'오페라의 유령' 팬텀 마스크와 화려한 실제 의상들, 대구에서 볼 수 있다

입력2024.01.17 10:12 수정2024.01.17 10:12

[arte] 이랜드 뮤지엄의 박물관이 살아있다
100년간 사랑받아 온 뮤지컬
<오페라의 유령>의 의상을 직접 볼 수 있는 기회가 있다

지난 4월, 뮤지컬의 성지인 브로드웨이에서 '오페라의 유령'(The Phantom of the Opera)이 1만3981 회의 공연을 끝으로 성대한 막을 내렸어요. 브로드웨이의 '오페라의 유령'은 1988년, 극장에 오른 이후 35년간 누적 관객 2000만 명이란 기록을 남겼죠.

2023년 4월 16일 뉴욕 마제스틱 극장에서 열린 '오페라의 유령' 마지막 공연 / 출처=npr.org

'오페라의 유령'의 인기는 브로드웨이만의 이야기가 아니에요. 지금까지 35개국, 166개 도시에서 공연되었어요. 총 1억4000만 이상의 관객, 60억 달러(약 7조8000억원) 이상의 수익을 거둔 역사상 가장 흥행한 뮤지컬이죠.

Chapter 1 유령의 뒤틀린 사랑

'오페라의 유령'은 파리 오페라 하우스 지하 묘지에 사는 기괴하고 미스터리한 음악 천재 팬텀(유령)과 오페라 가수 크리스틴 다에(Christine Daae)의 이야기예요. 젊고 아름다운 크리스틴에게 반한 팬텀은 자신의 정체를 숨긴 채 그녀를 몰래 가르쳐요. 크리스틴은 팬텀을 의심 없이 따르죠. 팬텀이 돌아가신 아버지가 보내주기로 약속한 '음악의 천사'라 믿었기 때문이에요.

크리스틴이 프리마 돈나*(Prima Donna)를 맡게 되면서 오페라 하우스의 후원자이자 크리스틴의 어린 시절 친구, 라울(Raoul)의 관심을 끌게 돼요. 크리스틴과 라울은 서로의 감정을 확인하고 관계를 발전시키죠. 질투심에 사로잡힌 팬텀은 점점 더 크리스틴을 통제하고 위협하기 시작해요. 팬텀의 뒤틀린 사랑과 광기 어린 집착은 커져가고, 크리스틴은 팬텀에 대한 두려움과 그의 비극적인 삶에 대한 동정 사이에서 갈등하죠. 라울은 팬텀의 손아귀에서 그녀를 구하기 위해 노력해요. 로맨스와 공포, 그리고 비극이 어우러지며 이야기는 절정에 이르게 돼요.
* 프리마 돈나: 오페라의 주역(인기) 여가수를 말한다.

Chapter 2 유령이 남긴 명곡

'오페라의 유령'은 프랑스 작가 가스통 르루(Gaston Leroux)의 소설이 원작이에요. 1910년, 단행본으로 출간 후 한 세기가 넘는 시간 동안 다양한 형태로 각색되었죠. 그중 가장 유명한 것은 뮤지컬 작곡가이자 제작자인 앤드루 로이드 웨버(Andrew Lloyd Webber)가 1986년 제작한 뮤지컬이에요.

웨버의 '오페라의 유령'이 원작을 각색한 첫 뮤지컬은 아니었어요. 무대 연출가인 켄 힐(Ken Hill)의 뮤지컬이 1976년에 먼저 공연되었죠. 웨버는 켄 힐의 '오페라의 유령'에 영감을 받아 직접 '오페라의 유령'을 만들기로 마음먹어요. 자신의 클래식 작곡 능력을 보여주기 위해 뮤지컬의 모든 곡을 새로 썼죠.

뮤지컬의 대표 넘버*인 '팬텀 오브 디 오페라(The Phatom of the Opera)'는 '오페라의 유령'에서 가장 유명한 곡이에요. 낮고 음산하게 깔리는 전주 부분만 들어도 '오페라의 유령' 노래인 것을 알 수 있죠. 사실 'The Phatom of the Opera'는 브로드웨이에서 개막하기 전부터 유명했던 노래에요. 초연 전인 1986년 영국 'UK 싱글* Top 10'에 10주간 머무르며 큰 인기를 끌었죠. 유튜브에서 4300만 조회수를 달성하기도 했어요.

