일본 거장으로 거듭난 하마구치 류스케 감독
전매특허급 엄청나게 긴 '롱테이크'로 전반부
'장작 패기' 반복되다 마지막 장면 폭발적
<드라이브 마이 카> <우연과 상상> 등 전작으로
아카데미·베를린·베니스·칸 4대 국제영화제 섭렵
장작이 쩍. 하고 갈라진다. 그 다음 장작을 향하는 도끼 뒤로 섬찟할 정도로 무성한 숲과 사냥꾼의 총알을 피해 다니는 사슴들, 그리고 그 사이에서 공생하는 인간들이 있다. 도시와 문명에서 한참 떨어진 듯한 숲 속 부락(?)에서 전개되는 하마구치 류스케의 신작, <악은 존재하지 않는다>에 굳이 장르적 레이블을 붙인다면 ‘에코 스릴러’다. 관계와 기억이라는 지극히 세속적이고도 일상적인 화두를 성찰을 담은 메타포와 대사로 그려내는 전작들과는 달리, 이번 작품에서 하마구치는 자연과 인간, 문명과 자연의 그 위대하고도 위험천만한 인연에 대해 역설한다.
영화의 이야기는 아직 개발이 되지 않은 작은 산골마을에서 시작된다. 마을에 사는 타쿠미와 그의 딸 하나는소소하지만 부족함 없는 일상을 채워 나간다. 특별한 직업도, 수입원도 없어 보이지만 타쿠미의 생활은 자연이 주는 부산물로 풍족하기만 하다. 온 이웃이 가족처럼 지내는 이 동화 같은 마을의 평화는 어느 날 숲 한 가운데에 글램핑장을 짓겠다는 한 기업의 설명회로 송두리째 흔들린다. 평화로운 일상을 영유하던 타쿠미와 하나, 그리고 마을의 모든 구성원에게 이들의 장대한 계획은 큰 위기가 아닐 수 없다.
하마구치의 전작들처럼 엄청나게 지난하고 긴 롱테이크들은 이번 작품, <악은 존재하지 않는다>에서도 역시 중추적인 장치로 기능한다. 캐릭터들의 행위와 서로의 소통이 대부분 롱테이크를 통해 기록되고 전달되기 때문이다. 하마구치의 전매 특허라고도 할 수 있는 이 롱테이크는 그렇기에 양가적이다. 관객에게는 (이야기의 전개를 지연시킴으로서) 고통스럽기도 하지만, 동시에 현재의 시간과 앞으로의 시간을 하나의 긴 컷에 가둬둠으로써 인물과 그 인물을 둘러싸고 있는 영화적 공간을 관찰하고 탐미할 수 있게 한다. 아마도 그런 맥락에서 이번 영화의 ‘롱테이크’는 어쩌면 필연·필수적인 선택이었을 것이다. 영화에 담겨진 숲의 절경, 그 사이를 비집고 흐르는 반짝이는 시냇물, 눈 덮인 땅의 이 곳 저 곳을 뚫고 올라오는 식재료들. 인간은 이 자연 안에서 가장 흉물스럽고, 위험한 존재다. 적어도 타쿠미와 하나, 그리고 마을 사람들은 그것을 인지하고 살아간다.
영화의 중반 정도에 일어나는 글램핑 사업설명회가 끝나고 나면 관객들을 분명 궁금해질 것이다. 그래서 도대체 이 영화에서는 어떤 사건이 일어날 것인가. 사건이 있긴 한 것인가. 이러한 의문은 물론 또 다른 롱테이크들에 의해 즉각적으로 묵살된다. 또 다시 이어지는 긴 테이크의 장작 패기… 이쯤 되면 이 영화에서 장작이 나올 때 마다 경기를 할 지경이 된다.
