영화 '찰리와 초콜릿 공장'에 나온 '골든 티켓'을 직접 보고싶다면
Chapter 1 로알드 달의 '찰리와 초콜릿 공장'
우리에게는 영화로 잘 알려진 '찰리와 초콜릿 공장'은 사실 영국의 소설가, 로알드 달의 아동 소설이에요. 그가 아끼는 작품 중 하나로, 1964년 발행 이후 지금까지도 사랑받는 이야기죠.
Chapter 2 달콤한 뮤지컬 영화
로알드의 '찰리와 초콜릿 공장'은 지금까지 3번이나 영화로 제작 됐어요. 모두 뮤지컬 영화에요. 1971년, 멜 스튜어트 감독의 '초콜릿 천국'이 그 시작이었어요. 영화 초반에 과자가게 점장이 아이들을 맞이하며 부르는 '캔디 맨'과 찰리가 골든 티켓을 발견하는 장면의 '골든 티켓'(I've Got a Golden Ticket) 같은 노래들이 유명하죠. '캔디 맨'은 이후 애플이 iPhone 12 퍼플의 광고 영상 노래로 쓰기도 했어요.
Chapter 3 다시 돌아온 웡카!
로알드의 '찰리와 초콜릿 공장' 이야기는 18년 만에 다시 돌아왔어요. 새롭게 나온 영화, '웡카'는 천재 초콜릿 발명가이자 공장의 주인인 윌리 웡카의 과거 이야기죠. 영국 아동 문학의 상징으로 유명한 영화, '패딩턴'(2014)을 제작한 폴 킹이 감독을 맡았어요. 티모시 샬라메가 영화의 주인공인 윌리 웡카 역을 맡아 괴짜 쇼콜라티에(초콜릿 제조 장인)를 연기했죠. 게다가 '노팅 힐'(1999)과 '러브 액츄얼리'(2003)로 유명한 영국 배우, 휴 그랜트가 움파룸파를 연기해 큰 화제가 되고 있어요.
돌아온 윌리 웡카의 이야기를 기념해 이랜드는 내년 1월 31일까지 서울 켄싱턴호텔 여의도에서 '찰리와 초콜릿 공장 특별전'이 열고 있어요. 초대 웡카 '진 와일더'의 친필 서명이 담긴 '골든 티켓'과 찰리 役의 '프레디 하이모어'가 입었던 '찰리 시그니처 코스튬' 그리고 골든티켓 이벤트 소식을 알리는 장면에서 등장했던 '웡카 자전거'까지, 다양한 소품들을 한국에서 만나볼 수 있는 기회죠. 개봉을 앞둔 '웡카'를 보기 전 '찰리와 초콜릿 공장 특별전'에서 윌리 웡카의 소품들을 미리 만나보는 것은 어떨까요?
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최근 클래식 분야에서 강력한 티켓 파워를 자랑하는 두 피아니스트가 있습니다. 아시다시피 조성진과 임윤찬인데, 이들 두 피아니스트가 공교롭게도 이번 시즌에 내한하는 세계적인 오케스트라와의 협연곡으로 모두 베토벤의 피아노 협주곡 4번 G장조를 선택하여 애호가들의 눈길을 끌고 있습니다.이 곡은 베토벤이 이른바 '걸작의 숲'을 지나던 시기에 작곡되었는데, 당시에 작곡된 교향곡 5번이나 6번 등과 같이 이 협주곡 또한 모종의 서사적 프로그램을 담고 있는 작품이라는 견해가 유력합니다. 그리고 그 서사적 프로그램은 당시 비엔나에서 매우 인기가 있었던 오비디오스의 '변신(Metamorphoses)'에 나오는 오르페우스와 에우리디케(유리디체)의 이야기와 관련이 있습니다.오르페우스는 아폴론에게서 리라 연주를 배워 리라의 달인이 되었다고 알려져 있는데, 그가 음악을 연주하면 생명도 없는 목석이 춤을 추고 맹수나 난폭한 인간도 얌전해졌다고 합니다. 