[이재호의 미술관 속 해부학자] 최고의 피지컬은 '정신력'

입력2023.02.22 18:10 수정2023.04.30 11:07 지면A28

지난달 24일 처음 공개된 넷플릭스 오리지널 프로그램인 ‘피지컬:100’이 세계적으로 엄청난 인기몰이를 하고 있다. 피지컬:100은 3억원의 상금을 걸고 국내에서 내로라하는 100명의 몸짱 중 최고 육체(physical)를 뽑는 생존 경쟁 예능이다. 양학선 윤성빈 등 국가대표 선수들부터 보디빌더, 운동 유튜버, 특수부대 출신 군인 등 화려한 출연진이 멋진 몸매로 우리의 눈을 즐겁게 해주며 큰 화제를 불러일으켰다. 나이와 체급, 성별을 불문한 1 대 1 데스매치에서는 여성 출전자를 쉽게 보고 대결 상대로 지목했다가 큰코다치는 남성 출연자나, 반대로 자신보다 두 배나 큰 남성에게 도전장을 내미는 여성 출연자가 짜릿함을 선사해줬다.

미션을 시작할 때마다 겉으로 보이는 육체와 기존의 평판을 보고 자신 있게 승자를 전망해 보지만, 예상은 어긋나기 일쑤다. 각 미션이 프로그램의 이름처럼 피지컬만을 다루는지, 시합은 공정한지에 의문을 품는 시청자도 있지만 반전이 속출하는 경기를 보며 누가 최고 피지컬로 뽑힐지 벌써 궁금하다.

피지컬에 관심이 많은 화가가 있었다. 르네상스를 대표하는 레오나르도 다빈치다. 그는 더 나은 작품 활동을 위해 예술가의 관점에서 인체 구조와 기능을 알아야 하고 화가는 해부학에 무지해서는 안 된다며 수십 구의 시신과 동물을 해부했다. 당시 인체를 해부하기 어려운 여건에서도 다빈치는 인체 구조뿐 아니라 인체의 기하학과 역학 규칙을 찾으려고 노력했고, 그 결과 인체의 이상적인 비례를 제시한 ‘비트루비우스적 인간(Vitruvian Man)’ 또는 ‘인체 비례도(Canon of Proportions)’를 완성했다.

'인체 비례도' 완성한 다빈치

이 그림을 보면 원과 정사각형 안에 한 남성이 팔과 다리를 벌리고 있는데, 그 의미를 분석해보면 대략적인 인체의 비례를 알 수 있다. 정사각형 속 인체에서 가로인 양팔을 벌린 길이, 즉 윙스팬과 세로인 키가 같다. 또한 배꼽을 중심으로 원을 그리면 손가락 및 발가락의 끝과 일치한다. 이런 인체의 비례와 비율을 바탕으로 황금비율을 찾은 다빈치는 그의 대표적 작품인 ‘모나리자’에도 이를 적용했다. 이 황금비율은 현재까지 다양한 예술작품, 디자인, 건축 등에서 찾아볼 수 있으며 일부는 성형외과에서 미적 기준으로 쓰이기도 한다. 의사들에게 미용적으로나 건강을 위해 중요한 것을 꼽으라면 단순한 비율이나 비례가 아니라 전체적인 조화로움과 균형을 이야기할 것이다. 하지만 르네상스 시대 예술가들에게 이상적인 육체란 비례를 충실하게 따른 남성이 기준이었고, 고대 그리스 신들의 형상에 가까웠다.

피지컬과 멘탈은 결국 하나

다시 피지컬:100으로 돌아와 보면, 근력이나 지구력 등을 필요로 하는 미션과 단체전에 이어 그리스신화 장면들을 재현하는 미션이 시작됐다. 100㎏의 공을 오래 들고 있어야 하는 ‘아틀라스의 형벌’은 승모근(등세모근)과 코어 근육의 지구력이, 선착순 장애물 달리기 후 횃불을 차지하는 ‘프로메테우스의 불꽃’은 햄스트링 근육을 중심으로 단거리 달리기 능력이, 끊임없이 내려오는 줄에 오래 매달려야 하는 ‘이카로스의 날개’는 등근육과 악력이 요구됐다. 또한 꼬리잡기 같은 오래달리기인 ‘우로보로스의 꼬리’는 심폐 능력과 달리기를 기반으로 한 지구력이, 언덕을 오가며 100㎏ 공을 굴리는 ‘시시포스의 형벌’에서는 공을 굴리기 위해 팔과 등의 근육, 언덕을 올라가기 위해 볼기에서 장딴지 근육까지 다리 전체의 근육이 요구됐다.

