재즈계에 리스트가 있다! 자연스러운 기교의 왕, 자하리 스탬플리

우리는 흔히 '거장(Virtuoso)'이라는 단어에서 눈부신 천재성이나 비범한 기교, 그리고 진정으로 독보적인 무언가를 연상한다. 그리고 아마 이 기준에 딱 부합하는 뮤지션이 있다면, 그건 바로 자하리 스탬플리(Jahari Stampley)가 아닐까.

자하리는 시카고에서 태어나 음악가 집안에서 자랐다. 그의 어머니 디에레니아 스탬플리는 ‘Language of the Heart’로 제59회 그래미 어워드의 7개 부문 후보에 오르기도 한 뛰어난 음악가였다. 현재 디에레니아는 아들인 자하리와 함께 활동하기 위해 직접 베이스를 배워서, 무대에서 베이스와 호른을 연주하고 있다. 그녀 역시 그 자체로 무척 훌륭한 음악가다.

자하리는 시카고 출신으로, 음악가 집안에서 태어났다. 그의 어머니 디에레니아 스탬플리는 제59회 그래미 어워즈에서 음반 ＜Language of the Heart＞로 7개 부문 투표 대상에 오르며 주목받았다. 현재 에라나는 자하리와 함께 연주하기 위해 베이스 연주를 새로 익혔으며, 베이스와 관악기를 오가며 연주한다. 그녀 역시 그 자체로 매우 다재다능한 음악가다.

자하리는 드럼으로 음악을 시작하여 14살에 피아노로 전향했다. 그는 고교 재즈 솔로이스트 최우수상을 수상했고, ‘내셔널 영아츠 콩쿠르’ 등 각종 대회에서 우승하기 시작했다. 이는 놀랍게도 피아노를 배운지 단 2년만에 낸 성과였다. 그 후 자하리는 뉴욕 라디오 시티홀과 카네기홀, 필라델피아 더 메트, 시카고의 바이라인 뱅크 아라곤, 샌프란시스코의 재즈 센터 등에서 공연했으며, 최근에는 서울에서도 무대를 가졌다. 또한 그는 독일(베를린, 쾨텐, 마그데부르크)과 스위스(제네바), 미국(로스앤젤레스)에서 피아노 독주 투어를 돌며 헤드라이너로 무대에 올랐다.

자하리는 2023년 허비 행콕 국제 콩쿠르에서 우승을 차지했다. 같은 해 ‘시카고 재즈 부문 올해의 인물’에 선정되었으며, 비 클래식 연주자로는 처음으로 시카고 유스 심포니 오케스트라를 졸업한 후 음악계 등 다양한 분야에 활발한 기여를 한 동문에게 주는 상도 받는 영예를 안았다. 그리고 데뷔 앨범인 ‘Still Listening’으로는 ‘2023 루미나츠 펠로우십’에 선정되기도 했다. 그 이전의 경력도 화려하다. 2019년 ‘미국 재즈 피아니스트 협회 국제 콩쿠르(18~25세 부문)’에서 뵈젠도르퍼 상을 받았으며, 더 이전인 2018년에는 ASCAP 재단 프란 모건스턴 데이비스 장학금을 받았고, 같은 해 ‘국제 영 아츠 재단’의 우승자로 선정된 바 있다.

자하리는 두 번째 앨범 ‘What a Time’의 수록곡인 ‘To Be Alive’를 발표했다. 이 앨범은 지난해 7월 아시아에서 먼저 발매되었고, 9월에는 미국에서도 발매되었다.

자하리의 연주와 작곡 방식은 서로 밀접하게 얽혀있으며, 이는 곧 그가 음악을 대할 때의 태도와도 깊이 연결되어있다. 음악과 삶, 그리고 그사이에 존재하는 모든 것들에 대한 이야기를 연결하는 것이 바로 자하리에게 있어서의 ‘음악’이다.

최근 서울에서 열린 그의 공연을 직접 관람하며, 그의 편곡과 연주에서 아마드 자말의 작품에서 들을 수 있는 것과 같은 방식을 느낄 수 있었다. 자말의 작품처럼 자하리의 연주는 하나의 아이디어에서 다른 아이디어로 자연스럽게 이어진다. 그리고 그 공연의 형태를 만들어내는 것은 편곡이다. 연주 중에 주고받는 음악적 신호를 통해 음악이 강물처럼 흐르는데, 이는 자말의 공연에서처럼 청중 또한 함께 느끼고 즐기며 음악에 빠져들게 된다.