* 넘버: 뮤지컬 작품에 삽입되는 곡
** UK 싱글: 영국에서 가장 많이 팔린 싱글 앨범 차트

※ '오페라의 유령' 뮤지컬, The Phantom of the Opera

뮤지컬 초반에 연주되는 크리스틴의 '싱크 오브 미(Think of Me)' 또한 '오페라의 유령'을 대표하는 노래에요. 소프라노의 넓은 음역대와 감정 표현을 보여주는 곡으로 유명하죠. 극 중, 크리스틴을 소개하는 곡으로, 코러스 소녀에서 스타로 거듭나는 결정적인 순간에 부르는 노래이기도 해요. 2004년 개봉한 '오페라의 유령' 영화에서 배우 엠미 로섬(Emmy Rossum)이 부른 'Think of Me'는 유튜브에서 3000만 조회수를 넘기기도 했죠.

※ '오페라의 유령' 영화(2004), Think of Me

Chapter 3 유령의 다양한 모습

우리에게 익숙한 '오페라의 유령'의 모습은 대부분 웨버의 뮤지컬에서 만들어졌어요. 웨버의 '오페라의 유령'은 일주일 공연 비용만 100만 달러(약 13억원)가 들어갈 정도로 큰 스케일을 자랑해요. 매회 공연에는 130명의 출연진과 230벌의 의상, 22개의 무대 세트, 그리고 안개 연출을 위한 10대의 장비가 사용되죠.

지난 35년간 이런 막대한 규모의 뮤지컬을 책임져온 것은 디자이너, 마리아 비욘슨(Maria Björnson)이에요. 비욘슨은 출연진의 모든 의상과 무대를 직접 디자인하며 토니 어워드에서 최우수 의상 디자인과 최우수 무대 디자인상을 수상했어요.

'오페라의 유령'의 가장 상징적인 아이템인 팬텀의 반쪽짜리 마스크는 비욘슨의 작품이에요. 원작인 르루의 소설에서 팬텀은 '얼굴 전체를 가면으로 가린 어떤 남자'로 묘사되지만, 비욘슨은 팬텀이 더 다양한 모습으로 해석되길 원했어요. 반쪽짜리 마스크로 팬텀의 기괴하고 공포스러운 모습을 표현하고, 동시에 포마드로 깔끔하게 올린 머리와 날카로운 눈매를 드러내 그의 강박적이고 완벽주의적인 모습을 보여주었죠.

팬텀 역을 맡은 제임스 바버(James Barbour) / 출처=playbill.com

팬텀의 의상에도 비욘슨의 의도는 드러나요. 검은 망토는 마스크와 함께 팬텀을 상징하는 아이템이에요. 몸 전체를 가리는 실루엣으로 세상과 단절된 팬텀의 내면을 표현하죠. 또, 2막의 '가면무도회'(Masquerade) 장면에서 나오는 팬텀의 '붉은 죽음' 의상은 팬텀이 오페라 하우스에 미치는 어두운 영향력을 시각화했어요. '붉은 죽음'은 비욘슨의 작품성을 가장 잘 보여주는 팬텀 의상으로 평가받아요.

붉은 죽음 의상(좌) 비욘슨의 스케치(우) / 출처= mariabjornson.com

대구에서는 '오페라의 유령' 공연과 그 소품들을 직접 볼 수 있는 기회가 열렸어요. 2024년 1월 12일부터 대구 83타워에서 개최되는 ‘뮤지컬 특별전: 라라의 <꿈의 극장>’과 12월 22일부터 대구 계명아트센터에서 열리는 뮤지컬 '오페라의 유령'이죠. 뮤지컬 뮤지엄 특별전에서는 '오페라의 유령' 뮤지컬과 영화에 사용되었던 팬텀의 마스크, 무대 의상 등의 소품과 다른 뮤지컬 명작들의 소품까지 만나볼 수 있어요. 역사상 가장 성공한 뮤지컬인 '오페라의 유령,' 이번 기회에 대구에서 공연과 함께 전시까지 관람해 보는 건 어떨까요?