앞선 미션에서 한계에 부딪혀 이를 악물고 도전하는 참가자나 승부에 져서 안타까워하며 욕을 뱉는 참가자를 보며 희열을 느꼈다면 단체전에서는 적절하게 팀을 구성하고 대진을 정하며, 중요한 순간 팀을 이끄는 모습이 돋보였다. 미션 중에는 죽을힘을 다해 경쟁하지만, 시합을 마친 후 경쟁자나 팀원들과 서로 환하게 웃으며 안아주는 페어플레이의 모습이 우리를 더 뭉클하게 했다.

최고의 피지컬을 뽑기 위해 시작된 예능이 단순히 육체를 넘어 지혜와 리더십의 중요성을 드러내며 예능을 넘어서 한 편의 다큐멘터리를 만들어가고 있다. 의학에서도 몸의 구조와 형태는 해부학의 분야지만 인체의 모든 세포에서 장기까지의 기능은 생리학이다. 어원상으로도 피지컬은 보이는 형태가 아니라 그 기능을 제대로 할 때 진정한 의미를 지니는 것이다. 승패와 상관없이 엄청난 투지와 근성을 보여주는 참가자들을 보며 우리는 감탄을 자아내며 박수를 보낸다. 육체를 가리키는 피지컬의 반대말은 마음 혹은 정신이다. 하지만 현실은 꼭 그렇진 않다.

이재호 계명대 의대 교수

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60주기 바슐라르, 현대미술에 장착시킨 '상상력 철학'

