현실을 대비시킨다. 양쪽의 경계에서 파올））은 계속 오락가락한다. 그는 죽은 아내를 고결한 성녀로 생각하고 애도하지만, 죽은 아내와 똑닮은 무용수 마리에타의 에너지와 육체적 매력에 끌린다. 그러나 그는 아내에 대한 죄책감으로 마리에타를 인정하지 않고 오히려 비난한다. 그러자 마리에타는 그를 향해 일침을 가한다. "당신은 위선자야. 조금 전까지만 해도 당신은 나의 타락을 숭배했고 순수한 아내 따윈 생각도 안 했지" 작품은 초반과 결말을 빼면 파올의 꿈과 환각 속 스토리를 중심으로 진행된다. 이 때문에 사실상 파올이 극의 중심인데, 파올 역을 맡은 테너 로베르토 사카는 60대의 나이에도 불구하고 건재한 기량을 선보였다. 파올 역은 비중이 거의 80% 이상인데다 고음이 반복적으로 등장해 상당한 지구력을 요한다. 사카는 1막 초반에 성량이 조금 아쉬운듯 했으나 이내 빼어난 전달력과 안정적인 발성으로 극을 이끌어갔다. 여주인공 마리에타 역을 맡은 레이첼 니콜스는 남자를 두고 무려 죽은 여자와 경쟁하는 팜므파탈 역할을 소화해냈다. 특히, 마리에타는 무용수인 만큼 춤과 노래 모두에 능해야 하는 게 특징. 니콜스는 1막의 아리아 '마리에타의 노래'에서 요염한 몸짓을 하며 넓은 음역대를 오갔다. 죽은 아내 마리 역할은 무용수 김채희가 얼굴을 가린 채 연기했는데, 그는 인형극처럼 정교한 몸 동작으로 감탄을 자아냈다. 영화음악같은 오케스트라 반주코른골트의 음악은 극도로 화려한 관현악 기법, 복잡한 불협화음, 잦은 전조와 음향적 색채로 유명하다. 그는 영화 '인간의 굴레', '로빈 후드의 모험' 등 영화음악을 작곡하기도 했으며, 미국으로 이주해 할리우드에서 활동한 인물. 오케스트라 피트에는 피아노, 만돌린, 첼레스타 등 다채로운 음향을 내는 악기를 사용해 블록버스터 영화 사운드트랙같은 효과를 냈다. 코른골트는 바그너, R. 슈트라우스, 푸치니, 드뷔시 등의 영향을 받은 것으로 알려졌는데, 이들에 비해 연주 난이도가 훨씬 높은 게 특징이다. 오케스트라는 수시로 성악과 맞춰들어가야 하는 까다로운 파트가 빈번했고, 테크닉적으로도 난곡이었지만 국립심포니는 이를 무사히 소화해냈다. 후반부 금관 파트에서 힘이 빠지는듯한 느낌이 있었지만, 전체적으로 큰 어긋남없이 성악가들과 매끈한 호흡을 자랑했다. 이번 무대에 지휘봉을 잡은 로타 쾨닉스는 유럽에서 오페라를 중심으로 활동중인 지휘자로 귀가 예민하기로 정평 난 인물. 세부적인 음향 효과와 성악의 시너지를 탁월하게 조율하며 극의 몰입도를 끌어올렸다. 세련된 연출로 미감 극대화 연출적 효과도 정교했다. 수시로 톤이 바뀌는 조명과 무대배경 속에서 인물들이 퇴장하고 재등장을 반복하면서 마치 꿈을 꾸는듯한 몽환적인 분위기를 자아낸다. 마리에타가 무용수라는 설정 덕에 전반적인 안무나 동작이 돋보이고 춤추는 장면이 많은데, 이를 조명과 세트 등을 통해 효과적으로 연출한 흔적이 돋보였다. 중간중간 가미된 스릴러적 요소와 달 모양 그네 등 감성적요소가 연출의 디테일을 더했다. 2막에 등장하는 '극중극'에서 연출의 미감은 정점을 찍었다. 이 오페라는 조르주 로덴바흐의 소설 '죽음의 도시 브뤼주'를 토대로 만들어진 작품이다. 사진이 수록된 최초의 소설이기도 하다. 소설에 사진을 등장시켜 주인공의 내면 풍경을 직관적이자 비유적으로 그리는 수법을 처음으로 선보인 것이다. 당대 선풍적인 인기를 끌었던 프로이트의 이론에도 영향을 받았다. "억압된 현재의 욕망과 어린 시절의 욕망이 꿈에 의해 왜곡된 형태로 충족된다"는 프로이트의 주장처럼, 파올은 죽은 아내에 대한 그리움과 애도가 점차 집착이 되고, 이는 그의 꿈과 환각을 통해 새로운 욕망으로 재탄생한다. 최다은 기자 max@hankyung.com
