이달의 재즈 친구를 소개합니다… 미키는 뉴욕에 살아요

입력2023.08.08 10:52 수정2023.08.08 15:21

[arte] 론 브랜튼의 Jazz it UP

칼럼 시리즈의 한 가지 목표는 동시대 재즈의 흐름을 알리는 것입니다. 어떤 것이 유행한다는 건 그 자체가 '과거 시제'가 된다는 의미죠. 공룡이나 나폴레옹에 관한 사실처럼 말입니다.

재즈가 많은 사람들에게 어필하는 것은 변화와 함께 흐르는 것에 의존하고, '프로'와 '안티'의 양자 상태에 있으며, 어느 순간에든 존재한다는 것입니다. 그래서 저는 재즈가 무언가를 하기에 바쁜 사람들의 삶과 눈을 통해 사물에 대한 감각을 포착하는 것이 좋다고 생각합니다.

이런 점을 고려하여 저는 한 그룹 프로젝트와 그 구성원들을 위해 한 달에 한 편 정도의 기사를 쓸 것입니다. 각 프로젝트는 꽃과 같습니다. 각 꽃이 여러 개의 꽃잎(petal) 위에 구성되어 있으며, 각각의 페틀은 음악가이고, 이 페틀은 특정한 색깔과 향기의 꽃을 만들기 위해 함께 모여있습니다. 저는 시체 냄새가 나는 것을 별로 좋아하지 않기 때문에 시체 꽃(Amorphophallus titanum)과 비슷한 것은 피하려고 노력할 것입니다.

저는 2012년부터 뉴욕에 거주하며 안토니오 하트, 록시 콕스, 하퍼 브라더스 등 다양한 뮤지션들과 함께 활동하고 있습니다. 현재 잼 세션은 물론 클럽 스몰스, 메즈로우 등에서 공연을 진행하고 있는 일본인 재즈 피아니스트 미키 야마나카의 새 앨범을 보고 싶습니다.

미키는 매주 스트리밍되는 콘서트 시리즈 '미키의 무드'를 진행합니다. 여기서 그녀는 뉴욕의 재능 있는 진짜 누구(남편과 자주 협력하는 드러머 지미 맥브라이드 포함)를 보여줍니다. 미키의 새 앨범 'Shades of Rainbow'는 오는 9월 8일 발매될 예정이며 타이틀 곡 'Shades of Rainbow'의 사전 발매로 미루어 볼 때 매우 좋을 것입니다.

미키는 다양한 작곡가들의 노래책을 배우고 그녀가 예술가로서 공연하는 모든 방법을 결합하려고 노력하면서 꾸준히 성장했습니다. 그는 음악에 자신만의 흐름을 가지고 있고 자신만의 소리를 가진 자신만의 그룹을 가질 준비가 되어 있습니다.

그녀는 "제가 존경하는 피아니스트 중 한 명은 내게 말했어요. '밴드를 가지세요. 최근 사람들은 밴드를 갖는 것의 중요성을 무시하는 경향이 있습니다. 예전에 모든 마스터들이 유니크한 그룹 사운드를 가지고 있었던 것처럼 특정한 소리를 함께 만드는 밴드를 말이죠'라고요. 그때는 그가 무슨 말을 하는지 잘 이해하지 못했지만 지금은 이해합니다!"

그룹 내에서 활동하는 재즈 연주자의 경우, 좋은 그룹 사운드는 재능 있는 음악가들이 연주와 생각 속에서 모여 음악을 살아 숨쉬는 음악적 실체를 만들고 듣는 사람들에게 그 독특한 사운드로 인정받을 수 있는 결과이기 때문에 그룹 사운드를 개발하는 것은 공연에서 매우 중요한 부분입니다.

미키 그룹의 멤버들이 어디에서 왔는지 살펴보도록 하겠습니다. 먼저 베이시스트 타이론 앨런(www.tyroneallenmusic.com )은 메릴랜드주 템플힐스에서 세 살 때 음악 여행을 시작했습니다. 타이론은 워싱턴DC 공립학교에서 가르쳤던 아버지의 가르침을 받아 매우 일찍부터 귀를 발달시켰습니다. 그는 이스트먼 음대에서 제임스 반 데마크와 제프 캠벨 밑에서 클래식과 재즈 음악을 공부했고, 이듬해 버클리 음대에 진학했습니다.