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2023년 2월, 앤디 워홀의 시대가 프랑스 출판사 아르마탱에서 출판…. 이 출판의 의미는 두 가지 측면에서 조망될 수 있다. 첫째는 서구 미술의 늦깎이 수용에서 출발한 한국 이론가의 서구현대미술 읽기가 서구에서 출판되었다는 사실에 관한 것이다. 반응이 몹시 궁금했다. 비서구 변방의 피상적이거나 편협한 독해로 간주되고 마는 것은 아닐까? 다행히도 파리 쪽의 반응은 긍정적이었다. 오히려 서구 미술의 조류와 그에 관한 미술사 연구 장에 새로운 성찰의 계기가 될 수도 있다는 점에서 비평적으로 의미가 있다는 평가였다. 파리 8대학의 미학자 프랑수아 술라주(Francois Soulage) 교수는 나의 관점과 시각에 깊이 공감하는 취지의 긴 서문을 기꺼이 써주었다.다음은 술라주 교수의 서문 가운데 발췌한 일부다.한국의 심상용 (SIM Sang Yong) 교수의 본 저서가 ‘Local & Global’ 컬렉션에 출간될 수 있었던 것도 그러한 이유이다. 본 저서는 예술사에 대한 우리의 어떤 순진하고 잘못된 접근 방식에서 벗어나게 해준다 : 예술의 역사는 역사의 경제 없이는 아무것도 할 수 없다는 접근 방식이 그것이다. 본 저서는 팝아트와 특히 앤디 워홀의 작품이 확립되고 발전하는데 있어서 소프트 파워(soft power)가 얼마나 중요한 역할을 하는지를 자료와 함께 보여준다. 그것이 본 저서를 읽어야 하는 이유 중 하나이다: 본 저서는 우리를 생각하게 한다. - 하이데거의 주장을 환기해 볼 필요가 있다. ... “우리 자신이 생각해야만 우리가 소위 생각이라고 말하는 어떤 것에 접근할 수 있다.(p. 8)본 저서는 우리 목전에서 전개되는 스팩터클에 대한 우리의 수동성에서 우리를 깨어나게 한다. 예술 이미지의 소비의 방향이 아니라, 예술과 예술을 둘러싼 것에 명시적으로, 특히 암묵적으로 우리 눈을 돌리게 함으로써 말이다. 또한 본 저서는 "우리가 생각하도록 할 뿐만 아니라, 다른 방식으로 예술 작품에 민감해지도록 한다.“(p.10) l’Ere d’Andy Warhol’ 의 프랑스 출판이 지니는 둘째 의미는 조금 사적인 것이다. 자기 이름의 책을 출판하는 것도 자주 부빌없는 욕망의 일환이다. 어느덧 이 정도는 알 나이가 되었다. 다섯 권의 학위 논문에 열댓 권의 단행본을 출판하면서다. 첫 번째 책이었던 『현대미술의 욕망과 상실』(현대미학사)이 25년 전인 1999년에 출판되었고, 이후 『그림 없는 미술관』(2000), 『천재는 죽었다』(2003), 『속도의 예술』(2008)이 각기 다른 제법 큰 출판사에서 출판되었다. 모두 단명해, 어느 하나도 재판에 이르지 못했다. 하지만 2010년 『시장 미술의 탄생』의 출판을 둘러싸고선 생각이 복잡해졌다. 상업적 성과야 내려놓은 지 이미 오래다. 이 가난한 동네에서 글을 써 경제적 보상을 받아야겠다는 생각은 처음부터 없었다. 반응도 예컨대 미디어에 소개되거나 일정한 판매 부수가 꾸준히 지속되거나 등의 통상적인 잣대로 보면 대체로 신통치 못했다. 그렇다면, 나는 왜 여전히 쓰고 있는 것인가? 이 시대에 대해, 이 시대의 누구도 듣고 싶지 않을 수도 있을 것을 무슨 명목으로 쓰는가? 왜 관심도 흥미도 없고, 돈을 지불할 생각도 없는 독자들에게 주머니를 열 것을 강요하는가? 