연주할 때마다 변화하는 유동적인 구조는 전통 흑인 교회의 ‘워십 뮤직’에서 나타나는 특징이기도 하다. 때때로 예배 도중 음악의 감동과 열기가 절정에 다다르면, 설교마저 중단되고 음악이 그 시간을 이끌어가도록 두기도 한다. 예를 들어 디에레니아 스탬플리(베이스)와 김종국(드럼)이 함께 한 트리오의 연주곡 'Something I Would Say’를 들어보자. 위에서 말한 그 ‘흐름’이라는 것이 무엇인지 감 잡게 될 것이다.

[자하리 스탬플리 'Something I Would Say']

자하리가 도달할 수 있는 기교의 수준 역시 상당히 놀랍다. 그의 공연에는 종종 프란츠 리스트의 연주 방식에 대한 묘사를 떠올리게 하는 순간들이 존재한다. 갑작스럽게 터져 나오는 불꽃 같은 에너지와 열기, 그리고 관객들이 탄성을 자아내게 한 모습처럼. 그 순간을 직접 느낄 수 있도록 최근 서울 공연에서의 장면을 덧붙인다. 열정 외에도 자하리는 가슴 뭉클한 기쁨과 진심 어린 마음을 깊이 다뤄낼 수 있다. 형 그레고리에게 바친 곡 ‘To be Alive’에서 그런 것들을 마주할 수 있다.

[자하리 스탬플리 'To Be Alive']

자하리만의 음악을 만드는 방식은 언제나 또렷하다. 그는 밴드 멤버들을 마치 가족과 같이 여긴다. 작곡에서도 기술적인 것보다는 순간순간 자신에게 영감을 주는 것들에 집중한다. 리아 프루샤는 이렇게 적기도 했다. “자하리는 머릿속에서 음악을 떠올리고(때로는 꿈속에서) 그것을 기록하는 것을 습관화했습니다. 맨해튼 음대 출신인 그는 나중에야 이론을 배웠는데, 이는 그 자신의 작품에 깊이를 더해주는 토대가 되었죠."

자하리에게 작곡할 때 그만의 루틴있는지 묻자 이렇게 답했다.

“여러 가지가 섞여 있다고 봐야겠어요. 딱히 정해진 루틴은 없고 평소에 귀를 활짝 열어두고 있는 편이에요. 길을 걷거나 사람들이 차를 몰고 지나가는 소리, TV 광고나 상업적인 말들까지요. 이 모든 것들이 우리 주변에 있잖아요. 광고용 음악들이나 기차역 소음도, 그 모든 것들이 제게 영감이 되죠. 가끔은 차의 방향지시등이 깜빡일 때도 일종의 리듬감이 느껴지기도 합니다. 제 루틴의 의미는 주변의 모든 소리를 의식하다가, 영감이 찾아왔을 때 그 순간을 놓치지 않는 거예요. 영감이 찾아오는 순간은 영원하지 않아서, 기회가 왔을 때 확실하게 잡지 않으면 아무것도 남지 않거든요. 저도 예전에 떠올랐던 악상을 기록하지 않았다가 나중에서야 ‘아! 그거 내가 만들었던 건데, 녹음해둘걸’했던 적이 있어서 그 부분에 더 신경 쓰고 있어요.”

자하리가 음악을 듣는 방식은 매우 많이 열려있으면서도 창작의 측면에 훨씬 집중되어 있다. 그에게 가장 영향을 준 뮤지션이 누구인지 물었을 때, 그는 특정인을 거론하기보다는 이렇게 답했다.