현재 뉴욕 브루클린에 살고 있는 타이론은 보스턴에서 알게 된 랠프 피터슨, 조지 가존, 제리 버곤지를 포함한 멘토들과 계속해 활동하고 있습니다. 알렌은 최근 ISB 2023 더블베이스 콩쿠르에서도 2위를 차지해 베이시스트로 수요가 있으며, 현재 설리번 포트너 트리오의 멤버로 활동하고 있습니다.

다음으로 드럼 연주자는 미키와 결혼한 지미 맥브라이드(www.jimmymacbride.com/home) 입니다. 매우 재능 있는 예술가 집안 출신인 맥브라이드는 테렌스 블랜차드, 케니 배런, 지미 그린, 그리고 아담 로저스를 포함한 다양한 음악가들과 공연을 했습니다. 예술가 가정(아버지는 작곡가, 어머니는 시각 예술가) 출신인 지미는 세살 때 드럼을 치기 시작했고 똑같이 어린 나이에 재즈 음악에 끌렸습니다.

지미는 칼 앨런, 빌리 드러먼드, 케니 워싱턴과 함께 개인적으로 공부했던 줄리아드 학교를 졸업했습니다. 맥브라이드는 다른 사람들의 프로젝트에 참여하고 타악기 연주자로서 자신의 사운드를 다듬으며 경력의 많은 부분을 보냈습니다. 자신의 녹음 프로젝트를 해야 한다는 압박을 받았을 때, 맥브라이드는 이렇게 말했습니다.

"연주하는 것을 좋아하는 사람들의 그룹에 정착하고 싶습니다. 음악 책을 만들고 그것을 녹음하고 싶습니다. 이 시점에서 녹음 과정을 알고 있습니다. 꽤 많은 다른 사람들의 레코드를 재생했기 때문입니다. 스튜디오에 들어갈 때마다 항상 배울 점이 있다는 것도 알고 있습니다. 저는 제 작품을 녹음하는 것이 그 학습 경험에 도움이 될 수 있다고 생각합니다. 상황이 더 개선되면서 더 많은 기회를 얻을 수 있기를 바랍니다. 그러면 더 많은 공연을 준비하고 대리점을 더 찾는 것도 생각해 볼 수 있을 것 같습니다. 담당자가 충분해지면 녹음을 할 생각을 할 수 있습니다. 바라건대, 그것은 향후 몇 년 안에 이뤄질 것입니다. 우리는 삶이 무엇을 가져다 주는지 볼 것입니다."

마지막으로 미키 그룹에 속한 색소폰 연주자는 오늘날 가장 재능 있는 색소폰 연주자 중 한 명입니다. 거의 모든 음악가들이 마크 터너와 함께 연주했습니다. 터너는 1990년에 버클리 음대를 졸업했고 1992년이 되어서야 색소폰에 자신의 소리가 있다고 느꼈습니다. 1995년과 2001년 사이 그는 많은 프로젝트에서 활동했습니다. 자신의 5개의 앨범('얌', '마크 터너', '인 디스 월드', '발라드 세션', '다르마 데이즈')를 녹음했습니다.

2001년 이후 터너는 그의 아이들에게 더 많은 시간을 할애하기 위해 그의 일을 잠시 줄였습니다. 터너는 "리더가 되는 것은 매우 강렬합니다. 정말로 자신의 모든 것을 그것에 쏟아 부어야 합니다. 그리고 저는 제 아이들을 위한 곳에 있고 싶다는 생각이 들었습니다. 당신이 리더일 때, 당신은 음악과 무관한 많은 것들에 대해 무거운 책임을 져야 합니다, 그의 아이들이 더 컸기 때문에, 터너는 이제 미키의 새로운 그룹 멤버가 되거나 새로운 프로젝를 시작할 시간이 있습니다.