특히 오비디우스의 '변신'은 에우리디케와의 결혼, 죽은 에우리디케를 찾아 지하 세계로 내려간 후의 두 번째 이별, 그리고 디오니소스의 여신도들의 미움을 받아 육신이 조각난 채 리라와 함께 강에 버려지지만 사후 세계에서 에우리디케와 결국 재회하는 등의 오르페우스에 관한 이야기를 다루고 있습니다.Jander와 같은 학자는 이 협주곡이 1악장(오르페우스의 노래), 2악장(지하 세계의 오르페우스), 3악장(오르페우스와 디오니스소의 여자 광신도) 등 시작부터 끝까지 위의 오르페우스의 이야기를 아주 구체적으로 묘사하고 있다고 주장하고 있습니다.물론 군데군데 다소 억지스런 측면을 내포하고 있는 그러한 Jander의 주장에 전적으로 동조할 필요는 없겠지만, 작곡 당시에 베토벤이 의뢰하여 그린 자화상에서 그가 리라를 들고 있는 모습에서도 알 수 있듯이, 오르페우스의 이야기가 이 협주곡을 작곡할 당시 베토벤에게 큰 음악적 영감을 준 것은 부인하기 어려워 보입니다.공교롭게도 당시는 베토벤의 불멸의 연인의 유력한 후보인 요제피네가 갑자기 남편과 사별하자 그녀와 결혼하여 가정을 꾸리려는 단꿈에 젖어 있던 시기과 겹치는데, 음악적으로 보더라도, 베토벤은 이 협주곡에서 피아노를 연주하는 자신을 오르페우스에 대입시킨 듯한 흔적이 존재합니다.예를 들어, 1악장의 도입부에서 이례적으로 피아노 솔로로 시작하는 부분은 오르페우스가 본격적으로 리라를 연주하기 이전에 엄지손가락으로 악기를 가다듬는 모습을 연상시킵니다.특히, 1악장 처음에 피아노가 솔로로 연주하는 아래 부분을 보면 베토벤이 오르페우스가 연주하는 리라의 소리를 피아노로 표현하고 있음을 감지할 수 있습니다. 특히 연속하여 강조되는 스타카토 표시나 아르페지오 등은 모두 탄현악기인 리라의 음향을 염두에 둔 것이라 보는데, 이것을 피아노로 (특히 무거운 소노리티의 현대 그랜드 피아노로) 정교하게 표현해내는 것은 매우 도전적인 작업입니다.이러한 피아노 솔로에 이어지는 독특한 화성의 오케스트라는 오르페우스의 연주가 불러일으키는 마법과도 같이 신비롭게 펼쳐집니다.또한 베토벤이 사랑을 노래할 때 자주 사용하였던 G장조 조성에 의한 이 악장에서 에로스적인 분위기를 감지하는 것은 그다지 어렵지 않은 일입니다.베토벤은 정교하고도 마법같은 리라의 노래소리를 표현하기 위하여 피아노를 매우 섬세하고 아기자기 하게 다루고 있는데,특히 레가토와 스타카토가 다양하고도 정교하게 결합된 세밀한 아티큘레이션 표기를 제대로 표현해내기는 생각보다 매우 까다로와 아직까지 이를 제대로 완벽히 표현해내는 피아니스트를 본 적이 없을 정도입니다(아래 악보 및 해당 영상 부분들 참조).위의 악보에서 파란색 밑줄 친 부부의 마지막에 16분음이 두 개씩 이음줄로 묵여 있는 빠른 패시지에서의 레가토 표현은 아주 까다로운데,이러한 아티큘레이션은 1악장에서 수시로 등장합니다.특히, 아래 악보와 같이 긴 슬러로 연결되어 물흐르듯이 흐르는 부분 이후 갑자기 16분음을 두 개씩 슬러로 묶은 아티큘레이션이 이어지는 경우 16분음을 두 개씩 슬러로 묶은 음은 (현악기로 이를 표현할 때를 염두에 두고) 좀 더 묶음 단위별 아티큘레이션을 분명하게 표현해내어 전후의 아티큘레이션의 차이(아래 악보의 파란색 및 빨간색의 차이)를 충분히 강조해야 합니다.사실 이런 아티큘레이션의 차이를 충분히 대조적으로 드러내주는 연주로는 시대악기에 의한 아래 슌더뵈르트 연주 외에는 거의 찾아보기 힘든데, 특히 슬러로 이어진 두 개의 16분음의 첫 16분음에 주된 강세를 두고 이어지는 두번째 16분음은 (마치 디미뉴엔도 처리된 음처럼) 신속히, 그리고 약하게 이어 붙여 연주를 하여야만 앞 부부의 긴 슬러로 한 데 묶어진 음들과 충분히 대조를 이루며 음악적으로 표현될 수 있습니다.