낭만과 서정의 브람스를 日 ‘장미의 마을’에 심었다
2024년 후쿠야마 국제 음악제 폐막 공연
라흐마니노프 피아노 협주곡 3번은
올해의 아티스트로 초청받은
아일랜드 피아니스트 배리 더글러스와의 협연
2부에서는 브람스 교향곡 2번 연주
▶▶▶(관련 리뷰) 한경아르떼필 선율에 日 '장미의 마을' 아이들이 외쳤다 "감사합니다"
5월 12일 저녁 후쿠야마의 클래식 음악 허브라 할 수 있는 갈대와 장미 콘서트홀에서 펼쳐진 폐막 공연은 마찬가지로 후쿠야마 음악제에 올해의 아티스트로 초청받은 아일랜드 피아니스트 배리 더글러스와의 협연으로 이루어졌다. 휴일이자 일본의 어버이날이기도 했던 이날 공연장 객석은 후쿠야마 시민뿐 아니라 히로시마시를 비롯한 인근 도시에서 찾아온 청중들도 많았다. 객석 날개 쪽에 위치한 VIP석에는 나오키 에다히로 후쿠야마 시장과 갈대와 장미 콘서트홀 음향 설계를 담당한 후쿠야마 예술재단 이사장 도요타 야스히사 그리고 김정호 한경아르떼필하모닉 대표(한국경제신문 사장) 등이 참석했다.
이어진 배리 더글러스와의 협연은 라흐마니노프 피아노 협주곡 3번으로 꾸며졌다. 바로 전날 리사이틀에서 브람스와 슈베르트, 리스트의 피아노 독주곡들을 연주하며 정통 독일 스타일의 견고한 형식과 스트럭처를 쌓아올렸던 더글러스는 하루 만에 화려한 비르투오소로 변신했다. 차이콥스키 콩쿠르 우승자답게, 유려한 음색으로 난해한 기교를 여유 있게 소화하면서도 간과하기 쉬운 난해한 프레이즈와 악상을 단 하나도 놓치지 않는 치밀함이 인상적이었다. 화려하게 리드하는 피아노 독주에 발맞춰 악단도 가볍고 기민하게 반응했다.
▶▶▶(관련 칼럼) 브람스 교향곡 전곡 연주 앞으로 한 달… 제2번은 결코 전원음악이 아니다
▶▶▶(관련 리뷰) 브람스 교향곡의 거대한 힘을 이틀 동안 오롯이 끌어내다
베토벤 서곡과 마찬가지로, 박영민과 한경 필은 브람스 또한 전반적으로 느린 템포에 낭만적인 해석을 지향했다. 가장 강렬한 인상을 남긴 부분은 3악장이었는데, 첫 번째 주제를 연주한 오보에 독주를 포함하여 악단의 허리인 목관 악기들이 변화무쌍한 템포 속에서도 서정적인 뉘앙스를 유려하게 소화했다.