터너는 그룹 프로젝트의 협력자가 되는 것이 음악가로서 성장할 수 있게 해준다고 생각합니다. "저는 절대로 리더가 되고 싶지 않습니다. 만약 누군가가 저에게 그런 기회를 준다면, 저는 하지 않겠다고 말할 것입니다. 저는 다른 사람의 음악을 해석하는 것을 좋아합니다. 저는 그렇게 함으로써 배웁니다. 이는 제가 음악가가 된 바탕의 큰 부분이기도 합니다."

야마나카 미키의 사중주단은 지난 2월 태평양 북서부에서 투어를 했습니다. 그 직후 이 앨범을 녹음했습니다. 오는 9월 18일에 출시되며, Bandcamp에서 사본을 구입할 수 있습니다( https://mikiyamanakamusic.bandcamp.com/album/shades-of-rainbow 참조)

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영화가 예술이 된 것처럼 디자인도 예술이 될 수 있을까

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DDP는 대중적으로 반향이 큰 전시들을 다수 개최했다. 2014년 ‘스포츠디자인’, ‘엔조마리 디자인’, ‘울름 디자인과 그 후’, 2017년 ‘픽사 30주년전’, 2018년 ‘스위스디자인전’ 2019년 ‘행복의 기호들, 디자인과 일상의 탄생’, ‘바우하우스 미러’, 2021년 DDP ‘생각을 만드는 디자인’ 등 전시가 그 예이다. 2002년 개관한 대림미술관은 2008년 ‘에어 월드: 하늘 위 디자인의 모든 것’, ‘비트라 순회전’을 시작으로 디자인 분야에 집중하는 큐레이션을 선보였다. 이후 대림미술관은 디자인 중점 미술관으로 자리하며 디자인의 예술성을 대중적으로 조명했다. 2012년 ‘핀율 가구 100주년 기념전’은 그 해 사립미술관 최다 관객 수를 기록하기도 했다.'한국의 디자인 전문 미술관'미술관별 전시 수를 살폈을 때 조사 기간 중 10회 이상 디자인 전시를 한 곳은 18개관에 이른다. 이들 중 예술의 전당이 244회로 디자인 전시를 가장 많이 했고, 이는 전체 디자인전의 29.6%에 해당한다. 뒤를 이어 DDP 디자인 뮤지엄과 세종문화회관이 가장 많은 디자인 전시를 했다. 이 상위 3개 기관이 전체 전시의 46.7%의 전시를 관장하며 디자인 전시를 이끌어 왔다. 또 서울시립미술관, 대구미술관, 부산시립미술관 등의 시립미술관과 경북대학교 미술관, 서울대 미술관 등의 대학부설 미술관, 금호미술관 성곡미술관 환기미술관 등의 유명 사립미술관들도 다수의 디자인 전시를 개최했다. 디자인 갤러리와 대안공간의 디자인 전시통계에는 포함할 수 없었지만, 다양한 갤러리와 대안공간도 의미 있는 전시를 선보였다. 2004년 개관한 국민대 제로원센터 디자인 갤러리는 해외 디자인 문화를 살필 수 있는 전시로 주목받았다. 제지사에서 만든 갤러리들도 디자인 전시에 관심을 보였다. 2004년 개관한 삼원페이퍼갤러리는 2021년 삼원갤러리로 재개관했는데, 2015년 개관한 두성페이퍼 인더페이퍼갤러리와 함께 여러 그래픽디자인 작품을 전시해오고 외부 디자인 전시를 후원하기도 했다. 또 2002년 갤러리팩토리, 2006년 테이크아웃드로잉 등의 대안공간이 개관하여 전시를 통해 여러 디자인 담론을 제시해 왔다. 디자인 아트페어 및 비엔날레페어와 비엔날레도 디자인 예술의 주요한 장으로 자리했다. 1994년 시작된 ‘서울 리빙 디자인 페어’는 상업 행사임에도, 다양한 특별전과 기획전을 열어 디자인 작품을 대중에게 알려 왔다. 2001년에는 안상수가 기획한 비엔날레인 ‘타이포 잔치’가 시작되었다. 2002년 시작된 ‘서울 디자인 페스티발’은 디자인의 사회적 역할을 알리고, 다양한 디자인 작품을 소개해 왔다. 2005년 시작된 ‘광주 디자인 비엔날레’는 탄탄한 기획과 시의성 있는 작품들을 통해 매번 최다 관객 수를 갱신하며 한국의 대표적 행사로 자리잡았다. 