'오페라의 유령' 팬텀 마스크와 화려한 실제 의상들, 대구에서 볼 수 있다

※ 영화 '오페라의 유령'(2004)에 사용된 팬텀 의상과 크리스틴의 웨딩드레스 (이랜드 뮤지엄 소장)

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싸락눈이 검고 짙은 눈썹을 때리니[장석주의 영감과 섬광]

내가 사는 파주는 겨울에 눈이 많이 내리는 고장이다. 오늘도 수도권 일대에 눈이 내린다는 기상예보가 있고 곧 대설주의보로 바뀌더니 오전부터 눈발이 희끗희끗 흩뿌린다. 금세 눈발이 굵어진다. 창밖으로 내다보니 방금 피자가게에서 나온 남자의 검은 머리에 눈이 덮인다. 사거리 신호등 앞에서 대여섯 명이 교통 신호가 바뀌기를 기다리는데, 다들 말이 없다. 눈 오는 날은 기도하지 않는 종교 같고, 어젯밤 꿈의 속편 같다. 징채 들고 가던 아홉 살 아이사거리 건너편 시립도서관 건물 뒤편에 서 있는 전나무와 소나무 같은 늘푸른나무들에도 눈이 쌓인다. 흰 눈이 얹힌 상부의 가지들과 대조돼서인지 전나무 하부의 녹색은 어둡고 짙어 보인다. 염화칼슘을 뿌린 도로를 빼고는 어디에나 눈이 쌓이는 중이다. 공중의 눈발이 소음을 다 흡수한 것일까? 사방은 적요하고 도로는 눈 녹은 물로 검게 반들거린다. 창밖에서 지저귀던 새들도 오지 않고, 새끼 두 마리를 데리고 다니는 길고양이도 안 보인다. 고양이들은 어디선가 눈을 피하고 설경을 하염없이 내다보고 있을지도 모른다.눈 내리는 날엔 서정주의 ‘싸락눈 내리어 눈썹 때리니’라는 시를 찾아 읽고 싶어진다. “싸락눈 내리어 눈썹 때리니/ 그 암무당 손때 묻은 징채 보는 것 같군./ 그 징과 징채 들고 가던 아홉 살 아이-/ 암무당의 개와 함께 누룽지에 취직했던/ 눈썹만이 역력하던 그 하인 아이/ 보는 것 같군. 보는 것 같군./ 내가 삼백 원짜리 시간강사에도 목이 쉬어/ 인제는 작파할까 망설이고 있는 날에/ 싸락눈 내리어 눈썹 때리니…….”처음 이 시를 읽을 때 싸락눈 내리는 심상한 풍경이 망막을 때렸다. 왜 이 시가 그토록 강렬했을까? 가끔 풍경은 돌연 의미심장한 계시와 예언으로 비약하기도 한다. 아홉 살 아이는 궁색한 집을 떠나 암무당 집에 허드렛일이나 거드는 일꾼으로 채용된다. 싸락눈 내리는 날 암무당이 앞장서고 징과 징채를 든 아홉 살 아이는 그 뒤를 말없이 따라간다. “암무당의 개와 함께 누룽지에 취직했던”이란 표현이 너스레일지라도 군식구 처지인 아이와 개에게 서열의 차이란 있을 수 없음을 드러낸다. 싸락눈이 소년의 검정 눈썹을 때리는 세상에서 차별은 덧없는 일이다. 소년의 막막한 처지야말로 이 세상에 와서 시나 쓰는 이들의 하염없음을 넌지시 암시하는 건 아닐까?불현듯 생각하니, 나는 새삼 오랫동안 시인이었구나! 햇수로 50년이다. 반세기 동안 시를 쓰고 더러는 가르치며, 몇 해 간격으로 꾸역꾸역 시집을 묶어냈다. 시는 우연히 찾아왔다. 그때는 겨울이었다. 소년이던 나는 어느 날 갑자기 어떤 영감도 받지 못한 채 시를 써냈다. 19세 이후 시 1000편을 쓰고 고개를 들었더니 어느덧 인생의 황혼기가 내 앞에 당도해 있다. 머리는 세고, 굵은 머리카락은 만지면 부서질 정도로 가늘어졌다.나는 무슨 보람을 바래 이토록 오래 시를 썼던가? 