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사랑일까, 아닐까. 발레 <지젤(Giselle, 1841)>의 1막에서 지젤은 데이지 꽃의 꽃잎을 한 장씩 뜯으며 알브레히트와 자신의 만남이 사랑인지, 이뤄질 수 있는지 운명을 점친다. 차마 남은 꽃잎 한 장을 떼지 못하는 건 이루지 못할 사랑이라는 이야기를 듣고 싶지 않았기 때문이다. 알브레히트는 숨겨놓은 꽃잎을 들이밀며 지젤의 마음을 달래는 센스를 발휘하지만 안타깝게 이 사랑은 배신과 죽음이라는 결과를 맺는다. 지젤의 손에 남겨졌던 그 꽃잎은 운명의 소용돌이를 예고하는 징표이자 복선이었던 것이다. 1965년 케네스 맥밀런(Kenneth MacMillan, 1929~1992)은 <로미오와 줄리엣(Romeo and Juliet)>을 안무하면서 비슷한 복선을 숨겨놓았다. 흔히 사랑은 그 마음을 확인하기 전까지가 가장 행복하다는 말이 있다. 그 마음은 확인되는 순간 사랑은 폭발한다. <로미오와 줄리엣>에서는 1막의 발코니 파드되가 그 부분이다. 어떤 버전의 발레 작품이라도 프로코피예프의 음악과 함께 이 발코니 파드되는 가장 로맨틱한 장면이다.케네스 맥밀런은 그 순간을 이렇게 표현한다. 로미오의 키스를 받고 행복한 마음이 복받쳐 발코니 위로 달려가 로미오를 향해 손을 뻗는 줄리엣. 로미오도 줄리엣을 향해 손을 뻗는다. 하지만 그 순간 두 사람의 손이 맞닿지 않는다는 걸 기억할 필요가 있다. 운명의 복선이 되기 때문이다. 케네스 맥밀런은 마지막 장면에서 단도로 자신을 찌른 줄리엣이 로미오의 시신을 향해 손을 뻗지만 끝내 그 손을 잡지 못하고 침대 위에 널브러진 채 죽음을 맞이하도록 했다. <로미오와 줄리엣>에서 가장 중요한 두 장면에서 비극의 감정을 분출시키고 연결시킨 것이다. 수많은 <로미오와 줄리엣> 중 대표적인 안무작으로 꼽히는 마린스키 버전과 존 크랭코 버전의 발코니 파드되(2인무) 장면을 비교하면 이 점은 극명하게 드러난다. 마린스키 버전의 경우 두 사람의 포옹으로 맺어지고, 존 크랭코의 버전은 로미오가 줄리엣을 안아 발코니에 앉히는 낭만적인 모습으로 맺어진다. 가장 화사한 발코니 장면에서조차 케네스 맥밀런은 비극이 될 거란 예견을 읽게 만든 것이다. 서사가 강렬한 프로코피예프(Sergei Prokofiev, 1891~1953)의 발레 음악도 이 비극적 감정을 놓치지 않는다. 발코니 파드되를 주도했던 주제부는 두 사람의 죽어가는 엔딩 장면에 음울한 선율을 타고 깔려 들어가 있다. 음악을 통해 발코니에서 사랑을 확인하던 두 사람의 모습은 환영처럼 죽음의 그림자 위로 오버랩 되고 관객들은 울음을 터트릴 수밖에 없다.이번 공연에서 음악을 맡은 지중배 지휘자는 이 곡이 발레 음악이자 두 젊은 남녀의 사랑의 물살을 타는 곡이란 점에 집중했다. 다소 연주가 흔들린 부분들은 아쉬웠지만, 감정과 상황이 변하거나 분출되는 지점마다 드라마틱한 해석을 보여준 점은 돋보였다. ▶▶▶[관련 칼럼=지중배] 로미오와 줄리엣은 화해와 평화를 남기고 별나라로 떠났겠지 이번 공연에서 첫날부터 관객들이 자리를 꽉 채우고, 티켓 구하기 어렵다는 말이 공공연히 나돌게 된 가장 큰 이유는 역시 서희 무용수의 힘이다. 