설명회를 진행했던 두 직원은 어떻게든 마을 사람들을 회유해서 사업을 실현시키고자 타쿠미의 단조로운 일상에 합류한다. 그리고 드디어 모두가 기다리고 있던 ‘사건’이 터진다. 영화의 말미에서 벌어지는 이 사건은 아마도 하마구치 작품을 통틀어 가장 충격적인 반전이 아닐까 생각된다. 글램핑장이 만들어진다는 바로 그 공간에서 자연과 인간, 문명과 자연은 처절한 혈투를 벌이고, 인간은 속절 없이 참패한다.
이 글에서 영화의 결말을 언급하지 못하는 것은 고문에 가까운 고통이다. 결론적으로 말하면 이 결말은 앞서 등장했던 지난한 롱테이크들과 아무 일도 일어나지 않는(?) 전반 80% 정도의 러닝타임을 정당화 시키고도 남는 놀랍고도 경이로운 엔딩이다. 하마구치는 이 결말, 즉 인간의 참패를 경고하기 위해서 이 작품을 만들었는지도 모르겠다.
하마구치 류스케는 이번 신작 <악은 존재하지 않는다>로 작년 베니스국제영화제에서 심사위원대상을 수상하며 세계 4대 영화제를 모두 쟁취한, 동시에 일본을 대표하는 거장으로 등극하게 되었다. 화려한 수상목록과 전세계 평론가들의 극찬과는 별개로, 특히 이번 작품으로 감독은 또 다른 차원의 영화적 세계를 탐미하는 것으로 보인다. <악은 존재하지 않는다>는 영화의 차원이자, 자연의 차원을 수행하는 하마구치의 순례다. 과연 이 시대를 선두하는 창작자의 흔적이 아닐 수 없다. /김효정 영화평론가·아르떼 객원기자
2월 22일 개봉 이후 한 달을 조금 넘긴 현재, <파묘>가 1100만 관객수를 기록하며 흥행을 이어가고 있다. 이로써 <파묘>는 한국영화사상 23번째 천만 영화가 되었다. 올해 기준으로는 <서울의 봄> (김성수, 2023)에 이은 두 번째 천만 영화로 풀 죽은 극장가가 이 두 편의 영화로 생기를 회복하고 있다고 해도 과언이 아니다. 주목할 만한 사실은 시대극과 드라마 류의 영화들이 천만 영화 리스트의 대부분을 차지한다면, <파묘>는 매니아층의 선호가 분명한 호러/오컬트 장르로, 천만 영화의 리스트에서는 유일하다. 흥행과 인기를 넘어 ‘현상’을 만들어 가고 있는 <파묘>의 감독, 장재현을 만났다. ▷천만 기념 선물을 많이 받았을 것 같다. -아직 못 받았다 (웃음). 사실 선물은 내가 해야 한다. 고생한 스탭들에게 좋은 선물을 해주고 싶은데, 아직 구상 중이다. ▷많은 인터뷰에서 장재현 감독을 ‘오컬트의 장인’ 이라고 입을 모아 칭하지 않는가. 타이틀이 마음에 드는지. -뭐라도 붙으니 나쁘진 않다 (웃음). 그럼에도 이번 영화의 흥행을 계기로 이것이 독이 될 수도 있지 않을까 하는 생각이 들었다. 나는 늘 전작과는 다른 것을 시도하고 싶어하고, 사실상 그래왔는데 ‘오컬트’라는 하나의 장르로 타이틀이 달리니 관객들이나 팬분들이 기대하는 것들이 생길 수 있기 때문이다. 예를 들어, 이번 <파묘>도 오컬트라기 보다는 ‘귀신 영화’라고 생각하고 찍었다. 장르에 대한 선입견이 생긴다는 건 부담스러운 일이기도 하다. ▷베를린에서 먼저 공개가 되었는데, 독일 관객들의 반응은 어땠나.-의외로 독일 관객들이 좋아했다. 베를린 국제 영화제 자체가 굉장히 정치적이지 않은가. 