“영향을 준 뮤지션들이야 분명히 있죠. 근데 재미있는 점은 저는 모든 음악에 기회를 줘보려고 하는 타입이라는 거에요. 저는 다양한 장르를 탐색하고 듣는 것을 좋아해요. 스스로 편견 없는 청취자라고 생각하거든요. 음악은 지극히 주관적인 거잖아요. 개인적인 의견이지만 특정한 음악적인 전통만 따르고 다른 스타일이나 장르를 배제하는 건, 음악을 대하는 건강한 태도가 아닌 것 같아요. 많은 음악적 요소들, 특히 모던 팝이나 프로덕션을 보면 많은 뮤지션이 간과하는 요소가 많아요. 보통 그들은 화성학적인 코드 진행이나 그들만의 작곡 기법 같은 것에 더 집중하곤 하죠. 하지만 저는 모던한 프로덕션 속에 숨겨진 디테일들에 훨씬 흥미를 느껴요. 예를 들면 이런 거죠. 프로듀서가 믹싱을 통해 곡의 색깔과 분위기를 어떻게 바꿨는가? 보컬의 위치를 어떻게 잡았길래 믹스 앞으로 튀어나오게 하고, 모든 소리기 완벽해지게 만들었는가? 이런 사운드 디자인의 디테일과 기술들이 보여요. 특히 사운드 디자인에 극도로 공들인 뮤지션들을 볼 때면 더 보이죠.

곡 자체만 놓고 보면, 그렇게 깊이 있거나 음악적이지 않을 수 있어요. 하지만 그 안에 담긴 프로덕션의 정교하면서도 복잡한 소리를 듣게 되면, 거기서 영감을 받곤 하죠. 저는 모든 것에서 영감을 끌어내는 편이에요 변화하는 프로덕션 기술이나 현대 기술을 그냥 무시하기는 어려우니까요. 그래서 비록 취향이 아닌 음악이라도 일단은 귀 기울여 들여보려고 노력합니다. 그 안에 들어볼 만한 것을 탐색하는 게 좋거든요. 전 정말 호기심이 많은 리스너인가 봐요.”

자하리 스탬플리는 우리가 극히 접하기 어려운 독창적인 아티스트가. 음악을 만드는 방식과 음악을 통해 사람들에게 어떤 영감을 줄 수 있는지에 대한 그의 방식은 나에게도 큰 영감이 된다. 그래서 당신에게 강력히 권해본다. 만약 자하리 스탬플리의 음악을 들을 기회가 생긴다면 꼭 들어보시라고. 분명 당신 역시 깜짝 놀라게 될 것이다.

론 브랜튼 재즈 피아니스트·작곡가

<칼럼 원문> Virtuosos Today – Jahari Stampley

When we think of virtuosos, we think of brilliance, of extraordinary feats, of something really unique. Well, this is true enough in that I want to examine a musician whom I feel meet this criterion: Jahari Stampley.

Jahari is from Chicago and was born into a musical family. His mother, Erana Stampley was recognized by the 59th Grammy Awards Committee for her recording "Language of the Heart" for seven ballot categories (see: www.d-erania.com/). Currently, Erana actually learned to play bass just so she could accompany Jahari where she plays bass and horn. She is an incredibly versatile musician in her own right. Jahari first started out playing drums but switched to piano at fourteen. He began winning various competitions including Best High School Jazz Soloist Award and the National YoungArts Competition after just two years of study. Since then, he has has performed in venues such as Radio City Music Hall in NYC, The Met Philadelphia, Byline Bank Aragon in Chicago, Carnegie Hall in NY, San Francisco Jazz Center, and even recently in Seoul. He’s also headlined & performed solo piano tours in Berlin, Koethen & Magdeburg, Germany, Geneva, Switzerland, and Los Angeles, California.

Jahari won first place in the 2023 Herbie Hancock Institute International Competition, 2023 Chicagoan of the Year in Jazz, 2023 Chicago Youth Symphony Alumni Award, the first non-classical musician to receive the honor; and awarded the 2023 Luminarts Fellowship for his debut album Still Listening. Earlier in his life Jahari won the Bösendorfer prize for the international 2019 American Jazz Pianists Association Competition (for ages 18-25), the 2018 ASCAP Foundation Fran Morganstern Davis Scholarship, and the National Young Arts Foundation 2018 Young Arts Winner.

Jahari released his single To Be Alive from his second album What A Time, which was released in Asia in July, 2025 and in the US in September, 2025.