나는 쓸쓸함과 덧없음을 초기 자본으로 삼고, 가난한 재능을 끌어모아 근근이 시를 썼다. 다들 돈 되는 일에는 솔깃하지만 돈도 명예도 안 되는 시 따위는 거들떠보지 않은 세태에서 염소젖을 먹으며 시를 썼다. 녹색 양말, 헤어진 연인들, 거짓말하는 소년, 짓지 않은 죄에 대한 속죄, 노래하는 물, 날갯죽지를 벗고 죽은 새, 허공에서 울며 소리치는 비, 자정의 그리움, 벼락 맞은 대추나무 따위에 대해서 썼다. 큰 시인은 인류의 예언자시인은 예언자이다. 작은 시인은 제 미래를 예언하고, 조금 더 큰 시인은 부족의 미래를 예언한다. 정말 큰 시인들은 민족을 넘어서 인류의 미래를 예언한다. 새해를 맞아 칼릴 지브란의 <예언자>를 한 구절 한 구절 뜻을 곱씹으며 읽는다. 레바논산맥과 삼나무들이 품은 신성과 히아신스와 백합과 수선화의 향기로 그득한 이 시집을 읽는 것은 내게도 의미가 있는 일이다. 국내에도 여러 번역자에 의해 다양한 판본이 나와 있지만, 이번에는 작심하고 영어 원서를 구해서 더듬거리며 읽고 있다. <예언자>는 지브란이 스무 해 넘게 구상하고 마흔 살에 영어로 써서 크노프 출판사에서 냈다. <예언자>가 나온 뒤 “이것은 피에 적신 책이고 상처받은 마음에서 나오는 절규”라는 평가와 찬사가 잇따랐다. <예언자>는 1960년대 미국 청년들에게 번진 반문화의 물결을 타고 성경만큼 널리 읽혔다.지브란은 본디 지중해를 끼고 있는 레바논에서 태어나 양치기이자 술주정뱅이인 아버지 밑에서 자라고, 12세 때 아버지를 뺀 가족과 미국으로 이민을 떠나 공립학교에서 영어 교육을 받는다. 두 해 뒤 레바논으로 돌아와 프랑스어와 모국어로 공부하다가 5년 만에 미국으로 돌아가지만 가족의 잇따른 죽음과 맞닥뜨린다. 늘 슬픔과 고통의 피난처이던 누이동생, 형, 어머니가 차례로 병에 쓰러진 것이다. 젊은 시절엔 프랑스 파리에서 화가들과 어울리며 그림을 그리고 시를 쓰고, 평생 독신으로 살았다. 말년에 미국 뉴욕 그리니치에서 외부 출입도 하지 않은 채 은둔해서 살다가 1931년 4월, 48세의 나이로 세상을 뜬다. 모래알에서 우주를 보는 상상력시는 무엇일까? 왜 그토록 시에 매달렸을까? 시만 생각하면 심장이 뛰고, 밤을 새워 시를 쓴 뒤엔 날개를 단 기분에 빠지곤 했다. 물론 “시는 내가 존재하는 방식”이라고 진지하게 말하는 시인도 있지만 대개는 생물학적 생존에 아무 보탬이 되지 않는 “시 따위는 개나 물어가라!”고 할 것이다. 젊은 날에 나는 오만하고 수학을 제대로 못 하고 헛된 몽상에나 빠져 살았다. 삶의 균형을 잃은 채 실수하고 시행착오를 저지르며 기우뚱거리면서도 시를 손에서 놓지 못했다.시를 쓰는 것은 평균적 인식과 발상을 깨고 솟아오르는 상상력을 언어로 포획하는 일이다. 시인에게 상상력이란 모래알에서 우주를 보고, 꽃에서 우주의 파동을 느끼는 일이다. 돌이켜보면 내가 특별해서 시를 쓴 게 아니라 시를 썼기 때문에 보통과는 다른 방식으로 살았을 테다. 혹시 검고 짙은 눈썹에 달라붙는 싸락눈을 맞으며 징과 징채를 들고 암무당 뒤를 말없이 따르던 소년이 자라서 내가 된 것은 아니었을까?
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오만과 편견은 사랑의 올무 [고두현의 인생명언]