『시장 미술의 탄생』(2010)은 이 질문에 대해 적어도 나에게는 일정부분 답을 해준 사건이었다. 『시장 미술의 탄생』은 2008년 서브프라임 사태가 미술시장을 넘어 창작을 비롯한 예술 전반에 매우 파괴적인 영향을 미치는 광경을 목격하면서 집필이 시작된 원고였다. 21세기 예술의 급진적인 변화와 변형의 상황과 진단, 분석이 그 주된 내용이었다. 자료 수집을 위해 프랑스에 다녀오기까지 했다. 책이 출판되자 초기의 반응은 나름 뜨거웠다. 판매실적 상의 부진함을 넘어 서는데 보탬이 되는 종류의 반응은 물론 아니었다. 출간 초기에는 일간지를 포함한 적지 않은 매체들에서 기사화되고, 저자 인터뷰도 이어졌다. 하지만, 너무 이른 게 아닌가 싶은 시점에 출판사의 절판 결정이 내려졌고, 서점이나 인터넷에서 사라졌다. 팔리지 않는 책의 저자에게 항변은 주어지지 않는 권리겠지만, 내 셈으로는 너무 이른 절판이었다. 절판된 이후로도 한동안은 책의 구매에 대해 문의하는 전화나 메일이 내게 왔다. 이 너무 이른 절판 사건은 내게 나의 모욕감, 자책감, 열등감 보다 더 절박한 문제로 나를 이끌었다. 팔리지 않는 책, 구매력과 동 떨어진 지식, 유행을 타지 않는 생각을 위해서는 단 한 평의 땅도 허용되지 않는 현실, 지식의 전체주의, 미래 세대 다양성의갈취(喝取)와 억압...그 즈음 이후로도 나는 그 이전보다 더 많은 책을 출판했다. 심지어 대안적 성격의 계간잡지 ‘컨템포러리 아트 저널(Contemporary Art Journal)’를 창간하기까지 했다. 2009년에 창간준비호를 낸 이 잡지는 우여곡절을 거치면서 27호까지 내고 현재는 휴간-폐간에 가까운- 중이다. 어차피 써야 할 거라면 미칠 때까지 쓰자!나는 시몬느 베이유(Simone Weil)로부터 듣는다. 유럽이 전쟁이라는 패망의 길을 걸을 수밖에 없었던 이유는 유럽의 근대 이성이 의무에 대해 무지한 채 권리에만 뿌리를 내리고 있었기 때문이다. 내가 글쓰기를 지속해야 하는 이유가 있다면? 글쓰기가 보상과 무관한 어떤 의무, 즉 신성함의 차원과 결부되어 있기 때문이다.(글쓰기 자체는 아니다) 글을 쓰는 것은 보상이 없다고 중단할 수 없는 행위가 아니다. 듣는 사람이 적은 것이 말하기를 중단해야 하는 이유가 되어서는 안 된다. 원하는 출판사가 없다면 출판사를 만들어야 한다.이후의 많은 책들은 규모가 작은 신생 출판사에서 출판되었다. 현재까지 서점이나 인터넷에서 구매가 가능한 책은 서너 권 남짓에 지나지 않는다.책이 출판되고 나서 8대학의 술라주 교수에게서 서신이 왔다. 내용의 일부를 내가 글쓰기를 중단하지 않아야 하는 이유에 대한 하나의 대변일 수도 있을 것 같다는 생각으로 옮긴다.“이 책이 잘 알려져서 오늘날 예술에 대한 싸움과 성찰에 있어서 진일보를 이룰 수 있기를 기대합니다. ... 당신은 위대한 존경의 정신으로, 사람들과 조화를 이루는 예술 행위가 어떠한 것이어야 하는가를 전 세계에 알리는 두 번째 책을 쓸 수 있을 것입니다. 잘 생각해 보십시오: 당신의 책은 속편을 부르고 있고 우리는 당신을 기다리고 있습니다.” ‘l’Ere d’Andy Warhol’ 앤디 워홀의 시대앤디 워홀의 시대는 큰 틀에서 다음과 같다. 2차 세계 대전 이후 미국은 전후 유럽과의 헤게모니 쟁탈, 구 소련 연방, 중국과의 이데올로기적 대립과 또 다른 전쟁으로서 냉전 상황이라는 양쪽으로 펼쳐지는 전선에서 승리를 담보할 문화적 복안으로서, 즉 미국적 소비자본주의와 세계주의를 천명하는 소프트 파워의 수행적 기계가 필요했다. 