Jahari's approach to performance and writing are closely intertwined and very much interconnected to his approach to music. For Jahari, the music is about connection through creating a narrative, a story about music, life and everything in between. Having attended the recent concert he gave in Seoul, I could hear something of the same approach in his arrangements and performance that one can hear in Ahmad Jamal's work (https://en.wikipedia.org/wiki/At_the_Pershing:_But_Not_for_Me). Like as in Jamal's work, Jahari's performance seamlessly flows from one idea to the next and it is the arrangement that shapes the concert. Using played cues, the music flows like a river and it is a remarkable journey in which the audience can share too, just like in Jamal's performances. This sort of flowing structure that can change from one performance to the next is also characteristic of the "worship music" found in traditional Black churches. Sometimes, if the music reaches a certain level of inspiration and excitement during a service, the sermon pauses so as to allow the music to take over the worship service. For example, Something I Would Say, featuring his trio, with Erana Stampley (his mom) bass and Kim JongKuk on drums: (https://youtu.be/ZIGSG-PlorQ) gives us an idea of what I mean by "flow". What is also remarkable is the level of virtuosity that Jahari can reach. There are moments in Jahari's performance when he reminds me of the descriptions of how Franz Liszt played – flashes of sudden fire and excitement that would cause the audience to gasp in amazement. Listen to a moment from his recent performance here in Seoul for a sample of that fire: https://www.instagram.com/reel/DRIH7E_jqHY/
When not on fire, Jahari touches moments of heart-felt joy and tenderness such as in pieces such as his To Be Alive, dedicated to his older brother, Gregory (https://youtu.be/deL_0BMxVk0).

Jahari's personal approach to making music is always in evidence. His band members are "like family". His approach to writing is less technical and more about what inspires him at any time. As Lia Prusha wrote: "He hears music in his head—sometimes in dreams— and has made it a practice to write it down. (As) an alum of the Manhattan School of Music, he learned theory after the fact, which allowed him to deepen the compositions."
During my conversations with Jahari, when I asked him about having routines he uses when writing music, he responded "Well, I would say it's a mixture of a lot of things. I wouldn't say there are routines, but I would say just generally keeping an open ear, like even in life, like even as I'm walking around or like I hear things from people driving by or commercials on TV or anything like advertisements. There's so much that surrounds us. There's jingles and the sound of train stations. There's all kinds of inspiration. Sometimes when a car uses its turn signal, there's like a groove from the turn signal just going clicking back and forth. I mean, I think, in terms of my routine, I think just trying to be conscious of and being aware of all the sounds around me and really taking advantage of inspiration as it comes (is important) because I think it's difficult to be inspired. It's difficult to stay inspired. When it comes, one must really capitalize on on the moment because it's not everlasting. It's gonna pass you by if you don't take advantage of your inspiration, so that's something I'm getting better at because there's so much music that I hear sometimes that I forget about it and (later) I'm like, oh man, I wrote that. Yeah. I wish I had recorded that sooner."

The way Jahari listens to music is also very open and more focused upon the aspect of making. When I asked him if there were some musicians that influence him, he demurred in naming artists or influences but replied instead that: "I think that definitely there are (musical influences) and I think it's funny because I feel like I'm the type of person who likes to give everything a chance. I explore and like listening to different genres. I think I'm a very much an open minded type of listener. Music is so subjective that I feel like, in my opinion, I don't know if it's healthy to have such an isolated mindset when it comes to music . . . by only following a certain tradition of music and excluding every other style or genre. There's a lot of elements, especially in modern pop music and music production, that a lot of musicians might not pay attention to because they're probably more focused on harmonic chord changes or the notes and their method (of writing) but I think there's so much detail in the modern production of music which intrigues me, for example, how do the producers create color and mood using mixing? How do they pan out the vocals and bring them up front in a mix and make everything sound, so perfect? There's all these details and techniques of sound design, especially with certain artists, where the sound design is extremely focused. The music itself might not be very deep, musically, but then, when I hear the complexity of the production, it kind of inspires me. I think I pull inspiration from almost everything because it's difficult to ignore the change of production techniques and modern technology and so, even if I don't enjoy the music, I just try to hear it out; I just like to explore what's there to hear. I'm just a very curious type of listener."

Jahari Stampley is a uniquely original artist of the sort we rarely hear. For me, he is very much an inspiration in how he works and how the artist can inspire through the connections they make through their music. I would strongly urge you that, if you ever get the chance to hear Jahari Stampley, do it — you too will be surprised.