2007년에는 서울시에 디자인 총괄본부가 건립되었는데, 이것을 계기로 2008년 ‘서울 디자인 올림픽’이 개최되어 다음해까지 이어졌다. 2009년에는 ‘예술의 전당 디자인 아트페어’와 ‘서울 디자인 위크’가 시작되었다. 2010년에는 서울시가 ‘세계 디자인 수도’로 선포되며 서울 디자인 올림픽을 계승한 ‘서울 디자인 한마당’을 개최하였다. 이외에도 여러 행사들이 디자인 예술의 대중화에 기여했다. 디자인 옥션국내 디자인 예술 경매는 2010년 서울옥션을 통해 시작되었다. 서울옥션은 1998년 국내에 예술품 경매 시스템을 도입해, 2007년 디자인 크로프트를 설립하여 디자인 예술 옥션을 시도했다. 2010년 4월 17일 열린 첫 디자인 경매에서는 출품작 73점 가운데 66점이 팔려 낙찰총액 21억9000만원, 낙찰률 90.04%를 기록했다. 2018년부터 서울옥션 블루에서는 디자인의 온라인 경매와 판매도 진행하였다. 그 결과 디자인 예술 옥션이 활성화되었고, 디자인 작품의 소장에 대한 인식이 늘어났다. 한국 디자인 예술의 특징예술제도 안에서 디자인이 예술로서 제시되고 감상되는 과정을 살펴보았다. 디자인 예술은 한국의 예술계의 주요한 주제로 부상했고, 이제 새로운 시각에서 이해해야 한다. 한국의 디자인 예술은 두 가지 특징을 보인다. 첫째, 세계적 추세에 비해 빠른 성장을 이루었다는 것 둘째, 디자인을 산업적 도구로 여기는 편견과 맞서야 했다는 사실이다미국의 경우 뉴욕 현대미술관(Museum of Modern Art)에서 1937년 포스터전(Spanish and U.S. Government Posters)과 1938년 제품전(Useful Household Objects under $5.00을) 시작으로 디자인 전시가 시작되었다. 한국에서는 미국보다 정확히 50년 늦은 1987년과 1988년에 국립현대미술관에서 처음 디자인 전시가 개최되었다. 하지만 한국에서 디자인 예술 담론이 형성된 것은 미국과 비슷한 1990년대이다. ‘디자인예술’이라는 용어는 1999년 예술옥션 필립스(Phillips de Pury)의 디자인 책임자 알렉산더(Alexander, P.)에 의해 공식적으로 언급되었는데, 같은 해 한국에서는 예술의전당 한가람 미술관을 개관을 통해 이 개념이 담론화되었다. 한국의 여느 분야들처럼 디자인 예술을 ‘뒷받침하는 역할’을 하는 집단과 그 제도 역시 압축적 성장을 이룬 셈이다.하지만 그 성장 이면에는 큰 진통이 있었다. 그 시기 한국 사회의 디자인에 대한 관심은 산업 영역에 집중되어 있었기 때문에 창작적 가치는 경시하는 풍토가 은연중에 자리해 있었다. 한가람 디자인 미술관도 문화체육관광부가 1999년 2월 ‘7대 문화산업 육성 계획안’을 발표하고 기존 문예 진흥원을 ‘디자인 미술관’으로 운영하고자 하였으나 미술계의 반발에 부딪혀 10월에 이르러서야 현재 자리에 예술의전당을 설립할 수 있었다. 2000년 디자인 미술관의 두 번째 기획전 ‘디자인 혹은 예술’ 도록에는 “갑갑한 산업사회의 요구에 순응된 디자인에서 벗어나 다양하고 넓은 지점에서 생각할 수 있는 자유로운 상상과 좀 더 넓은 지점에서 생각할 수 있는 모색, 그리고 산업사회의 요구를 뛰어넘는 모색”이 필요하다고 언급되어 있다.그간 디자인 예술은 여러 가지 모색을 통해 디자인의 제도적 구축을 이루었고, 디자인의 창작적 가치를 존중하는 태도를 확장해 왔다. 이제 그 성숙을 기반으로 더 창의적이고 혁신적인 디자인의 길을 열어가야 할 것이다.
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“인간 문화재시잖아요!”