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'저녁노을' 드레스의 소프라노는 슈트라우스 가곡을 불렀다

인생 황혼기의 정열을 담은 색일 수도 있을 것 같은 혹은 어둠 속에 잦아드는 저녁노을의 마지막 이글거림을 담은 색일 수도 있을 것 같은 빨강.지난 4월 말, 올해 예술의전당 교향악축제의 마지막을 장식하는 노래인 리하르트 슈트라우스의 마지막 작품 '마지막 4개의 노래'를 부르는 소프라노는 혹시 그렇게 드레스의 색깔을 선택했을까? 객석에 앉아 그 멋진 무대를 바라보며 잠시 생각을 했다. 그리고는 언제부터 오케스트라와 함께하는 가곡이 아름다웠고, 이것을 이렇게 태연히 아름답게 받아들이고 느낄 수 있었을까? 하는 궁금증이 일었다.음악과 일에 관한 기억 중에서 어떤 이야기들을 꺼내야 이 궁금함을 풀 수 있을까.두 가지. 2009년 <퀴즈로 풀어보는 클래식>이란 모임에서 듣게 된 베토벤 전원교향곡 2악장에 관한 하나와 2016년 리하르트 슈트라우스의 작품인 '알프스 교향곡'의 무대를 경험했던 일이 좋은 답일 것이라고 정리를 했다.죽음에 대해 의심하는 가사가 끝난 후주에 들려오는 새소리는 오늘도 아름답다는 생각을 하며 가장 빠른 ‘Brava’를 외치고 싶었지만, 그건 언제나 성악가를 가장 사랑하는 사람의 몫이려니 생각을 하며 조금 늦게 박수를 시작했다. 1. 친구 따라갔던 음악감상 모임 '퀴즈로 풀어보는 클래식(이하 퀴•풀•클)' 2009년 6월, 친한 친구를 따라 음악을 듣는 모임에 갔었다. 모임의 형식은 간단했다. 호스트가 들려주는 음악을 듣고, 음악에 관한 첫 느낌을 얘기하고, 그 후에 호스트가 만든 문제지를 본 후 다시 얘기를 나누는 형식의 모임이었다.참석한 분들은 동화작가, 책을 좋아하는 회사원, 유치원 선생님, 초등학교 선생님, 예술교육으로 유학을 준비하고 있는 직장인 등 다양했다. 이분들은 모두 전원교향곡의 2악장만 따로 들어본 적은 없는 것 같았지만 음악을 듣고 난 후 열심히 이야기를 나눴다. 호스트의 문제지를 보기 전, 공교롭게도 6명 중 5명은 모두 ‘물’에 관한 언급을 했다. 전원 2악장 제목을 상상하라는 호스트 문제의 보기는 다음과 같았다.1) 비 오는 날, 이어폰을 꽂고, 시내를 가로지르고 있는 버스 안2) 높다란 풀잎들 사이로 간간이 보이는 햇살3) 시냇가 끝자락에 앉아 바라보고 있는 시냇가의 풍경4) 한 몸 가득 비를 품고 꾸물대는 구름들5) 사랑하는 사람을 가슴에 안은 한없이 정겨운 연인문제의 마지막에 베토벤의 생각은 보기 내에 있다고 하면서.위의 문제에 굳이 정답을 내자면 3번이겠다. 베토벤은 교향곡 6번 각 악장에 악상기호 외에 따로 부제를 달았고, 2악장을 ‘시냇가에서의 정경’이라고 이름을 붙였으니 말이다. 퀴․풀․클 모임에서 베토벤이 첼로를 통해 표현하려 했던 ‘흐르는 물’의 이미지를 바로 캐치해 내는 사람들이 참 흥미로웠다.베토벤의 전원교향곡 2악장이 시작되면 2대의 첼로만이 선율을 연주하고, 나머지 첼로와 더블베이스는 피치카토를 한다. 2대의 첼로는 마치 흐르고 있는 시냇물과 같고, 그 위를 나머지 현들과 목관의 소리가 덮는다. 