아메리칸발레시어터(ABT)의 간판스타인 서희, 다니엘 카마르고 무용수의 내한은 관객들에게 새로운 로미오와 줄리엣을 기대하게 했고, 과연 케네스 맥밀런의 작품을 어떻게 소화해낼 것인가 호기심을 자극했다. ▶▶▶[관련 기사] 유니버설발레단 40주년…ABT 서희와 '로미오와 줄리엣' 공연 유니버설발레단이 지난 2012년 케네스 맥밀런 버전의 <로미오와 줄리엣>의 공연권을 획득한 이후 가장 화제가 됐던 캐스팅은 2016년 알렉산드라 페리(Alessandra Ferri, 1963~)를 초청했을 때였다. 로열발레단에서 주역을 활동하던 시기 ‘줄리엣 그 자체’라는 평가를 받을 정도로 이 작품에서 최고의 기량을 보여준 페리가 당시 오십을 넘긴 나이에 10대의 줄리엣으로 춤추는 자리였기 때문이다. 서희의 내한 공연도 그때 못지않은 관심을 불러일으켰고, 기대에 부응하는 무대를 관객에게 선사했다. 기술적으로는 파드되 때마다 마치 보이지 않은 날개가 달린 사람처럼 하늘을 향해 부유하는 체공력을 보여줬고, 마지막 죽음의 순간까지도 발끝까지 에너지를 짱짱하게 유지하며 발레가 원하는 정형미와 선을 놓치지 않았다. 특히 그 수려한 발등에는 시선을 떼기 어려웠다. 흔히 <백조의 호수>의 주역은 오데트와 오딜의 상반된 모습을 표현해야 하기 때문에 어렵다고 말하지만, 그 못지않게 힘든 역할이 줄리엣이다. 철없는 10대의 모습에서 무도회에서 이성을 보고 설레는 감정에 눈을 뜨는 모습으로, 마음에 없는 사람과 결혼하라는 부모의 요구에 거절과 절망이 오가는 몸짓에서 자신의 사랑을 지키려 비장하게 약을 마시며 마지막 순간 연인의 뒤를 따라 죽음을 선택하는 모습까지, 줄리엣만큼 변화무쌍한 캐릭터가 어디 있을까. 서희는 그 감정의 변화를 정확하게 표현하면서 이번 공연을 이끄는 주축의 힘을 발휘했다. 로미오 역의 다니엘 카마르고는 1막의 전반부에서는 캐릭터에 완전히 녹아들지 못하는 면도 보였으나 발코니 파드되에서 폭발적인 감정선과 파드되 호흡을 드러내면서 제 페이스를 찾았고, 이후부터는 ABT 수석의 기량을 확실히 보여줬다. 그리고 머큐쇼 역의 이고르 콘타레프, 티볼트 역의 알렉산드르 세이트칼리예프, 벤볼리오 역의 임선우 무용수는 로미오의 든든한 받침대가 되었다.이외에 <로미오와 줄리엣>에서 눈여겨봐야할 장면들은 군무들이다. 드라마발레지만 고전발레가 갖고 있던 캐릭터댄스와 디베르티스망의 흥겨움을 가져와 무도회와 광장에서 펼쳐지는 춤사위 안에 담았다. 군무들은 격앙된 두 청춘남녀의 사랑 사이에서 관객의 감정을 완충하면서, 비극적 서사 사이에서도 관객을 무겁게 짓누르지 않고 화려한 에너지로 채운다. 16세기 르네상스 시대를 재연한 무대세트와 의상은 이 군무들 사이에서 시대의 감흥을 일으키기도 했다. 이번 공연에 ‘영원한 사랑의 성서’라는 캐츠프레이즈를 내건 만큼 사랑에 대해서 이야기할 때 <로미오와 줄리엣>은 늘 빠지지 않고 이야기되고, 수많은 예술가들에게 영감이 되어 왔다. 16세기 영국의 셰익스피어가 이탈리아를 배경으로 쓴 문학은 러시아에서 프로코피예프의 음악으로 발레와 만나고, 20세기 영국의 케네스 맥밀런에 의해 새로운 안무작으로 탄생됐고, 21세기 한국의 무대에도 선보일 수 있게 됐다.그리고 올해 미국에서 활동하는 두 주역 무용수를 중심으로 또 한 번 한국의 관객은 로미오와 줄리엣을 만났다. 로미오와 줄리엣의 이름이 6세기에 걸쳐 많은 나라들 사이에서 사랑, 그리고 예술이라는 이름으로 치환되는 걸 확인한 자리. 죽음으로도 맞잡지 못한 두 손은 무대와 객석 사이에서, 음악과 춤 사이에서, 이렇게 발레로 맞닿았다. /이단비 작가·<발레, 무도에의 권유> 저자▶▶▶(과거 공연 리뷰) 죽음조차 아름다워… 거부할 수 없는 사랑이 객석까지 지배했다 [로미오와 줄리엣]