사실, 인간문화재라는 말은 정식 명칭이 아니다. 나 또한 사람들에게 선생님이 무형문화재임을 자랑할 때 “우리 선생님은 인간문화재에요!”라고 짧게 말하기는 하지만, 정확히는 “우리 선생님은 국가무형문화재 제 5호 판소리 적벽가 기능보유자에요!”라고 말하는 것이 맞다. 어쨌든 이 긴 명칭을 속칭하는 것이, ‘인간문화재’다. 우리나라에는 문화재보호법이 있다. 건물이나 도자기 같은 물건에 부여하는 유형문화재, 전통적인 기술과 예술, 문화를 대대로 물려오는 무형문화재, 그리고 기념물 및 민속 자료가 그것이며, 이들을 보존하고 전승하는데 문화재보호법의 목적이 있다. 이 법률은 1962년 1월에 제정되었고, 이 후 여러 차례의 개정이 이루어져왔다. 판소리는 국가무형문화재 제 5호, 그러니까 무형문화재 중에 다섯번째로 지정된 장르다. 국가무형문화재의 첫번째는 매년 종각에서 열리는 종묘제례에 쓰이는 음악, 종묘제례악이다. 두번째는 경기도 양주시에서 전승되는 탈놀음인 양주별산대놀이, 세번째는 조선시대의 유랑연예인 집단이었던 남사당놀이, 네번째는 갓을 만드는 기술인 갓일이다.이 후로도 나전칠기를 만드는 기술인 나전장, 초등학교 음악시간에 배우는 강강술래, 각 지역의 농악이나 탈춤, 굿 등등 아름다운 전통 문화 155건(2023년 7월 문화재청 등록 기준)이 국가무형문화재로 지정됐다. 그리고 놀랍게도 국가무형문화재 1~5호 중 갓일을 제외한 종묘제례악, 양주별산대놀이, 남사당놀이, 판소리는 유네스코에서 지정한 세계 인류무형유산이기도 하다. 나라 안팎으로 소중하게 여겨야 하는 문화 유산들이란 얘기다. 그렇다면 기능보유자가 되면 뭐가 좋을까? 돈을 많이 벌 수 있을까? 돈을 많이 번다는 기준을 ‘의식주 걱정 않는 것’이라고 하면, 국가에서 보유자에게 주는 연금이나 수업료만으론 불가능한 것으로 알고 있다. (실제 무형문화재 기능보유자로 지정됐으나 전수자 수요가 없어 명맥이 끊기고, 스스로도 먹고 살기 어렵다는 기사가 넘친다.) 뭐, 아주 긍정적인 사례를 가정해 인기 종목의 보유자가 제자 수가 많아 수업료를 많이 받거나 공연 요청이 쇄도해 공연수익이 많다면 꽤 넉넉할 수도 있겠지만, 아시다시피 전통예술은 그렇게 수요가 많지 않다. 인기종목이 아니기 때문이다. 그럼 명예가 어마어마 할까? 글쎄, 때와 장소에 따라 격차가 크다. 국가가 인정하고 세계가 인정한 소리라 할지라도, 그 가치를 모르는 이의 귀에는 그 소리가 곧 낯설고 불편한 소음이 되기도 한다. 유튜브의 판소리 클립에 달린 댓글 중에도 판소리 왜 아직도 안 사라지냐, 소리만 지르고 시끄러워 죽겠다 라는 글을 발 견 할 수 있다.물론 이 댓글을 사례로 들기에는 그 내용과 수준이 악질적이고 무례한 사례라 좀 특수하긴 하지만, 여기서 하고자 하는 이야기는 ‘아는 이만 아는 것’이 아주 강한 장르가 전통예술이라는 것이다. 어디든 안그렇겠느냐마는 기술의 역사가 유구하고 그 깊이가 깊을 수록 아는 이만 아는 현상은 더욱 클 것이며 그로 인해 향유자와 모르는 자들의 간극도 넓은 세계이다. 무형문화재, 과연 그 가치를 우리가 어떻게 알고 어떻게 대해야 하는지 우리는 제대로 배운 적이 없다. 그나마 다행히도 그 가치를 사회적으로, 공식적으로 인정하여 지키는 것이 문화재보호법이며, 사람들은 이 법과 관련한 사항을 뭉뚱그린 ‘인간문화재’라는 단어에 대해 환상과 낯섦을 동반한 존경심을 대부분 가지고 있다. 넉넉한 부나 대단한 명예를 가져다 주는 것이 아닌만큼, 어떠한 종목의 기능보유자들은 가난하고 쓸쓸하게 그 맥을 지키고 있다. 기능보유자도 제각각이라 한데 모아 말할 수는 없지만, 내가 겪었던 기능보유자들을 보고 느낀 바를 말해보자면, 기능보유자들에게 필요한 것은 사실 오래전부터 돈이나 명예가 아니었을 것이다. 자신이 운명처럼 만나 그 가치를 잘 물려받은 기술을 그대로 간직하다가 나누어 줄 후대에게 가능한 고스란히 그 기술과 정신을 이어주는 것, 그 지난한 행위와 그에 따른 시간과 노력만이 그들에게 필요한 것일 것이다. 