음의 높음과 낮음을 흡사 풍경에도 적용하고 있는 것처럼. 첼로를 따라 흐르는 물 위로 새들의 노래, 나뭇잎의 노래, 바람의 소리, 한갓진 유유자적함까지 표현하고 있는 듯한 이 악장.2악장이 끝나갈 무렵, 베토벤은 실제로 3개의 악기가 새를 묘사하고 있음도 친절히 설명해 주고 있다. 3개의 목관악기에 카덴차의 공간을 만들어 주며, 플루트는 나이팅게일, 오보에는 메추라기, 클라리넷은 뻐꾸기를 묘사하고 있는 것이라 악보에 표시했다. 청자의 상상력을 조금만 더한다면, 아마 시냇가 끝에 배산임수의 자세로 앉아 음악을 만들었을 것 같은 베토벤의 모습을 그리는 것도 어려울 것 같지 않다. 2. 리하르트 슈트라우스의 대편성 작품 '알프스 교향곡' 2016년 12월의 기억리하르트 슈트라우스와 구스타프 말러는 피아노가 아닌 오케스트라와 함께하는 가곡을 작곡하고 부흥시킨 작곡가로 아로새겨져 있지만, 음악회 무대를 준비하고 구현하는 측면에서 바라보면, “와! 크고 넓다, 할 이야기가 많은 모양이네”가 맞다. 오디오를 위시한 다양한 음향 장비와 기기들을 통해 음악을 듣던 청자가 음악회의 무대를 직접 준비하며 처음 경험했던 그 야릇함과 신비함에 대한 기억은 지금 이 순간도 여전히 생생하다.바이에른 방송 교향악단의 '알프스 교향곡'을 만나기 전 두어 번 정도 이 작품의 무대를 준비해본 적이 있었지만, 왠지 2016년의 알프스가 여전히 인상 깊다. 대규모 편성 속에 녹아있는 아주 작은 악기조차도 낭비와 허세 없이 적절한 역할을 하고 있다는 생각을 처음 한 탓일까 아니면 ‘저녁노을’이란 작품을 기억하기 시작한 첫해여서 그랬을까.설명은 왼쪽 윗부분부터 시계방향으로 ①, ②, ③ 순으로.① 일그러진 함석판 같은 Thunder Sheet 그리고 손잡이를 돌리는 상상만으로도 이미 힘든 Wind Machine 두 악기를 연주하는 연주자 간 무언의 대화는 이랬을 것 같다.“어이, 아무리 힘차게 돌려봐야 청중들에게 바람 소리는 들릴까 말까 할 거야. 난 단 한 번의 손놀림만으로 콘서트홀에 천둥을 일으킬 수 있지”② Heckelphone독일 작곡가인 리하르트 바그너는 악기 제작자인 빌헬름 헤켈(저음의 목관악기 바순의 브랜드이기도 한)에게 새로운 악기 제작을 요청하면서 오보에의 매력적인 음색은 지닌 채 알프호른(Alphorn)의 풍부하면서도 힘 있는 음색을 결합해 달라고 부탁을 했다고 한다.오보에보다 낮은 음역을 가진 오보에 패밀리인 잉글리쉬 혼과는 가족이 또 다른 저음 목관악기인 바순과의 음역 차이를 메우기 위해 고안된 악기인 헤켈폰. 음악회 무대에서 십 년에 한 번 보기도 힘든 악기. 알프스산맥을 등정하는 자를 둘러싼 멋진 경치를 이 악기 하나로 불러오겠노라 작곡가는 생각했을 수도 있겠다.③ 왼쪽 무대(청중의 관점으로는 오른쪽)에서 바라보는 '알프스 교향곡' 편성후기 낭만주의의 정점을 보여주는 곡이라고도 할 수 있다는 이 작품은, 알프스산맥을 등정하는 등반가의 모험과 심정에 대해 다루는 작품이라고 알려져 있다. 4관 편성을 기본으로 하며 Off-stage(무대 외의 공간)에서 연주했으면 하는 악기들의 숫자, 그것이 어렵다면 그 대안, 10여 종이 넘어가는 타악기들, 2대에서 4대까지도 운용 가능한 하프, 기본 4관 편성에 더해 가능하다면 특정 몇몇 목관악기의 추가적인 구성까지 지시하고 있는 리하르트 슈트라우스. 