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가족과 전시회 여는 '자폐 스펙트럼' 작가 한부열 "희망을 나누고 싶어"
30㎝ 자를 따라 검은색 사인펜이 도화지를 가로지른다. 어떠한 밑그림도 없는 거침없는 펜선으로 6명의 인물화가 태어난다. 입술을 칠할 무렵, 그림을 그리던 한부열 작가(39)가 잠시 멈칫한다. 왼쪽부터 오른쪽 인물 순서로 색칠하는 본인만의 '루틴'이 깨진 것이다. 이내 마음을 다잡은 한 작가는 작품을 완성한 뒤 환히 웃으며 그림을 들어 올렸다. "부열이 그림. 잘했어요." 8일 서울 이촌동 노들갤러리에서 열린 한부열 작가의 개인전은 두 가지 면에서 독특하다. 작가의 서번트증후군이 한 가지다. 3세 때 자폐스펙트럼을 진단받은 한부열 작가는 의사소통 능력이 떨어지는 대신 예술에서 천재적인 감각을 발휘한다. 다른 하나는 '개인전'이 아니란 것. 가정의 달 5월을 맞아 열린 그의 전시는 어머니와 아버지, 여동생 등 도움의 손길로 완성된 '가족전(展)'이다. 이번 전시에는 30㎝ 자와 펜, 아크릴물감으로 그린 작품 30여점이 걸렸다. 커다란 콧구멍과 크고 맑은 눈, 특유의 밝은 색채로 그린 그의 인물화는 입체파 거장 피카소의 작품처럼 비현실적이면서도 강렬하다. 작품에 등장하는 가족, 이름 모를 아줌마와 아저씨 등 작가를 도와주는 주변 사람들이 '따로 또 같이' 하나의 세상을 이룬다. 어린 시절 대인 관계에 어려움을 겪은 한부열 작가에겐 또래 친구가 없다. 대신 이웃과 부모의 지인들이 든든한 지원군이 됐다. 주변의 도움으로 어려움을 극복한 기억은 '아파트 사람들' '하늘봐요' '함께가요' 등 인물화 제목에 잘 나타나 있다. 어떤 작품에는 '술마시고노래해요'란 제목을 붙였는데, 부모의 지인과 함께 보낸 행복한 저녁 식사 순간을 묘사한 그림이다.작가가 그림을 그리기 시작한 건 6세 무렵이다. 눈에 비치는 혼란스러운 이미지와 귓가에 맴도는 '목소리'에 시달릴 때마다 붓을 들며 안정감을 느꼈다. 작가한테 그림은 예술을 넘어 일상이었다. 그래서인지 그의 작품은 거창한 주제가 아닌 친숙한 사물이 주를 이룬다. 빠삐코와 메로나, 쿠크다스 등 작가의 소박한 취향이 담긴 '내가좋아하는것들'(2022)도 그중 하나다.자를 이용하기 시작한 건 자폐스펙트럼의 영향 때문이었다. 한 치의 오차도 용납할 수 없는 오와 열에 대한 강박이 작용한 결과다. 유화 물감이 마르는 시간을 차분히 기다릴 수 없는 성격 탓에 빨리 마르는 아크릴물감을 주로 사용했다.정식으로 그림을 배운 적 없는 작가의 이력은 독특한 작품세계의 토양이 됐다. 그의 작품은 인물의 중첩과 사물의 의인화, 앞뒤를 동시에 표현하는 입체 평면 등 독창적인 기법을 구사한다. 김윤섭 한국미술경영연구소장(미술사 박사)은 "작업 과정의 시작은 즉흥적이고 직관적이지만, 마무리 단계에선 철저하게 이성적인 치밀함이 돋보인다"고 평가했다.그림 자체보다 '장애를 극복한 화가'란 수식어가 앞서는 게 탐탁지 않았던 적도 있었다. 한 작가는 발달장애인 최초 한국미술협회 정회원이다. 30차례 개인전을 열고 아트페어에 16번 참가한 프로 작가다. 