‘오만은 다른 사람이 나를 사랑할 수 없게 하고, 편견은 내가 다른 사람을 사랑하지 못하게 한다.’ 영국 작가 제인 오스틴(1775~1817)의 소설을 원작으로 한 영화 <오만과 편견(Pride and Prejudice)>에 나오는 명대사다. 그녀는 영국 BBC의 ‘지난 1000년간 최고 문학가’ 조사에서 셰익스피어에 이어 2위를 차지한 인기 작가. 영국 남부 햄프셔주 스티븐턴에서 목사의 딸로 태어났다. 어려서부터 글재주가 뛰어나 가족과 이웃의 사랑을 받았고 15세부터 단편소설을 썼다. 편지 쓰는 것도 즐겨 평생 3000여 통을 보냈다. 첫사랑은 스물한 살 때 만난 아일랜드 청년 톰. 둘은 거의 결혼 직전까지 갔다. 그녀가 언니에게 보낸 편지에서 ‘신사답고 잘생기고 유쾌한 청년’이라며 ‘내일이면 청혼받을 것 같다’고 썼던 남자다. 하지만 톰 가족의 반대로 결혼은 무산되고 말았다. 이 상처를 안고 쓴 소설이 <첫인상>이다. 모든 출판사로부터 거절당한 이 작품은 17년 후인 1813년에야 <오만과 편견>이란 제목으로 빛을 봤다. 이 작품의 인세는 고작 110파운드였다. 저작권까지 넘겨야 했기 때문에 같은 해 2쇄를 찍었지만 더 이상 돈은 못 받았다. 2년 앞서 발표한 소설 <이성과 감성(Sense and Sensibility)>으로는 140파운드를 받았지만 제작비를 지급해야 했다. 그렇게 평생 받은 인세는 710파운드에 불과했다. <오만과 편견> 속의 주인공 엘리자베스 아버지의 연 수입이 2000파운드, 언니 제인의 남자 빙리의 연 수입이 4000파운드인 걸 보면 초라한 액수다. 엘리자베스의 남자 다아시는 연간 1만 파운드를 벌었다고 나온다. 작품으로는 어느 정도 성공했지만, 경제적 자립을 이루기엔 턱없이 부족했다. 당시는 여성이 경제적인 이유로 결혼하던 사회였다. 이런 분위기에 반기를 든 그녀는 평생 독신으로 살았다. 한때 옥스퍼드대 출신 부잣집 연하 남자에게 청혼을 받아 승낙한 적도 있지만 고심 끝에 하루 뒤 번복했다. 소설의 해피엔딩과는 정반대였다. 다아시가 ‘오만’하다는 ‘편견’ 때문에 구애를 거부하다가 첫인상보다 속마음이 중요하다는 사실을 깨닫고 ‘편견’을 고친 뒤 결혼하는 엘리자베스는 그녀가 바라는 꿈이었는지 모른다. 그녀가 42세로 세상을 떠난 뒤 200년이 된 2017년에는 영국항공이 제인 오스틴 소설 속 명소 4곳을 선정하고 여행 프로그램을 지원했다. 그 덕분에 고향 햄프셔와 5년간 머물렀던 바스, 남부 해안의 여름 휴양지 라임 레지스, 소설 속 다아시의 저택이 있는 셰필드를 찾는 사람들이 줄을 이었다. 영국 정부는 그해 새 10파운드 지폐에 제인 오스틴의 얼굴과 대표작 <오만과 편견> 속의 문장 ‘독서만 한 즐거움은 없어!’를 새겼다. 지폐에 새기기에는 좀 길지만, 다음 구절이야말로 세계인이 공감할 명문이다. ‘오만은 다른 사람이 나를 사랑할 수 없게 하고, 편견은 내가 다른 사람을 사랑하지 못하게 한다.’ 지금 우리 사회에도 필요한 명구다.고두현 시인 kdh@hankyung.com
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조선의 거대한 '가체'위에 누운 여인…그녀가 필라델피아로 간 까닭은