그 많은 연주자와 그 많은 악기로 리하르트 슈트라우스는 얼마나 많은 이야기를 하고 싶었을까. 3. 오케스트라의 가곡이 탄생하는 시절을 상상해 보는 일 흥미진진했을 것 같다. 1700년경에 이탈리아인인 바로톨로메오 크리스토포리라는 악기 제작자에 의해 발명되었다고 전해지는 피아노는 한 세기 넘게 그 자신을 개량시켜왔고, 1828년 오스트리아가 자랑하는 피아노 브랜드인 뵈젠도르퍼가 문을 열었고, 1853년이 되면 스타인웨이와 벡스타인 역시 피아노 제작사로서 그 역사를 시작했다.다른 한편에서는 바이에른의 소도시인 바이로이트 축제 극장이 예정보다 1년 늦게 1876년에 문을 열었고, 1869년 1700석 규모로 빈 국립 오페라극장, 1870년 좌석 1744석에 더해 입석 300명도 가능하다는 빈 무지크페라인도 그 역사를 시작했다. 음악을 사랑하고, 교향시와 오페라를 작곡하고, 새들의 소리가 담긴 전원교향곡을 듣고 심지어 지휘할 수도 있으며, 피아노와 함께하는 600곡이 넘는 가곡을 작곡한 슈베르트의 온기가 여전히 세상에 남아있고, 자신이 좋아하는 리하르트 바그너 그리고 네 살 터울의 구스타프 말러를 직접 만나기도 하는 세상을 살았던 리하르트 슈트라우스.그에게 있어 ‘동시대’의 음악과 음악인들 그리고 음악적 환경은 지금 생각해 봐도 폭발적인 축복이었을 것 같은데, 그 역시 알고 있지 않았을까? 200여 곡의 가곡을 작곡한 작곡가, 소프라노의 음역대를 가진 성악가를 아내로 둔 남자, 후기 낭만주의 관현악을 작곡하는 일에 있어 출중했던 작곡가인 리하르트 슈트라우스 그 남자의 마지막 선택.아직 사랑의 구력이 그리 오래되지 않은 리하르트 슈트라우스의 가곡 ‘저녁노을’. 바이에른 방송 교향악단이 무대에 알프스를 펼쳐 보여주던 2016년이 ‘저녁노을’ 이 작품에 대한 사랑을 시작한 첫해라고 정리하며 산다. 가사와 함께하는 부분에서의 새는 플루트이고, 후주에 들어가서 다시 새로 등장하는 악기는 피콜로라고 생각했으며, 그럼 그 새는 조금 더 높은 곳을 날고 있는 것일까에 대해 상상했다.2017년에는 현악기군이 해넘이를 맞이하는 하늘과 어스름 속에 군집한 산들의 능선이 갖는 그 모습, 그리고 그 모습이 불러일으키는 모든 감성을 담담히 관조적인 느낌으로 표현해 준다고 생각했으며, 해넘이의 시간이 주는 ‘Einsamkeit(고독)’ 시어의 뒤로 오르는 현의 선율은 짜릿하고, 마치 생각의 결론에 이른 듯한 시어 ‘Tod(죽음)’에 붙어 내리는 현의 선율은 편안하다고 생각했다.어둠 속에서 외롭고, 어둠 속에서 길을 잃을까 걱정하는 시 속의 화자를 두 마리의 종달새가 플루트로 위로하며, 시인은 시를 물음표로 끝내지만, 리하르트 슈트라우스는 더 높은 새의 재잘거림으로 시의 화자에게 그저 달콤한 자장가임을 들려주려 하고 있다고, 2016년에 이어 그렇게 생각했다.리하르트 슈트라우스 작품 전체를 통틀어 가장 마지막 작품의 마지막 노래. 오케스트라와 함께 서는 성악가 1명은 자신이 가슴에 안은 사랑의 대명사이며, 오케스트라 음악은 자신이 추구해온 기악음악 모든 것들의 총체이며, 표제 음악적 성격의 교향시와 오페라의 모든 대사 그리고 그의 인생을 표현할 수 있는 언어의 집약체인 ‘시’ 하나를 기가 막히게 연결해 놓은 음악이 저녁노을 아니었을까? 천천히 천천히 이 음악의 깊이에 조금씩 조금씩 더 다가서 보자고 2024년 여름 앞에서 다짐한다.