그럼 판소리꾼이 기능보유자가 되는 과정은 어떻게 될까? 2017년 개정된 문화재청훈령을 참고하여 조금은 쉽게 설명해보겠다. 판소리에 입문하여 기능보유자가 되는 길은 거칠게 일반전승자-이수자-전승교육자-기능보유자로 나눌 수 있다. 판소리를 처음 입문하는 사람들은 모두 ‘일반전승자’가 된다. 일반전승자도 한달 배우고 만 사람, 6개월 동안 한달에 한번씩 띄엄띄엄 배운 사람, 12개월 넘게 주 1회씩 계속 해서 배운 사람 5년을 배웠으나 사실상 배움의 횟수는 50여회도 못 미치는 사람 등 천차만별일 것 아닌가?법적으로는 일반전승자를 ‘이수자나 전승교육자가 아닌자로 무형문화재의 기능과 예능을 실연할 수 있는 사람’을 명시하고 있는데 이를 명확히 구분하기는 좀 어렵다. 하여 이 정의에 따른, 그를 보장할 수 있는 규정으로 나열 된 것이 ‘국내 전통문화대학교에서 무형문화재 관련 분야의 학위를 취득한 사람, 무형문화재 관련 분야의 전국 규모 대회에서 입상실적이 있는 사람, 동 내용의 실기 관련 교육 프로그램에서 5년 이상 강사의 경력이 있는 사람’ 이다. 여러분도 보유자나 전승교육자를 찾아가 교육을 받고 일정 규모의 대회에서 입상하거나 학위를 취득하면 일반전승자가 되는 것이다. 일반전승자는 보유자나 전수교육자에게 일정기간 교육을 받아 이수자자격증 시험을 볼 수 있게된다. 보유자가 지정한 심사위원들을 대상으로 자신이 배운 것을 발표하는 공신력 있는 자리를 가진 뒤 심사를 통해 이수증을 수여 받게 된다. 이수자는 보유자나 전승교육사와 같은 전수교육의 의무가 없다. 대신 문화재청은 이수자들을 대상으로 우수이수자를 선정하여 지원을 하거나 ‘이수자뎐’이라는 이름으로 공연을 만들어 무대를 세워준다거나 하는 지원 사업들로 이수자들의 활동을 장려한다. 전승교육사는 문화재청이 심사위원을 모집하여 일정의 심사를 거쳐 선발한다. 이수증을 발급 받은 후 5년 이상 전승활동을 수행한 자여야 심사를 신청할 수 있다. 전승교육사부터는 자신이 물려받는 기술을 전승해야 할 의무가 있다. 그리고 이수자나 전승교육자들은 신청을 통해 보유자 심사를 받을 수 있다. 심사는 여러 조사와 평가등을 통해 이루어지며 이를 위해 전문가 집단으로 이루어지는 조사단이 꾸려진다. 이를 통해 우리가 흔히 국가보물, 즉 인간문화재라고 일컫는 국가지정 기능보유자가 되는 것이다. 그리고 한번 기능보유자가 되면 대부분의 경우 생명이 다할 때까지 기능보유자의 자격을 유지한다. 나는 동편제<적벽가>와 동초제<춘향가>의 이수자다. 강산제<심청가>, 동초제<춘향가>와 <수궁가>, 동편제<적벽가>와 <흥보가>를 전수받았으며 전체 전수기간은 33년이다. 돌아가신 은희진 선생님께 <심청가>와 <춘향가>를, 오정숙 선생님께 <춘향가>와 <수궁가>를, 현 기능보유자이신 송순섭 선생님께 <적벽가>와 <흥보가>를 받았다. 아마 한동안은 근 15년간 해왔던 것처럼 전승이나 교육보다는 전통판소리의 보존과 창작에 힘을 쓴 활동에 주력 할 것이기 때문에 전승교육자가 되려하지는 않을 것이다.수많은 전통 예술가들이 왜 자신들이 하고 있는 일을 멈추지 않는지 종종 궁금하다. 대부분의 사람들이 큰 부자가 되기를 꿈꾸는 신자유주의 시대 속에서 왜 큰 돈 만질 확률이 굉장히 희박한 전통 예술가로 살아가는 것일까. 각자가 자기 인생에서 '덕통사고'(덕후+교통사고)를 당해 여기까지 온걸까? 돌아갈 길이 너무 길어 그냥 오던 길을 계속 가는 것일까? 그 세세한 이유들은 모르겠다. 다만 그들이 때때로 지치고 외로울 텐데, 나 여기 있다고 손 흔들고 싶다. 고집있게 원하는 예술을 향해 달려가는 이 시대의 전통 예술가들, 당신들을 동경하고 사랑한다.
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"셰프는 배고프다"…남 끼니 만드느라 '굶는 날'이 더 많은 우리