토론을 즐기는 문화이고. <파묘>에서 다루어지는 한국사적인 이슈에 대해서 많은 이야기를 나누었다. 또 기억에 남는 것은 <사바하> 팬분들이 <파묘>를 최초로 보겠다고 한국에서 베를린까지 비행기를 타고 날아 온 것이다. 그들이 레드 카펫에서 내 이름을 불러주었을 때 정말 뭉클했다. ▷첫 단편영화인 <인도에서 온 말리>는 현재 장재현 감독의 정체성과 매우 거리가 있는 작품으로 보인다. -꼭 그렇지는 않다. 성균관대학교에 다녔을 때 했던 학교 과제였는데, 이 영화 역시 이민자를 중심으로 하고 있지만 ‘종교’에 대한 이슈를 다루는 영화이다. 무거운 영화는 아니고, 재미있는 에피소드를 가진 작품이다. 그때만 해도 오컬트 장르가 한국에서 흔치 않았고, 내가 정말 만들어 봐야겠다는 생각은 못했던 것 같다. ▷2014년에 만든 단편, <12번째 보조사제>가 2015년 <검은 사제들>로 발전한다. 어떻게 이렇게 창대한 장편 데뷔를 하게 된 것인지. -이 영화는 처음부터 장편 트리트먼트로 시작했다. 그리고 나서 일종의 워밍업 프로젝트로 단편을 만들어 본 것이다. 단편의 편집이 끝났을 때 장편 시나리오가 완성되었다. 다행히 그때 메이저 영화사가 제작을 맡게 되었고, 캐스팅 (강동원, 김윤석)이 순조롭게 이루어졌다. 정말 신인감독으로는 꿈도 꿔 볼 수 없는 완벽한 조합이었다. ▷장재현 감독에 대한 나의 인상은, ‘공부를 열심히 하는 감독’이다. 특히 <사바하>가 보여주는 종교적 배경과 디테일은 압도적이다. 참으로 창작자의 고민과 노력이 빛나는 작품이었다. 일단 프로젝트가 정해지면 어떻게 ‘학습 계획’을 짜는지 궁금하다. -미리 계획을 짜진 않는다. 큰 이야기 틀 안에서 가장 필요한 것을 먼저 찾는 식이다. 예를 들어 <파묘> 같은 경우 한국장례협회를 제일 먼저 찾아갔다. 협회장님께 내가 누굴 만나야 하는지 조언을 구했고, 나이 든 장의사들을 소개 받았다. 그 분들에게 주옥 같은 이야기를 들을 수 있었고, 그 분들을 통해 풍수지리사도 소개를 받았다. ▷<사바하>와 <파묘>의 작업과정에서 다른 점이 있다면. -찍는 방식이 완전 반대였다. <사바하> 같은 경우 콘티대로 찍었다. 결과적으로 영화가 말끔하게 나오긴 했지만 뭔가 한계가 느껴졌다. 폭발력이 없다고 할까. <파묘>의 경우 서사보다는 에너지가 중요했고, 계획보다는 ‘기운’이 필요한 영화였다. 그래서 스토리보드에 많이 의존하지 않고 일단 현장에서 많은 시도를 해보는 방식을 택했다. ▷지극히 토속적인 소재와 주제를 이야기하는데 이 서막이 LA인 것이 흥미로웠다. LA여야 하는 이유가 있었는지. -영화에 등장하는 LA의 저택이 사실 윌리엄 프리드킨 (<엑소시스트>) 감독 사택의 옆집이다. 공교롭게도 촬영이 시작되고 며칠 있다 타계하셨지만 신기한 우연이라고 생각했다. LA의 한인 가정을 택한 이유는 실제로 해방 이후 많은 친일파들이 LA로 이주를 했기 때문이다. 여러모로 <파묘>에서는 반드시 필요한 로케이션이었다. ▷이번 영화의 미덕이 많지만 무엇보다 배우 드림팀이 돋보인다. 원했던 캐스팅을 다 얻었나? 