슌더뵈르트 2악장의 강력한 현악 오케스트라 또한 리라를 들고 지하세계에 들어온 오르페우스를 막아서는 복수의 신(Furies)의 분노에 찬 외침을 상징하는 듯하고, 피아노는 이들에게 간절히 호소하며 음악의 힘으로 이들이 막아선 길을 여는 오르페우스의 리라 연주처럼 정말 환상적입니다.Jander 시나리오이 2악장은 오케스트라에서 현악기만 사용된 점 외에도 (외부 악장인 1, 3 악장과 달리) 일정한 형식에 얽매이지 않고 오히려 하나의 오페라의 장면과도 같이 자유롭게 풀어나가는 점이 특이한데, 곡이 가진 드라마적 요소를 충분히 드러내려면 (예를 들어 도입부의 현악 파트의 스카타토 등) 악보에 지시된 악상 기호들을 보다 강렬하게 표현해내려는 적극적인 의지가 요구됩니다(아래 연주 참조).카사도 - 베주이덴하우트 (2악장)하딩 - 피레스 (2악장)마지막 3악장은 1, 2 악장에는 사용되지 않은 트럼펫과 팀파니가 동원되는데, 이를 통한 전투적이고도 공격적인 음향 표현에서는 (거친 북소리 등으로 마법의 리라 소리를 잠재우고 급기야 오르페우스를 토막 살인하여 리라와 함께 강물에 버린) 디오니스소의 여신도들의 광기가 느껴집니다.그 밖에 3악장에서 수시로 등장하는 독특한 첼로의 독주 부분도 마치 강물처럼 유려한 흐름이 인상적인데, 이 대목에서는 오르페우스의 시신이 갈갈이 찢겨 리라와 함께 강 위로 떠다니는 장면이 연상되기도 합니다.그 후 다시 강물처럼 유려한 오케스트라의 흐름을 타고 피아노가 연주되는 장면에서는 오르페우스의 리라가 하늘로 올라가 별자리로 박히는 듯한 이미지가 전개되고, 마지막 코다에서는 오르페우스와 에루리디케가 서로 앞서거니 뒤서거니 하면서 기쁨의 재회를 하는 장면이 마치 한편의 그림처럼 머리에 떠오릅니다.이번에 베를린필과 이 곡을 협연한 조성진의 경우 다른 연주회의 실황이 다소 열악한 음향에다가 끝 부분 연주가 짤린 상태로 유튜브에 올라와 있습니다만, 전반적인 연주 내용도 기대에 비하면 좀 아쉬움을 남깁니다.조성진곧 뮌헨필과 임윤찬이 이 곡을 국내에서 협연하는데, 특히 손 대는 작품마다 독특한 터치로 찬사를 이끌어내는 임윤찬이 과연 이 베토벤의 협주곡을 (특히 이 곡에 담긴 장대한 서사적 프로그램과 또 정교한 아티큘레이션 등을) 어떻게 풀어낼까 상당히 기대가 됩니다.첼리비다케 - 페라이어
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우울증 시달리던 베르디는, 詩 한구절에 번쩍 뜨여 '이탈리아 제2의 애국가'를 작곡했다
2010년 3월, 로마 오페라 극장에서는 이탈리아 통일 150주년을 기념하는 콘서트가 열리고 있었다. 남북간의 지역갈등이 심각을 넘어 거의 전쟁 수준까지 치달은 이탈리아는 묘하게도 대통령은 남부에서, 총리는 북부에서 배출되는 경향이 있었다. 이날도 남부 나폴리 출신이자 진보 정치계의 거두인 조르지오 나폴리타노 대통령과 북부 밀라노의 재벌 정치인 베를루스코니가 서로 불편한 표정으로 자리를 함께 하고 있었다.지휘자 리카르도 무티가 손끝을 움직이자 마치 지중해의 북서풍 마에스트랄레처럼 가슴을 적시는 선율이 순식간에 극장 안으로 울려 퍼졌다. 주세페 베르디가 남긴 불후의 명곡, ‘히브리 노예들의 합창’이었다. 오페라 <나부코> 속의 이야기는 이렇다. 