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‘탱고'는 19세기 말 부에노스아이레스의 항구 지역에서 시작되었다. 외로움과 함께 생계를 짊어진 이민자들이 소규모의 사교 공간에 모여 즉흥 연주와 춤을 나누었고, 그 자리에서 주고받던 짧은 선율과 발걸음이 쌓여 하나의 문화로 성장했다. 그렇게 현실의 온도를 뜨겁게 간직한 탱고는 세계 곳곳으로 나아갔다.

탱고가 걸어온 여정을 이야기할 때, 아르헨티나의 작곡가 아스토르 피아졸라(Astor Piazzolla, 1921-1992)를 빼놓을 수는 없다. 피아졸라는 항구 주변의 작은 술집과 밀롱가(탱고를 즐기는 사교 공간)에서 울려 퍼지던 탱고 음악을 연주회장으로 이끌어내는데 결정적인 역할을 했다. 그는 전통 탱고에 클래식과 재즈를 결합해 ‘누에보 탱고(Nuevo Tango)’라는 새로운 흐름을 열었다.

“내게 있어 탱고는 언제나 ‘발'보다는 ‘귀'를 위한 것이었다.”
(“For me, tango was always for the ear rather than the feet.”)

피아졸라가 남긴 이 말은, 그가 지향한 탱고의 방향을 분명히 보여준다. 그의 대표작으로 알려진 <리베르탱고(Libertango)>, <부에노스아이레스의 사계(Las Cuatro Estaciones Porteñas)>, <망각(Oblivion)>에서도, 탱고가 ‘듣는 음악'으로서 충분히 독자적인 개성을 갖고 있음을 확인할 수 있다.
피아졸라와 그가 이끌던 오케스트라 / 출처. Wikimedia Commons
피아졸라와 그가 이끌던 오케스트라 / 출처. Wikimedia Commons
피아졸라는 평생에 걸쳐 다양한 편성과 형식의 탱고 음악을 작곡했지만, 그 중심은 주로 반도네온과 앙상블을 위한 작품을 향해 있었다. 따라서 독주 악기를 위해 쓰인 곡은 극히 소수에 불과하다. 1987년에 작곡된 <탱고 에튀드(Tango-Études)>는 처음에 플루트를 위해 쓰였지만, 이후 바이올린곡으로도 널리 연주되며 두 악기의 레퍼토리로 자리 잡았다.

<탱고 에튀드>는 총 6개의 연습곡으로 구성되어 있다. 각 곡은 표제가 붙어 있지 않고 번호로 구분되어 있으며, 일반적인 에튀드와 마찬가지로 연주 기법과 프레이징을 익힐 수 있도록 작곡되었다. 탱고는 명확하게 형성된 박자의 틀 안에서 여린박을 강조하는 싱코페이션(syncopation), 순간적으로 박자를 늘리고 줄이며 표현하는 루바토(rubato) 등을 빈번하게 사용해 특유의 긴장감을 만든다. 리듬을 무너뜨리는 것이 아니라 일정한 박을 토대로 섬세하게 밀고 당기며 흐름을 조절하는 것인데, 이 연습곡에서도 이러한 요소들을 자연스럽게 느낄 수 있다.

또한, 여섯 곡에는 ‘Décidé(단호하게)’, ‘Anxieux et rubato(불안하게, 루바토로)’, ‘Lento-Meditativo(느리게 사색적으로)’ 등 서로 다른 지시어가 붙어 있어 각기 다른 분위기로 연주된다. 그럼에도 불구하고, 여섯 곡 모두 탱고의 기본 박자인 4/4박자를 기반으로 진행된다.

이 여섯 곡 중 가장 많이 연주되는 곡은 3번 에튀드이다. 바이올린, 플루트뿐만 아니라 비올라, 클라리넷, 알토 색소폰 등 다양한 악기의 연주자들에게 사랑받고 있다. ‘Molto marcato e energico(매우 뚜렷하고 힘있게)’ 라는 지시어 안에서 단선율로 연주되는 이 곡은 탱고의 밀도 높은 에너지를 품고 있다. 탱고를 표현하는 데 있어서 중요한 요소인 악센트(accent), 페르마타(fermata) 등이 악보 곳곳에 등장하며, 바이올린과 같은 현악기로 연주할 때는 활에 싣는 무게와 활을 켜는 속도, 위치를 조절하여 선명한 아티큘레이션(articulation)과 탄력적인 리듬을 만들어낸다. 반면 관악기로 연주할 때는 호흡과 텅잉에 변화를 주어 다양한 효과를 구현해낸다.

[피아졸라 '탱고 에튀드 3번' – Noa Wildschut의 연주]

이 3번 에튀드의 도입부에서는 피아졸라 특유의 3-3-2 리듬 패턴이 확연하게 드러난다. 이 리듬은 한 마디 안에 들어있는 8분음표 8개를 3개+3개+2개로 묶어서 구성한 형태로, 각 묶음의 첫 음을 강조해 표현한다. 대칭적인 구조가 아니기 때문에 불안감을 유발하기도 하지만, 음악의 흐름에 추진력을 더하는 데 효과적이다. 이러한 3-3-2 리듬은 전통 탱고 음악이 갖고 있던 보편적인 특징이라기보다, 탱고의 전신 중 하나인 아르헨티나 전통춤 ‘밀롱가(Milonga)’에서 비롯된 것으로 볼 수 있다. 피아졸라는 이 리듬 패턴을 적극적으로 활용하면서 자신의 고유한 음악적 언어로 확립했다.

도입부를 지나 음악이 진행되면서 다양한 다이내믹 표현이 나타난다. 두 박자 사이에 메조 포르테(mf)에서 포르티시모(ff)까지의 급격한 크레센도(crescendo)를 요구하기도 하고, 하나의 긴 음표를 페르마타로 더 늘리면서 크레센도를 지속하도록 지시하기도 한다. 이러한 표현들은 음 하나하나가 강렬한 방향성을 갖도록 돕는다. 또한, 곡 전반에 꾸밈음을 다채롭게 활용해 단순했던 리듬을 매혹적으로 변화시키기도 한다.

곡의 중반부에서는 ‘Meno mosso e più cantabile(조금 느리게, 보다 노래하듯이)’라는 지시어 아래 잠시 부드럽고 서정적인 분위기로 흘러간다. 곧이어 도입부의 테마가 그대로 다시 등장하며 음악이 마무리되는데, 이는 음악의 흐름이 A-B-A 형식으로 이루어져 있음을 보여준다. 비대칭적인 리듬, 자유로운 다이내믹의 표현 속에서도 전체를 지탱하는 구조적인 틀은 견고하게 유지된다.

피아졸라는 파리 유학 시절 나디아 불랑제(Nadia Boulanger, 1887-1979)에게 배우며 음악 인생에서 중요한 전환점을 맞이했다. 불랑제는 피아졸라가 쓴 고전음악보다, 그가 작곡한 탱고 속에서 진정한 음악적 정체성을 발견해 주었기 때문이다. 피아졸라는 스승의 지지에 힘입어 자신의 뿌리인 탱고를 주저 없이 마주하게 되었고 자신만의 음악을 펼쳐냈다. <탱고 에튀드>는 그러한 확신이 순수하게 드러난 작품으로, 피아졸라가 끝내 지켜낸 ‘자기 자신의 음악'을 담고 있다.

이준화 바이올리니스트