필라델피아 미술관 '시간의 형태' 전시에 참여하고 있는 작가 오인환과 유니 킴 랑을 온라인으로 만났다. 얼핏 보면 매우 다른 배경의 두 사람이다. 오인환은 대학원 때 미국 유학 경험을 제외하면 토종 한국인 작가다. 유니 킴 랑은 한국에서 태어났지만 말도 배우기 전 한국을 떠나 중국에서 유년 시절을 보내고, 미국에서 고등 교육을 마친 재미교포 작가이다. 서로 추구하는 매체도, 다루는 주제도 다르다. 성을 둘러싼 사회적 규범에 대한 도전이나 외국인으로서 느끼는 문화적 정체성은 아직까지 한국 사회에서 대중적인 공감대를 형성하기 쉬운 주제는 아니다. 인터뷰를 통해 한국 사회가 낳은 다양한 사회적 소수자들이 자신들의 자아를 탐구하고 표현하는 과정을 들여다 봤다. 한 사회에서 개인의 정체성은 고립되기도 하고 확장되기도 한다. 개인과 집단의 가치는 어떻게 형성되고 상충하는 걸까? 오인환은 1965년 서울에서 태어나 서울에서 거주하며 작품 활동을 하고 있다. 실험적 형태의 관객 참여형 프로젝트를 통해 사회, 문화적 이슈를 특정 시공간 안으로 끌어내는 데 집중한다. 특히 한국에 거주하는 퀴어로서의 경험을 바탕으로 개인과 집단의 정체성을 형성하는 개념적 요소들을 탐구하고 해체하는 작품이 주를 이룬다. 서울대학교 미술대학 교수로 재임 중이며, 2015년 국립현대미술관 올해의 작가상을 수상했다. 오인환은 현재 필라델피아 미술관에서 열리고 있는 “시간의 형태” 전시에 “남자가 남자를 만나는 곳, 필라델피아”를 출품했다. 2005년 코펜하겐 샬로텐보그를 시작으로 서울서예박물관과 예술의전당 등지에서 선보였던 장소 특정형 설치작품 “남자가 남자를 만나는 곳” 연작 중 일부이다. 이번 작품은 퀴어씬이 활발한 필라델피아라는 도시의 역사를 반영했다. 작가는 필라델피아에 있는 게이 바와 게이 클럽들의 이름을 시멘트 보드 위에 짙은 붉은색의 향가루를 쌓아 올려 조각했다. 원래대로 라면 전시 시작과 함께 조각에 불을 붙여 전시가 끝나는 날 글씨가 모두 타면 비로소 작품이 완성된다. 필라델피아 미술관의 내부 화재 경보 시스템 등의 이유로 전시장 안에서 향을 피우진 못했지만, 이전의 기록 영상을 통해 향이 타들어가는 과정을 간접적으로나마 확인할 수 있다.향은 기억과 밀접한 관계가 있다. 냄새는 개인의 기억 속에서 특정 사람이나 장소, 추억을 불러 일으킨다. 여기서 소환된 기억은 온전하지 않다. 끊임없이 각색되고 재생산되는 과정을 거쳐 새로운 의미가 부여된다. 오인환은 향이 가지는 매개체의 성질에 집중한다. 후각적 자극을 통해 현대사회에서 잘 기억되지 않거나 잊혀지기 쉬운 게이 커뮤니티를 수면 위로 끌어 올리는 것이다. 동시에 향은 시간성을 강조한다. 시간에 따라 변하는 물질성을 통해 작가는 고정된 정체성이나 신념에 물음을 던진다. 또한 관람객은 글씨라는 정보를 시각적으로 인식하고 이와 관련된 사회적 통념과 개인의 경험을 연결시키게 된다. 오인환은 이런 기억의 불안정성, 향의 시간성과 물질성, 시각과 후각이라는 신체적 감각, 그리고 언어라는 사회적 도구를 총동원해 게이 커뮤니티에 대한 기존의 개념을 해체하고 재정립하는 과정을 반복한다. ▶최근에 펜실베니아 대학교에서 작가 토크를 진행했다. 한국의 미술 대학에서 교편을 잡고 학생들과 가깝게 교류해 왔는데, 한국의 미학도들과는 다른 점이 있었나?오: 방법론이 인상 깊었다. 오랜 리서치를 토대로 관심사를 충실하게 연구해서 작업으로 발전시키는 개념적인 작품들을 많이 볼 수 있었다. 토크에서는 미국 유학 후 한국에 돌아가서 현재까지 이어 온 작품 활동에 대해 얘기했는데 반응을 적극적으로 해줘서 재밌었다. 내 작업의 경우 장소 특정적 설치 방식을 취한다. 한가지 매체나 감각이 아닌 다양한 방식으로 사회적 이슈에 접근한다는 점을 특히 좋아해 준 것 같다. ▶ 왜 장소 특정형 미술인가?