바빌론의 압제자 나부코 왕에게 사로잡힌 유대인들은 유프라테스 강가로 끌려나와 강제노역에 시달리고 있다. 그들이 저무는 황혼녘에 고향땅을 바라보며 입을 모아 망향의 설움을 노래하기 시작한다. "가라, 마음이여 황금빛 날개를 타고아아, 잃어버린 아름다운 조국이여그립고도 애달픈 추억이여, 예언자의 황금 하프여너는 왜 말없이 버들가지에 매달려 있는가?"- 히브리 노예들의 합창, <나부코> 제3막노래를 부르던 합창단이 갑자기 눈물을 흘리기 시작했다. 그들의 눈물은 곧 객석으로 전염되어 온 극장이 눈물바다가 되었다. 그 순간만큼은 해묵은 남북 간의 지역감정도, 서로를 향한 삿대질과 비난도 종적을 감추었다. 베르디의 음악 앞에서 정말로 ‘하나의 이탈리아’가 되어 통일 150주년을 뜨겁게 자축했다. 국립오페라단이 11월 말부터 공연하는 <나부코>는 베르디에게도 잊을 수 없는 작품이다. 그는 하마터면 이 오페라를 쓰기 전에 펜을 꺾을 뻔 했다. 첫 두 편의 오페라를 모두 실패하고, 어린 두 아이와 사랑하는 부인을 전염병 등으로 차례로 잃었다. 심한 우울증에 빠진 베르디는 대인기피증에 걸렸고, 극단적인 선택까지 생각할 만큼 정신적으로 완전히 피폐해졌다. 이때 작은 기적이 일어났다. 후일 베르디는 이날의 기억을 회고록에서 이렇게 술회하고 있다.귀가를 서두르던 나는 오페라 대본을 건성으로 받아들었다. 내 마음은 예리한 슬픔과 숨 막히는 괴로움으로 터져버릴 것만 같았다. 집으로 돌아오자마자 대본을 책상 위로 집어던졌다. 그 바람에 묶여있던 원고가 스르륵 펼쳐졌다. 우연히 열린 페이지에 쓰인 한 줄의 시구가 내 눈에 들어왔다. “가라 마음이여, 황금빛 날개를 타고!(Va, pensiero, sull'ali dorate!)”갑자기 가슴 속으로 악상이 흘러 넘쳤다. 단 한 구절의 시가 베르디의 예술혼을 폭발시켰다. 식음을 전폐하고 거의 광인에 가까운 몰골로 작곡에 몰두한 그는 순식간에 4막짜리 대작 오페라를 완성시키고야 만다. 지금도 ‘히브리 노예들의 합창’은 이탈리아에서 제2의 국가로 불린다. 한 개인의 가장 비참하고 절망적인 순간에 탄생한 선율이 지금은 온 세상을 감동시키는 가장 위대한 음률이 된 것이다.
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암 검사결과를 기다리는 2시간을 다룬 영화 <5시부터 7시까지의 주희>
2023년 부산국제영화제 개막작으로 선정된 <한국이 싫어서>의 장건재 감독은 이른바 씨네필이다. 중학교 시절부터 하라는 공부 대신 시네마테크를 학교 삼아 고전 영화와 예술 영화를 섭렵하며 감독의 꿈을 키웠다. 최근에 장건재는 <5시부터 7시까지의 주희>라는 작품을 발표했다. 제목에서 감지 되듯 프랑스의 누벨바그를 대표하는 연출자 아네스 바르다의 <5시부터 7시까지의 클레오>(1962)에 영향을 받은 작품이다. <5시부터 7시까지의 클레오>는 암 검진 결과를 기다리기 전 타로를 보았다가 죽음이 닥쳤다는 운세를 받아 든 클레오(코린 마르샹)의 ‘5시부터 7시까지’의 여정을 거의 실시간으로 따라간다. 그 시간 동안 클레오가 하는 일은 별 게 아니다. 가수로 활동하는 클레오는 매니저를 커피숍에서 만나 타로 얘기를 전하고는 슬픈 티를 내더니만 모자 상점에 가 죽음을 의미하는 검은 모자를 구입한다. 그리고 집으로 돌아와 새로운 곡 연습을 한다. 하지만 집중하기 힘든 클레오는 검은 모자와 검은 옷을 차려입고 밖으로 나와 정처 없이 파리 이곳저곳을 떠돈다. 