경기 남양주에 그의 이름을 건 '갤러리HBY(한부열)'를 열고 장애 작가를 위한 전시 공간을 제공하고 있기도 하다.작가의 작업은 온 가족이 앞치마를 두르고 모여 앉는 데서 시작한다. 작품을 그리는 건 작가지만, 펜과 물감을 고르기부터 뒷정리까지 부수적인 노동은 오롯이 가족의 몫이다. 어버이날에 열린 이번 전시에 '가족의 손길로 빚은 예술'이란 제목이 붙은 것도 이런 이유에서다.한 작가가 재능을 꽃피운 배경엔 JW중외제약이 있었다. 고(故) 이종호 JW 명예회장이 설립한 JW이종호재단은 2003년부터 10여년간 중증 지적장애인으로 구성된 '영혼의 소리로' 합창단을 후원했고, 2015년 JW아트어워즈를 설립하는 등 장애 예술인을 위한 사회공헌활동을 진행하고 있다.이번 전시는 지난 2016년 한부열 작가의 JW아트어워즈 최우수상 수상을 계기로 마련됐다. 8일 전시장에서 만난 이경하 JW중외제약 회장은 "장애 예술인이 단지 도움을 받는 존재가 아니라, 문화예술로 사회에 깊은 감동을 줄 수 있다는 메시지를 전하고 싶다"고 했다.한부열 작가의 성장은 현재진행형이다. 자를 사용하지 않고 그린 '고래'(2023) '눈싸움'(2024) 등 신작의 새로운 시도들이 이를 방증한다. 장애 작가라는 수식어, 30㎝ 자 안에 갇혀있던 강박을 넘어 한층 도약하겠다는 의미일까. 앞으로 어떤 작가로 기억되고 싶냐는 질문에 그는 "따뜻한 희망을 나누는 작가"라고 답했다. 전시는 15일까지.안시욱 기자
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'여제의 품격' 보여준 힐러리 한…생생히 살아난 브람스의 불꽃
10년에 한 번 나올까 말까 한 음악 신동이라고 해서 모두 거장 반열에 오를 수 있는 것은 아니다. 탄탄한 기본기와 독보적 음악성, 작품을 해석하는 탁월한 시선을 갖춰야만 나이가 들어도 치열한 클래식 음악계에서 살아남는다. 어릴 때부터 ‘비르투오소(virtuoso·기교가 뛰어난 연주자)’로 주목받은 영재라면 성장하는 시간은 더 혹독하다. ‘기계 같은 연주’ ‘모범생 같은 연주’ 등 선입견에 갇혀 소리 소문 없이 사라지기 일쑤다.바이올리니스트 힐러리 한(45)은 천재 연주자를 둘러싼 세간의 걱정거리를 모두 떨쳐버리고 ‘21세기 바이올린 여제(女帝)’로 올라선 인물이다. 10대 때부터 바이에른 방송 교향악단, 뉴욕 필하모닉 등 명문 악단의 솔리스트로 발탁되면서 출중한 연주력을 증명했다. 성인이 되고는 그래미상 세 차례, 헤르베르트 폰 카라얀상, 에이버리 피셔상 등을 잇따라 품에 안으면서 작품에 대한 깊은 탐구력, 빼어난 표현력, 탁월한 창의력까지 갖춘 진정한 음악가로 인정받았다. 지난 11일 서울 예술의전당 콘서트홀에서 열린 힐러리 한 리사이틀은 ‘명불허전’을 입증한 100분짜리 무대였다. 그는 피아니스트 안드레아스 해플리거와 함께 ‘역사상 가장 완벽한 바이올린 소나타’로 불리는 브람스 바이올린 소나타 전곡(1~3번) 프로그램을 선보였다. 첫 곡은 브람스 바이올린 소나타 1번 ‘비의 노래’. 3악장 시작 부분의 선율을 그의 가곡 ‘비의 노래’에서 따온 작품으로 잘 알려져 있다. 힐러리 한은 깨끗하면서도 명료한 음색과 밀도 있는 보잉(활 긋기)으로 비 오는 날 특유의 온화하면서도 쓸쓸한 악상을 읊어냈다. 현에 가하는 장력, 보잉 속도, 비브라토 폭 등을 정교하게 조절하면서 작품의 견고한 구조와 짜임새를 풀어내는 능력은 타의 추종을 불허했다. 