오: 미국 대학원 유학 시절의 경험이 크게 작용했다. 한국에서 살던 나와 미국에서 살고 있는 내 모습이 달랐다. 스스로 자신을 인식하는 방법도 그렇고 다른 사람이 나를 인식하는 방법도 달랐다. 분명 같은 나지만 어디에 있느냐에 따라 나의 사회적, 문화적 정체성이 달라지는 것을 경험했다. 이런 환경의 변화가 다시 나를 변화시켰고. 각각이 개별적 경험이었다기 보다는 동시적 경험이었다. 이 때를 계기로 장소를 변화시키는 작업을 하게 되었다.▶개인의 정체성은 어떻게 형성된다고 보는가?오: 정체성이라고 하면 보통 개인의 문제라고 인식하는 경우가 많다. 내 작품은 사회적 차원에서 정체성을 이해하려는 시도라고 볼 수 있다. 즉, 정치, 사회, 문화적 요소들이 개인의 정체성 형성에 미치는 영향에 집중한다. 한 개인이 사회가 인정하지 않는 정체성으로 살아가는 과정은 쉬운 일이 아니다. 나 또한 예전에는 스스로를 긍정적으로 바라보지 못했고 자신감을 찾기까지 오랜 시간이 걸렸다. 고민을 거듭해 자신을 받아들이는 과정은 시간이 걸리게 마련이지만, 사회적인 조건에 따라 차이가 난다. 따라서 한 사람의 정체성은 개인의 문제로 국한해서 볼 게 아니라, 사회와 개인 사이의 관계로 확장해서 접근해야 한다는 입장이다. ▶예전과 비교해서 한국 작가들의 작품에 어떤 변화가 있나?오: 한국 미술계에서는 90년대 처음 젠더와 섹슈얼리티에 대한 목소리들이 등장했다. 하지만 단일한 정체성을 강조했던 한국에서는 크게 대중화되지는 않고 굉장히 소수의 작가들만 활동했다. 아직까지도 한국 사회는 동성애나 여성주의와 같은 문제에 대해 보수적으로 보는 시각들이 존재하기 때문에 이를 작품에서 보편적 주제로 다루기에는 어려움이 종종 있다. 하지만 최근에는 새로운 작가들이 계속 등장해 다양한 방식, 다양한 매체를 사용해서 사회적 약자나 소수의 정체성에 대해 목소리를 내려는 노력을 한다. 7-80년대 한국에서는 아예 불가능했던 일이다. 큰 변화다. 변화는 스스로 목소리를 내는 힘에서부터 시작된다. 유니 킴 랑은 서울에서 태어나 중국에서 자랐고 현재는 미국 델라스를 기반으로 활동하는 작가다. 다양한 문화권에서 성장하며 겪은 디아스포라 경험을 토대로 문화적 정체성에 대한 물음을 조각, 사진, 퍼포먼스를 통해 풀어낸다. 최근에는 밧줄이나 실을 이용해 조선시대 가체 등 다양한 매듭의 형태를 가진 작품들을 만드는 데 집중하고 있다. 무게나 질량과 같은 물질의 추상적 개념과 신체적 경험을 연결시키는 작업이 주를 이룬다. 유니 킴 랑은 필라델피아 미술관에서 “컴포트 헤어-엮어진 정체성 I” 사진 작품과 “컴포트 헤어” 조각을 선보이고 있다. “컴포트 헤어” 조각은 검은색 합성섬유로 만든 밧줄과 인조 머리카락을 꼬아 만들었다. 사람만한 밧줄을 땋은 것처럼 보이는 상당한 규모의 작업이다. 이 옆에 있는 사진 작품 “컴포트 헤어-엮어진 정체성 I”에서는 흰 옷을 입은 세명의 여인이 이 거대한 조각 작품을 머리에 쓰고 마치 죽은 듯이 누워 있는 모습을 볼 수 있다. 세 명의 여인은 각각 노년, 중년, 초년의 여성의 모습을 하고 있다. “컴포트 헤어”는 조선시대 여인들이 머리에 썼던 가체에서 영감을 받아 만들었다. 가체는 조선시대 여인들의 부와 계급을 상징하는 도구이자 미용품으로 쓰였다. 작가는 이 사치품을 이용해 여성에 대한 편견과 억압을 고발한다. 또한 규격화된 미의 기준이나 아름다움에 대한 고정관념을 타파하고자 한다. 한껏 부풀려진 크기는 여성들에게 강요되었던 사회적 성역할과 고통의 무게를 대변하기도 한다. 전시 오프닝 리셉션에서는 작가가 직접 작품을 머리에 쓰고 하얀 플랫폼 위에 누워 있는 퍼포먼스 작업을 보여주기도 하였다. 여성이기 때문에 짊어져야 하는 사회적 차별과 편견을 고스란히 이고 있는 모습이었다. 