자신을 스쳐 지나가는 사람들을 지켜보다가 누드모델로 활동하는 친구를 만나고 혼자 공원을 산책하던 중 곧 군대에 복귀하는 남자와 짧게 데이트를 즐긴다. 죽음이 멀지 않았다고 해서 무언가 특별한 행위를 할 것 같지만, 클레오는 그동안의 일상과 크게 다르지 않은 ‘두 시간’을 보낸다. 이 형식의 핵심은 정확히 맞아떨어지는 것은 아니어도 두 시간 동안을 실제 시간처럼 다뤄 관객에게 ‘현재성 現在性’을 제공하는 데 있다. 극 중 인물에게 이입해 현재를 살아가고 있다는 감각을 느끼게 하는 것인데 죽음이 임박했다는 신호는 역으로 삶을 향한 욕망을 더 강하게 하고, 삶에 대한 의미 부여에 집착하도록 한다. 말하자면, 암에 걸렸다고 걱정한 순간부터 클레오에게 이 세상은 삶과 죽음, 그러니까 흑백과 같은 이분법으로 감지될 뿐이다. 클레오의 시선을 반영하듯 <5시부터 7시까지의 클레오>는 흑백 화면으로 이야기를 전달한다. 흑백의 영상은 클레오가 바라보는 세상의 형태일 뿐 아니라 죽음을 대하는 태도의 반영이기도 하다. 흑백은 대개 차가운 분위기를 풍기기 마련이지만, 이 영화에서는 오히려 차분하다는 인상을 준다.인간이 세상에 태어난 것도, 이 세상과 안녕을 고하는 것도 자신의 의지대로 할 수 없다는 것을 알기 때문일까, 클레오는 암 선고를 받고 나서도 그동안 살아온 대로의 일상을 유지한다. 삶과 죽음의 갈림길에서 그것이 마치 최선의 행동이듯 말이다.‘일상 日常’의 핵심은 반복이다. 매일 반복되는 보통의 일, 즉 일상은 살아있기에 가능한 가치이다. 거듭해서 되풀이하는 행위일지라도 계속 움직인다는 것인데 두 시간 내내 가만히 있지 못하는 클레오의 일상은 그래서 이 영화의 중요한 소재다. 그에 맞춰 이동하는 카메라는 시간이 흐르고 있다는 것을 은유적으로 드러낼 뿐 아니라 살아있다는 운동성의 가치를 증명하는 미쟝센으로써 의미가 있다. 클레오의 시선에 맞춰 카메라가 비추는 이미지에서 눈에 띄는 건 죽음을 초월한 예술의 가치와 죽음과 등을 맞댄 삶의 표상이다. 클레오가 집에서 기르는 새끼 고양이들은 이제 막 세상에 나온 존재들로 그 자체로 삶의 에너지가 오라를 두르고 있다. 클레오가 찾아가는 누드모델 친구의 나체는 살아있다는 것의 증거이면서 아무것도 걸치지 않는 맨몸을 대상으로 그림을 그리는 학생들의 작품을 통해 예술의 옷을 입고 다시 태어난다는 의미가 있다. 죽음이 표시된 타로로 시작한다고 해도 <5시부터 7시까지의 클레오>의 아네스 바르다는 죽음이 어떻게 생명을 얻고 어둠이 어떻게 빛으로 변환되며 삶이 어떻게 예술로 승화하는지를 보여준다. 흑이 있어야 백이 있고, 어둠이 있어야 빛이 존재하듯, 죽음은 삶과 떼어놓을 수 없다는 단순하면서도 명확한 진리는 원의 이미지로 환원이 가능하다. 세상이란 게 그렇다. 우리 모두 맞닿아 있기 때문에 세상은 원을 그리며 순환한다.<5시부터 7시까지의 클레오>와 장건재가 재해석한 <5시부터 7시까지의 주희>도 영화로 이어진 관계의 원을 형성한다. 흑백으로 일관하는 아네스 바르다와 다르게 마지막 순간, 컬러로 변환되는 장건재의 작품은 결말에서 다른 결을 보이지만, 전하고자 하는 메시지는 같다. 그 어떤 누구의 삶도 하찮지 않고 죽음도 결코 끝이 아니다. 허남웅 (영화평론가)
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