리듬, 셈여림, 강세의 변화는 시종일관 선명하게 조형됐다.3악장에선 모든 소절의 음색에 미묘한 차이를 두고 자연스러운 선율의 변화를 들려주면서도, 고음과 저음의 대비는 명징하게 드러내면서 역동감을 불러일으켰다. 강한 추진력으로 모든 음을 앞으로 나아가도록 이끌면서도 연주 속도가 급해지거나 과장된 표현이 생겨나는 순간은 없었다.연주 초반에는 예열이 덜 된 탓인지 바이올린과 피아노 선율이 어긋나는 구간이 더러 들리기도 했지만, 점차 서로의 소리에 예민하게 반응하면서 음량은 물론 리듬 표현, 음향적 질감, 연주 속도 등 선율에 담아내고자 하는 요소가 긴밀히 맞물리는 안정된 앙상블을 보여줬다. 영국의 유력 신문 ‘더 타임스’가 이들을 두고 “가장 이상적인 파트너십”이라고 격찬한 이유를 알 수 있었다.다음 곡은 브람스 바이올린 소나타 2번. ‘흐르는 선율처럼’ ‘내 잠은 점점 깊어가고’ 등 브람스 자신이 작곡한 여러 가곡에서 영감을 받은 작품으로, 세 편의 소나타 중 가장 서정적인 곡이다. 힐러리 한이 활을 다루는 솜씨는 과연 거장다웠다. 그는 연주 내내 활을 곧게 밀고 당기며 모든 음표의 소리를 끝까지 채워내는 편이었는데, 조금의 남용도 허용하지 않는 매끄러운 음질과 끊길 듯 끊기지 않는 유연한 프레이징은 어떤 것으로도 대체할 수 없는 풍만한 양감을 선사했다.마지막 곡은 브람스 바이올린 소나타 3번. 그의 바이올린 소나타 중 유일하게 4악장으로 구성돼 장대한 교향곡의 성격까지 묻어나는 작품이다. 앞서 힐러리 한은 과시적인 요소를 배제하고 절제의 미(美)를 살리는 연주를 들려줬는데, 브람스 소나타 3번에서만큼은 극적인 표현력을 유감없이 드러냈다.주제 선율에선 활을 악기에 완전히 밀착시켜 만들어내는 묵직한 음색으로 붉은 화염을 세차게 뿜어내듯 강하게 브람스의 열정을 토해냈고, 감미로운 브리지 구간에선 마치 한 줄의 활 털만 이용해 아주 얇은 소리의 선을 뽑아내듯 처연한 색채로 브람스의 정취를 불러냈다. 탁월한 대조 효과를 통해 음향적 입체감과 생동감을 동시에 살려냈다.2악장에선 힐러리 한 특유의 폐부를 찌르는 듯한 날카로운 고음이 역시나 정확한 음정으로 구현됐는데, 이전보다 한층 더 온화해진 그의 음색에선 연륜의 힘을 엿볼 수 있었다. 4악장에선 바이올린과 피아노가 서로의 음향을 해치지 않는 선에서 격렬하게 대립하면서 팽팽한 긴장감을 선사했다. 쏟아지는 음표의 파도에서도 긴 호흡과 강한 터치, 정돈된 아티큘레이션은 놓치는 법이 없었다.정제된 음색과 제한된 음량으로 음향의 움직임을 잡아두다가도 돌연 몸에 반동이 생길 정도로 세게 활을 내려치면서 공연장 천장까지 거대한 울림을 퍼뜨리는 힐러리 한과 묵직한 타건으로 격정적인 선율을 뿜어내는 해플리거 사이에서 휘몰아치는 불꽃 같은 에너지는 청중을 압도하기에 조금의 부족함도 없었다.“그와 비견될 만한 연주자를 아직 찾지 못했다.” 세계적 클래식 전문지 그라모폰이 힐러리 한을 향해 남긴 찬사다. 경이로울 만큼 유려한 테크닉과 30여년의 세월 동안 켜켜이 채워진 깊은 음악성은 그 누구도 따라가기 어려울 만큼 단단해져 있었다. ‘여제의 품격.’ 그 자체를 보여준 연주였다.김수현 기자 ksoohyun@hankyung.com
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