특히 김기영 감독의 <이어도>에서 무당역을 했던 박정자 배우가 등장해서 놀랐고 좋았다. -사실 100% 이상의 캐스팅이다. 내가 원했던 캐스팅보다 훨씬 더 잘됐다. 특히 박정자 배우가 가진 카리스마는 대안이 없다. 꼭 박정자 배우여만 했고 허락해 주셔서 멋진 역할을 만들어 냈다. ▷다른 장르에 도전해보고 싶지 않나? -아직까지는 모르겠다. 지금 생각으로는 계속 비슷한 장르 안에서 작업을 할 것 같긴 하다. 이 범주 안에서도 할 수 있는 것이 정말 많고, 변주를 줄 수 있는 것도 많다. 비슷한 장르 안에서 반은 사람들이 기대하는 것, 반은 새로운 것을 혼합하는 방식이 되지 않을까 싶다. 셀 수도 없이 많은 인터뷰를 했음에도 장재현 감독에게는 지침이 느껴지지 않았다. 마치 <파묘>의 신비로운 기운을 인간의 형상으로 마주하는 기분이었다. 영화의 흥행도 경사지만, 장재현의 출현은 우리 모두에게 있어 더 큰 경사가 아닐까 싶다. 그의 재능과 노력이 어떤 또 다른 프로젝트로 배태될 것인지 지금부터 ‘설레일 결심’이다. /김효정 영화평론가·아르떼 객원기자▶▶▶[리뷰] 놀라운 디테일과 호러 문법의 진화 … 한국 장르영화의 새 신호탄 '파묘'▶▶▶[뉴스] 대중성 · 작품성 모두잡은 '파묘' … K오컬트로 첫 1000만 영화 등극
[1부에 이어]▶▶▶(1부) 서부 액션 거장이 클린트 이스트우드를 '성적 노리개'로 만든 이유영화에서는 여러 가지 시대적 기운이 느껴진다. 반세기가 넘는 시간 동안 핍박 받아 온 영화 창작자의 한 맺힌 분풀이가, 그리고 1970년대를 지배했던 2차 페미니즘 운동이 그것이다. 영화는 보란듯이 무수한 섹스신 (적어도 기숙학교의 학생 수 만큼은 등장한다)으로 105분의 러닝타임을 채운다. 마치 1970년대 니카츠 로망포르노 영화들이 70분의 러닝타임 동안 적어도 7개의 섹스신을 포함해야 한다는 법칙을 고수했던 것처럼 말이다. 과연 검열의 철폐가 이루어 낸 쾌거(?)가 아닐 수 없다. 줄거리에서 드러나듯, 이 모든 섹스는 존이 아닌 학생들, 즉 여성의 주도로 이루어진다. 이전의 할리우드 영화 속 여성들과는 전혀 다른, 적극적인 형태로 이들은 존을 유혹한다. 영화의 반전이라고 언급했던 영화의 후반은 이러한 여성주도적 이야기의 결정판을 보여준다. 교장은 자신의 유혹을 거부하고 다른 학생과 관계를 가진 존을 벌하기로 한다. 그녀는 존에게 의도적으로 부상을 입히고 의식을 잃은 존에게 절단 수술을 시행한다. 의식을 되찾았을 때 존은 자신의 다리가 없어진 것을 발견한다. 이 대목에서 존의 다리 절단은 사실상 (그리고 은유적으로) ‘거세’나 다름이 없다. 여성의 세상에 침입해 생태계를 교란시킨 존에게 가장 응당한 처벌은 ‘거세’ 뿐인 것이다. 여자들의 응징은 여기서 끝나지 않는다. 겁에 질린 존이 학교를 떠나려 하자 학생들과 교장은 존을 죽이기로 마음 먹는다. 이들은 숲에서 캔 독버섯으로 수프를 만들어 존에게 마지막 만찬으로 선물한다. 의심치 않고 이들이 만들어진 수프를 맛있게 먹은 존은 그대로 쓰러진다. 그리고 시체가 되어 이들의 손에 들려 나간다. 