처음 보는 누군가에게 요리하는 일이 직업이라고 이야기하면 종종 이런 이야기를 듣는다. “와! 그러면 맛있는 거 많이 드시고 좋으시겠어요!” 사실 진지한 대답을 바란 질문이 아니란 걸 알지만 그럴 때마다 진지하게 대답하고 싶어 좀이 쑤신다. 대개 웃음으로 답을 대신하지만 내심 질문을 곰곰이 생각해 본다. 정말로 요리사는 맛있는 걸 많이 먹는 직업일까. 맛있는 음식을 만들기 위해선 맛있는 음식을 먹어봐야 한다는 논리라면 어느 정도 맞다고 할 수 있겠다. 또 요리사라면 본인이 만든 음식을 맛을 봐야 하고, 맛없는 음식을 만들어 낼 수 없으니 본인이 만든 맛있는 음식을 매일 맛보는 게 아니냐는 논리라면 이 또한 그렇다고 할 수 있다. 이렇게 생각해 보니 요리사란 매일 맛있음의 세계에 빠져있는 황홀한 직업처럼 느껴진다. 안타깝지만 요리사의 현실은 황홀함과는 꽤 거리가 있다. 맛있는 음식을 만드려 애쓰지만 정작 맛있는 음식을 먹으러 다닐 여유도 없고 만든 음식이 늘 맛있으리란 법도 없다. 마치 완벽한 도자기 하나를 위해 수십 개의 도자기를 깨는 장인 마냥 하나의 완성된 맛있는 음식을 위해 수십 번의 맛없음을 감내해야 하는 게 요리사의 숙명이랄까. 요리사의 의의란 본인이 맛있는 걸 먹는 게 아니라 만드는 데 있다. 맛있는 음식을 온전히 즐기는 건 최종 소비자의 몫이다. 정작 둘이 먹다 하나가 죽어도 모를 음식을 만드는 요리사는 자신이 만든 음식을 즐기지 못하는 경우가 태반이다. 단지 음식을 맛있게 먹는 손님을 보며 보람을 느낄 뿐이다. 온 힘을 다해 그날의 서비스를 완벽하게 마치면 다가오는 내일을 위해 또다시 일을 반복한다. 마치 끊임없이 바위를 밀어 올리는 시지프스처럼. <더 베어>는 이 같은 요리사의 숙명과 주방의 현실을 적나라하게 묘사해 준다. 음식과 요리사를 다룬 많은 영상물들이 무대 위 밝은 부분을 비춰주었다면 <더 베어>는 무대 뒤편을 가리고 있던 커튼을 활짝 열어젖힌다. 주인공 카미는 미식계에서 전도 유망한 셰프였지만 부모님이 물려준 식당을 운영하던 형이 죽고 나자 고향인 시카고로 돌아온다. 형이 남긴 건 엉망진창인 식당과 통제불능의 오합지졸 직원들, 그리고 상당량의 빚 뿐. 드라마는 어떻게든 식당을 운영해 나가기 위해 분투하는 카미의 모습을 그린다. 주방에서 진땀 흘리는 주인공을 보며 처음 식당을 오픈했을 당시가 떠올랐다. 