이 부분을 살피지 않으면서 전후 세계미술의 흐름을 추적하기는 쉽지 않다. 대전의 총성이 멈췄을 때 평화가 제자리를 찾은 듯 보였지만, 역사는 다시, 이번에는 잘 보이지 않고 선전과 조작이 난무하는 문화 전쟁에 휘말려 들어갔다. 그러한 상황에서 미국은 대단히 미국적인 하나의 브랜드를 론칭했다. 팝 아트와 그 황제 앤디 워홀이 그것이다.1] ROY LICHTENSTEIN_Girl with Hair Ribbon,1965.jpg이 책은 이제는 지나간 역사에 편입된 앤디 워홀과 그의 팝 아트, 그 의미와 여파를 당대의 조변석개(朝變夕改)하는 인식이 아니라, 쉽게 변형되지 않는 위대한 철학의 저울 위에 올려놓는 시도다. 광범위한 미디어 조작의 시대가 감추고 싶어했던 것들, 오늘날까지 여전히 유효한 그것의 정식화된 서사, 학습된 독해의 틀에서 벗어나기, 그때 비로소 신흥제국의 문화적 무기체계의 일환으로 편입된 예술이 시야에 들어올 것이기에, 워홀과 뉴욕 팝아트의 서사를 긴밀하게 지지해온 우파 포퓰리즘, 미디어 선전술과 과장, 가스 라이팅, 집단학습의 정체에 다가서야 한다.워홀과 그의 팝 아트의 미학적 빈곤을 열거하는 것은 ‘l’Ere d’Andy Warhol’을 구성하는 내용의 일부일 뿐이다. 비판적 다시 읽기의 대상은 제프 쿤스, 무라카미 다카시, 데이미언 허스트로, 소위 앤디 워홀의 후계자를 자처하는 팝과 포스트 팝의 영웅들 전반으로 확장된다. 사회 전 분야의 잘못된 영역화로 극심한 분열증을 앓는 시대기에, 현대미술로만 국한되지도 않는다.이 책의 마지막 장이 정신지체 장애인들의 공동체 라르쉬(L’ ARCHE)를 창시한 장 바니에(Jean Vanier)의 담론을 소환하기로 결정한 이유다. 우리는 바니에로부터 오늘날 예술이 왜 그토록 상실과 절망의 늪지에서 빠져나오지 못하는지, 왜 하염없이 증오와 자책의 쓰레기통을 뒤지는 상태에 머무는가에 대해, 현대미술 영역의 어떤 전문가보다 더 설득력있는 답을 들을 수 있다.바니에는 현대인이, 우리 모두가 깊은 우울증에 빠져, “사랑의 관계를 맺는 법을 상실했기 때문”이라고 말한다.사실이다. 이제 우리에게 남은 관계는 늑대의 관계뿐이다. 자크 엘륄(Jacques Ellul)을 읽어보라.선동, 집단학습, 세뇌, 모두 늑대들의 소통방식이다. 팍스 아메리카나의 전략으로서 이미지 기술, 늑대의 미학이다. 그 안에서 사람들은 통제되거나 숨거나 할 수 있을 뿐이다. 하지만 꿈과 환상, 그리고 이론과 계획에 의한 성공과 환호가 가져다주는 요소들에 안주하려 드는 것도 통제술의 성과이다. 고통으로부터 보호해주는 ‘튼튼한 방어막’을 치고서, 과거나 미래 속에서, 혹은 꿈속에서 살아가는 것이야말로 현대라는 질환의 대표적인 증세다. 그러니 결국 선택지는 없는 것과 같다. 팝 아트의 고통의 문제를 다루지 않는 환각제적 속성은 어디서 오는가? 고통의 문제를 다루기를 원치 않는 늑대들의 체계에서 온다.
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마리 앙투아네트가 전당포에 맡긴 작품까지 전시하는 그곳