누군가는 내용만으로 영화를 코미디로 오해할 수 있겠지만 분명 이 영화는 ‘심각한’ 톤 앤 매너를 가지고 있다. 물론 영화 전반에 깔려 있는 강도 높은 에로티시즘과 함께 말이다. 다른 한편으로 영화는 이전 할리우드 영화에서 찾아볼 수 없었던 여성중심적 서사를 보여준다. 존은 이 여자들의 책략에 단 한번의 의심도 품지 않는 아둔한 남성이면서, 궁극적으로는 속수무책으로 당하는 인물이다. 이쯤 되면 이 영화를 1970년대의 시대적 변화를 반영한 페미니스트적 관점을 취하고 있는 작품으로 해석 할 수 있겠지만 (감독 돈 시겔은 그런 의도를 가지고 있었는지도 모르겠다) 그럼에도 영화의 저변만큼은 그렇지가 않다. 무엇보다 영화 속 여학생들, 그리고 여자 교장의 성적 호기심과 욕망은 마치 <애마부인>의 애마가 그러하듯 지극히 동물적이고 원시적이다. 이들의 욕망은 즉각적이고 끊임 없으며 집착적이다. 영화 속 여성과 남성은 성적 괴물과 그 피해자로 이분법적인 캐릭터성을 갖는다. 마침내 존이 시체로 실려 나갈 때, 관객은 통쾌함보다 동정심에 가까운 감상을 갖게 될 것이다. 비슷한 경향은 <매혹당한 사람들>이 개봉하기 몇 년 전에 만들어진 <졸업> (마이크 니콜스, 1967)에서도 반복된다. 이제 대학을 졸업한 벤의 이웃이자 부모님의 친구인 로빈슨 부인은 ‘순진한’ 벤을 유혹해 성적으로 이용하고 그가 진정한 사랑을 찾았을 때 (로빈슨의 딸인 일레인) 벤을 향한 복수를 감행한다. 이 영화들은 이른바 ‘뉴 할리우드 시네마’의 범주에 속하는 영화들로 검열의 철폐와 텔레비전의 부상에 영향을 받은 할리우드의 산업 변화, 그리고 60년대 말에 일어난 사회문화적 사건들 (베트남전, 우드스탁, 민권운동 등) 의 중심부에서 탄생한 영화들이다. 특히 앞서 언급했던 ‘검열의 철폐’와 관련해서 이 영화들은 분명 선대에 시도하지 못했던 이야기, 캐릭터들로 작은 혁명을 이루어냈다고 할 수 있을 것이다. 다만 주지해야 할 것은, 이전에 표현할 수 없었던 섹스와 욕망을 재현하는 과정에서 여성성과 남성성이 새롭게 정의 (적어도 스크린 위에서는) 되었다는 것이다. 이전의 표백된 할리우드에서 볼 수 없었던 능동적 여성 캐릭터의 등장은 지극히 환영할 만한 일이지만 이들의 욕망은 여전히 남성적 시선에 갇혀 있는 맹목적이고, 원초적인 형태로 드러난다. 이러한 여성들 앞의 남성들은 (존 처럼) 약자이거나 피해자 일수 밖에 없다. <매혹당한 사람들>은 이러한 맥락에서 분명 산업의 변화와 시대의 공기를 머금은 유의미한 작품이지만 그럼에도 재고가 필요한 이유다. /김효정 영화평론가
/BB&M제공‘포스트 민중미술’ 세대를 대표하는 배영환(55)은 ‘역사상 가장 위대한 록스타’ 데이비드 보위의 명곡 ‘Space oddity’가 발매된 1969년 태어났다. 작가의 꿈을 그리던 1990년대 청계천 노점상에서 팔던 불법 복제 음반으로 듣고 나서부터 미지의 세상을 마주한 이야기를 다룬 이 노래에 푹 빠졌다. 이후 30여년간 작가로 활동한 배영환은 문득 자신이 쌓아온 예술세계의 시작점이 궁금해졌다. 