나름 야심 차게 준비한다고 했지만 처음이라 일은 제대로 되지 않고 하면 할수록 엉망진창이 되어가는 것 같은데 손님이 올 시간은 다가오는 그 참담한 심정이란. 쥐구멍이라도 있다면 숨어 들어가고 싶지만 새 주방이라 쥐구멍도 없는 상황에서 맞는 손님들, 음식이 좋았다고 하지만 진심인지 아닌지 믿을 수가 없어 매일매일 머리를 쥐어뜯었던 암담한 시간들, 야속하게 찾아오는 내일 등 요리사이자 셰프, 그리고 식당 오너로서 겪을 수 있는 스트레스와 압밥감은 그동안 겪었던 어떤 고난보다 더했으면 더했지 결코 덜하지 않았다. 엉겁결에 오너셰프가 된 카미 역시 엄청난 스트레스에 시달린다. 제대로 잠도 못 자고, 겨우 잠들면 꿈에서 자꾸 물건들이 없어지고, 곰이 나타나 자신을 집어삼키려고 하는 것도 모자라 주방에 불을 질러버리라고 속삭인다. 하지만 포기할 수 없는 나름의 이유 때문에 만신창이가 되면서도 하루하루 버텨낸다. 식당에서 어떤 이벤트가 열리게 되고 샌드위치를 만들어 팔아 수익을 얻으려고 준비하는데 당장 고기 살 돈도 없자 카미는 아끼던 구제 청바지도 헐값에 팔아버린다. 카미가 짊어진 짐의 무게를 아는지 모르는지 직원들은 새로운 레시피를 거부하고 원래 하던 대로 쉽게 가자며 야속하게도 속을 썩인다. 폭풍우 같은 준비 시간이 지나고 곧 손님들이 들이닥치기 직전 직원들은 평소처럼 서로 농담을 하며 여유롭게 직원식사를 하지만 카미는 식사를 하지 않는다. 아니, 식사를 못한다는 게 더 정확하겠다. 다가오는 이벤트가 성공적으로 마무리될지, 제대로 서비스가 될지 초조함과 긴장감 속에 발을 동동 구르며 밥을 먹을 생각조차 할 수 없기 때문이다. 이 장면이야 말로 처음의 질문, ‘요리사 또는 셰프는 맛있는 걸 많이 먹는가’에 대한 대답이라 할 수 있겠다. 끼니를 만들지만 정작 끼니를 거르는 일이 허다한 게 요리사의 삶이다. 더 나은 방식과 시스템으로 식당을 새롭게 바꾸려고 하는 카미의 분투는 어쩌면 무언가를 대표하고 있는 이들 모두가 짊어져야 하는 일의 무게와 다름이 없다. 매일매일 몸과 마음이 다치고 혼돈과 공포 속에서 허우적거릴지라도 그 안에서 천천히 질서를 잡아나가는 과정을 통해 우리는 성장하고 배워나간다. 제목에서 암시하는 것처럼 카미는 곰(bear)이라는 공포에 잠식 당해 무너져 버릴까, 아니면 인내하고 버티며(bear) 트라우마를 극복하며 성장할 수 있을까. 자기 일의 무게를 고스란히 짊어진 이들에게 <더 베어>를 건네고 싶다.