아마도 우리에게 가장 선망의 대상이 되는 여행지는 유럽이 아닐까 생각한다. 유럽 안의 수많은 나라들은 서로 국경을 맞대고 있어 국가간 이동도 편리하고 거리도 가깝다.이점은 여러 문제들을 초래하고 있지만 관광객 입장에서만 보자면 매우 강점이 아닐 수 없다. 여러나라가 붙어 있어 과거부터 다양한 분야에서 교류가 많았고 서로 섞이면서도 각 지역의 전통과 사회적 분위기에 따 라 각기 다른 모습을 갖추게 되었다. 바로 이런 유럽 국가들의 닮은 듯 다른 점들이 전세계 관광객들의 마음을 사로잡은 것이 아닌가 생각한다. 나도 마찬가지로 유럽의 흥미로운 역사와 문화에 반해 20살 되던 해부터 유럽여행을 시작했고 영국에 정착하게 되었다.유럽국가 간의 손쉬운 교류로 인해 예술 분야도 서로 많은 영향을 주고받았고 현재 유럽여행을 가는 큰 이유 중 하나가 바로 유럽의 미술관, 박물관을 가보기 위해서 일 것이다. 이제부터 우리도 다양한 역사와 흥미로 운 이야기들이 가득한 유럽의 보물창고를 하나씩 들여다보자.처음 열어볼 보물창고는 런던의 ‘월리스 컬렉션 The Wallace Collection’ 이다. 월리스 컬렉션은 런던의 대표 쇼핑거리인 옥스퍼드 스트릿에 있는 셀프리지 백화점 (Selfridge) 뒤편에 위치해 있다. 인파로 복잡한 쇼핑거리를 지나 한적한 뒤쪽 블록으로 들어가면 붉은 벽돌 의 고풍스러운 저택이 보이는데 바로 월리스 컬렉션이다. 필자는 런던에 살면서 가장 큰 충격을 받은 장소가 바로 월리스 컬렉션이었다. 우리가 익히 알고 있는 영국의 유명한 박물관인 영국박물관(The Btitish Museum)은 방문 전부터 나름 기대를 하고 들어가서인지 규모나 전시품에 그다지 놀라지 않았다. 하지만 월리스 컬렉션은 이름도 생소하고 대중들에게 잘 알려지지 않은 미술관이 라서 첫 방문을 하는데까지도 시간이 오래 걸렸고 기대도 없었다. 하지만 미술관에 들어서는 순간 깜짝 놀랐다. 런던 도심에서 18세기의 화려한 파리를 만나다니 과연 프랑스에 이곳만큼 18세기 로코코 예술품만을 위한 미술관이 있을까 싶을 정도이다. 더군다나 입장료까지 무료라니 월리스 컬렉션이 너무 궁금해졌다. 사진 출처 : Photo Myrabella Wikimedia Commons왜 이런 작품들이 이렇게 멋진 공간에서 대중들에게 무료로 개방이될까? 이 모든 일을 가능케 한 것은 ‘리차드 월리스’ 덕분이다. 미술관의 이름에서도 알 수 있듯이 리차드 월리스 가문이 대대로 수집한 미술품들이 전시되는 곳이다. 이 수집품을 모으는데까지 가장 큰 영향을 미친 사람이 리차드 월리스의 아버지인 4대 허포드 후작인 ‘리차드 세이무어 콘위’이다. 허포드 후작은 자신이 갖고 있는 막대한 자산으로 일찍이 미술품에 투자했다. 특히 후작은 파리에서의 오랜 생활로 프랑스 예술품에 대한 심미안과 영국인의 취향이 접목되어 자신만의 독특한 컬렉션을 완성했다. 이 저택은 후작이 늘어나는 미술품을 보관하기위해 구입한 저택이었다. 후작은 평생 결혼을 하지 않 았고 그의 유일한 사생아였던 리차드 월리스에게 자신의 저택과 수집한 컬렉션을 남겨주고 세상 을 떠났다. 아들인 리차드 월리스도 아버지의 영향을 받아 유명한 예술 수집가와 자선가로서 성장하였다. 1872년 리차드 월리스는 파리에서 런던으로 돌아오면서 이 저택을 보수하고 자신이 생을 마감했던 1890년까지 사용하였다. 그리고 그가 사망하자 월리스 부인이 예술품을 영국 정부에 기증하였다. 정부는 허포드 저택을 구입한 후 1900년부터 미술관을 대중에게 공개하여 지금까지 모든 방문자에게 무료로 개방하고 있다. 미술관에서 소개하고 싶은 예술품들이 많지만 그 중 마리 앙투아네트의 소장품들을 소개해 보려고 한다. 화려함의 아이콘인 마리 앙투아네트가 베르샤유 궁전의 별궁 ‘프티 트리아농(Petit Trianon)’에서 사용했던 물건들을 전시해 놓은 공간이 있다. ‘프랑스 왕비 마리 앙투아네트’(1778).jpg프랑스 베르샤유 궁전의 물건들이 어 떻게 런던까지 오게 되었을까? 프랑스 대혁명이 시작되자 마리 앙투아네트는 자신의 물건들을 혁명이 끝난 후 되찾을 생각으로 전당포에 맞긴다. 하지만 결국 그녀는 사형당하면서 그것들을 되 찾지 못했고 그녀의 소장품들은 경매에 올라오게 된다. 이것을 놓칠 리 없는 후작이 그녀의 소장 품들과 경매 포스터까지 사들여 이곳 런던까지 오게된 것이다.마리 앙투아네트가 가장 아꼈다는 붉은 옥 장식을 한 향로와 화려한 금박 가구들을 보면서 그녀가 머물던 프티 트리아농이 어떠했을 지 상상해 보게된다.