자신과 나이가 같은, 평생 즐겨 들은 이 노래를 머릿속에서 되뇌이며 어디에서도 볼 수 없는 독특한 그림을 그려낸 이유다.서울 성북동 BB&M 갤러리에서 열리고 있는 배영환 개인전 ‘소 니어 소 파’(So Near So Far)는 한국 현대화 과정에서 벌어진 사회적 문제점을 짚어온 배영환이 방향을 틀어 현대화를 겪어온 자신의 내면세계를 탐구하는 전시다. 낭만 가득한 취향을 오롯하게 드러내는 ‘올드팝’을 작업 재료로 삼았다. ‘Space oddity’와 20세기 후반을 풍미한 명곡인 닐 영의 ‘heart of gold’, 핑크 플로이드의 ‘Wish You Were Here’다.전시를 상징하는 대표 작품은 표제작인 ‘So Near So Far’다. 서툰 솜씨지만 직접 기타로 연주한 세 곡을 배경음악으로 깐 로드무비 형식의 영상작품이다. 최근 전시장에서 만난 배영환은 “‘Space oddity’는 내가 낯설어지는 순간, ‘heart of gold’는 변치 않는 고결한 자아를 찾겠단 의지, ‘Wish You Were Here’는 이 모든 걸 겪은 다음 당신과 평온하고 싶다는 이야기”라며 “나름대로 내 자아를 찾아 떠나는 여행이라고 보면 된다”고 했다.전시장 벽 면에 걸린 평면작품들은 표제작에서 파생된 작품들로, 제작 방법이 흥미롭다. 뇌파 측정기를 끼고선 세 곡을 연주할 때 발생한 그의 뇌 파장 데이터로 만들었다. 이 데이터를 3D 프린터에 입력해 코딩을 거치면 하늘에서 산등성이를 보듯 울퉁불퉁한 등고선이 나오는데, 이를 부조로 만든 것이다.금박 사이엔 푸른색과 보라색의 색감이 도드라진다. 난도가 높은 연주 부분에선 스트레스 파가 나오고, 연주가 잘 이뤄지는 지점이나 배영환의 감정 자극하는 가사가 흘러나올 땐 이완기 뇌파가 감지되는 것을 색깔로 표현한 것이다. 배영환은 “예술이나 뇌과학이나 스스로를 대상화하는 점에서 비슷하다고 생각해 뇌파를 측정해봤다”고 했다. 동양화로 미술 기초를 다진 화가답게 뇌파로 자신의 머릿속을 추상화한 것이다.부서진 병 조각들과 그 위에 놓인 투박한 기타, LP 대신 돌덩이가 조용하지만 쉴 새 없이 돌아가는 턴테이블이 설치된 ‘처음처럼’은 전시 하이라이트다. 레드 제플린이나 이글스 같은 옛 밴드의 영상에서나 볼 수 있을 트윈넥 기타가 눈길을 끈다. 도시 개발로 철거된 동네에 버려진 가구와 자개장을 수거해 배영환이 직접 제작했다. 그는 “2000년 이후 작업을 한꺼번에 뭉쳐놨다”고 했다.옆에 놓인 턴테이블에 대해선 “두개골과 비슷한 모양의 돌덩이니까 내 머리나 마찬가지”라며 “편하게 말하면 자화상 같은 거다”라고 했다. 전시장 곳곳에 자신의 머릿속에서 흘러나온 뇌파로 만든 작품이 걸렸단 점에서 전시를 관통하는 핵심 오브제라 할 수 있다.작품의 제작 방식이 남다르고 안에 담긴 메시지를 쉽게 파악하는 게 쉽지는 않다. 다만 흘러나오는 명곡들을 들으며 작품을 따라 내면을 관조하는 시간을 가질 수 있다. 양혜규, 이불, 김범 등 작가의 오랜 친구이자 한국 동시대 미술의 거장이 된 작가들도 전시장을 찾아 작품들을 눈여겨보고 갔다고 한다. 전시는 5월 4일까지.유승목 기자