한편, 매듭을 통해 서로 포개어지고 엮인 머리카락의 모습은 한 문화의 정체성이 어떻게 형성되는지 은유적으로 보여주기도 한다. 수천, 수만 개의 머리카락이 꼬이고 비틀어져 매듭이 만들어지듯이 문화적 정체성은 수없이 많은 이들의 상호적 관계 맺음과 경험을 통해 만들어지는 것처럼 말이다. ▶언제 가장 한국인이라고 느끼나?랑: 세 살 때 한국을 떠나 중국에서 국제학교를 다녔다. 대학교부터는 미국에 와서 살고 있다. 나는 뼛속까지 한국인이다. 생각하는 방식이나 사람들과 관계를 맺고 이어가는 모습까지, 모든 것이 한국적이다. 외국에 살면서 다른 인종, 다른 문화권 사람들과 자랐다. 나와 다른 점을 인지할 때마다 한국 문화에 대해 생각하지 않을 수 없었다. 무엇이 나를 한국인으로 만드는지에 대해서 끊임없이 질문했다. 밖에 나와서 살기 때문에 오히려 한국적인 것에 더 집중하게 된 것 같다. 내 나라, 내 문화에 관심을 가지게 되고 특징을 살피게 된다. 한국에서 한국인이 한국 사람들과 생활하면 잘 보이지 않는 부분이다. ▶ 한국적인 것은 무엇인가?랑: 작게는 손의 제스처나 몸짓, 추임새가 유달리 한국적인 것들이 있다. 동의할 때 박수를 친다든지 마지막 글자를 길게 늘려서 발음한다든지 말이다. 정서적으로는 ‘정’이란 감정이 특별하다. 미국 지하철에서 노인 분들을 보면 바로 일어나 자리를 양보한다. 그러면 사람들이 이상하게 쳐다볼 때도 있다. 한국에서 자라지도 않았는데 한국인들이 할 법한 생각이나 감정을 느끼는 것이다. 나도 이런 내가 신기할 때가 있다. ▶ 재외동포로서 겪는 어려움은 무엇이 있나?랑: 끊임없이 뿌리를 찾고 소속을 찾는 고달픔이 있다. 어딘가 중간에 껴 있는 느낌이 들 때가 많다. 전시 오프닝 때 만난 여성이 인상깊다. 한국에서 미국으로 입양된 분이었는데 내가 말하는 ‘길을 잃은 듯한 기분’이 무엇인지 공감한다고 해줬다. 한국은 대세를 따르는 것을 중요하게 여기는 것 같다. 소속 집단의 규범에 순응하지 않거나 다른 길을 모색하면 소외되기 쉽다. 나는 한국인이지만 한국인들이 말하는 대세에 동조하지 않는 부분도 분명 있다. 이때 나의 문화적 정체성은 무엇인지 생각하게 된다. 내 안에는 부모님께 배운 한국, 내가 자라면서 겪은 한국의 문화, 내가 맺은 수천 개의 인간 관계들이 있고, 그것들이 모두 모여 지금의 나를 이루고 있다. 한국의 문화적 정체성과 나만의 개인적 경험이 섞여 나라는 사람을 특별하게 만든다. ▶ 작품을 통해 말하고자 하는 바는?랑: 집단 정체성은 개인의 정체성을 이루는 한 부분으로 서로 뗄레야 뗄 수 없는 불가분의 관계다. 나의 개인적 경험을 통해 한국의 문화적 정체성이 형성되는 과정과 한 국가와 민족의 정체성이 그 집단에 속한 개인의 정체성 확립에 어떤 영향을 주고 받는지 다양한 각도에서 들여다 보고 싶다. 외부인인 동시에 내부인의 시선으로 현재 한국 사회가 문화적으로 대면한 문제가 무엇인지 알아보고 우리 모두가 한국에 대해 조금 더 잘 이해하게 되었으면 하는 바람이 있다. 두 작가 모두 공통적으로 강조하는 부분은 정체성은 유동적이라는 점이었다. 우리는 각자 사회 집단의 일원으로 개인의 삶을 영유한다. 집단 안에서 개인의 정체성은 사회적 가치와 상호 작용을 통해 끊임없이 변화한다. 하지만 우리 사회는 종종 이 둘의 관계를 계급적 관계로 바라본다. 개인에게 집단의 정체성을 강요하고 소수자들의 권리를 박탈하거나 희생을 당연시 여기는 것이다. 아직까지도 한국사회에는 성, 인종 등 사회적 소수자들에 대한 차별이 만연하다. 개인의 다양성을 인정하지 않고 차별과 억압을 가할 때 문화는 몰락하고 인간성을 상실하게 된다. 세계인들이 한국 문화에 주목하는 이 때 사회 비주류에 대한 폭넓은 이해를 통해 사회, 문화적 다양성을 이룩하는 일이 어느 때보다도 시급하다.