-디모먼트(D'moment) 대표
-계명대학교 패션디자인과 겸임교수
-세계패션그룹 한국협회(FGI코리아) 정회원
-(사)박동준 기념사업회 이사, (사)여성과 도시 이사
에르메스의 가족 경영은 단순한 부의 계승을 넘어, 180여 년 동안 브랜드의 정체성과 장인정신을 지켜온 럭셔리 업계의 가장 상징적인 가문 체제로 평가받고 있다. 2026년 현재에도 에르메스가 대체 불가능한 존재로 남아 있는 이유는 마구 공방에서 시작된 전통 위에 시대를 초월한 우아함과 혁신을 끊임없이 더해왔기 때문이다.장인의 손끝에서 완성되는 본질적인 가치와 변하지 않는 철학. 에르메스는 오늘도 과거의 유산과 미래의 비전을 동시에 이어가며 럭셔리의 새로운 기준을 써 내려가고 있다. 에르메스의 설립 배경1801년, 에르메스의 창립자 티에리 에르메스(Thierry Hermès)는 당시 프랑스 제국의 영토였던 크레펠트(Krefeld·현재의 독일 지역)에서 프랑스인 아버지와 독일인 어머니 사이에서 태어났다. 당시 크레펠트는 벨벳과 실크 생산으로 명성이 높아 '벨벳과 실크의 도시'로 불리던 유럽 섬유 산업의 중심지였다. 섬세한 직물과 고도의 장인정신이 숨 쉬는 도시 분위기는 어린 티에리에게 미적 감각과 품질에 대한 눈을 뜨게 하는 자양분이 되었다.1828년, 에르메스 가족은 파리 북부의 퐁토드메르로 이주했고, 이곳에서 티에리는 가죽 제조 기술을 익히며 마구 제작에 몰두하기 시작했다. 이후 1837년, 파리 바스 뒤 랑파르 거리(Rue Basse-du-Rempart)에 공방을 열면서 오늘날 에르메스의 역사가 본격적으로 시작되었다. 그가 제작한 마구 제품은 섬세한 수작업과 정밀한 구조, 그리고 뛰어난 내구성을 바탕으로 높은 완성도를 자랑하였고 이러한 장인정신은 1867년 파리 만국 박람회에서 여러 차례 최고상을 수상하며 국제적으로 인정받는 계기가 되었다.이후 아들 샤를 에밀 에르메스(Charl
![시대를 초월한 장인정신의 집약체…에르메스의 유산과 미래 [박연미의 럭셔리 오딧세이]](https://img.hankyung.com/photo/202605/01.44423513.3.jpg)
럭셔리 컬렉션은 단순히 멋을 보여주는 무대가 아니다. 이제 옷은 신체를 덮는 천이 아니라 몸 위에 세워진 하나의 구조물로 기능한다. 패널·볼륨·라인 등 그 모든 요소가 건축의 언어처럼 작동하며 형태 자체가 메시지가 됐다. 최근 하이엔드 하우스들은 패션을 ‘입는 예술’에서 더 나아가 공간과 신체가 교차하는 조형적 실험의 장으로 확장했다. 그 결과 각 브랜드는 저마다의 방식으로 건축적 질서와 인간의 유연함을 결합하며 패션이 어떻게 구조가 되고, 구조가 어떻게 아름다움으로 변모하는지를 선명하게 보여준다. 건축 구조가 만드는 새로운 미학오늘날 럭셔리 패션은 건축을 닮았다. 단순히 어깨를 세우거나 허리를 강조하는 차원을 넘어 패션이 공간을 점유하고 몸과 세계의 관계를 구조적으로 사유하는 예술 행위로 진화하고 있음을 의미한다. ‘패션은 착용 가능한 건축’이라는 말처럼 구조적 실루엣은 디자이너가 패턴으로 공간을 설계하고 신체 위에 자신만의 세계를 세우는 미학적 구축이자 감정의 구조화이다.디올의 크리에이티브 디렉터(CD) 조나단 앤더슨은 “옷은 인간의 외부 골격”이라고 했다. 생로랑의 CD 앤서니 바카렐로 역시 “선(線) 하나로 욕망의 구조를 만든다”라고 선언했다. 그들에게 옷은 단순한 형태가 아니라 감정과 존재의 구조로 구조적 실루엣은 인간의 내면을 외부로 드러내는 건축적 자기 초상화다. 패션은 이제 단순히 몸을 꾸미는 행위가 아니라 몸 위에 하나의 생각과 구조를 세우는 행위가 되고 있다. 절제된 구조의 미, 생로랑생로랑의 최근 가을·겨울(F/W) 컬렉션은 건축적 실루엣을 ‘미니멀리즘의 구
![직각 어깨·부풀린 치마…럭셔리 패션, 건축을 입다 [박연미의 럭셔리 오딧세이]](https://img.hankyung.com/photo/202601/01.42948328.3.jpg)
21세기 패션의 가장 흥미로운 현상을 꼽으라면 단연 ‘콜라보레이션(collaboration)’이다. 불과 20년 전까지만 해도, 럭셔리 하우스와 스트리트 브랜드가 한 무대에 오른다는 것은 상상조차 어려웠다. ‘고급과 대중’, ‘패션과 기능’, ‘예술과 상업’이라는 이분법적 구분은 오랫동안 패션의 위계를 지탱해온 질서였다.그러나 디지털 시대의 도래와 함께 이러한 구도는 빠르게 변화하고 있다. 소비자는 더 이상 한 방향으로 전달되는 브랜드 이야기를 수용하지 않는다. 그들은 직접 창작하고 해석하고 패션의 언어를 새롭게 편집한다. 이런 시대의 흐름 속에서 콜라보레이션은 권위의 해체이자 창조의 재조립이라는 새로운 의미를 획득했다.그것은 단순한 협업이 아니라 서로 다른 세계가 만나는 문법, 럭셔리의 새로운 언어다. 서로 다른 DNA가 만든 하나의 서사패션 산업의 역사에서 협업의 개념은 단순한 마케팅 수단이 아니라 예술과 패션 간의 교류와 상호 영향 속에서 형성된 문화적 산물이었다. 그 기원은 1960~1970년대 예술과 패션이 공존의 가능성을 모색하던 시대가 출발점이다. 서로의 언어를 빌려 새로운 미학을 실험하던 시대의 유산이다.입생로랑은 1965년 피에트 몬드리안의 회화에서 영감을 받아 화폭의 추상 미학을 드레스 위로 옮겼다. 이 드레스는 회화와 패션의 경계를 무너뜨린 최초의 예술적 협업으로 기록된다. 당시만 해도 브랜드와 예술가의 만남은 ‘이벤트’가 아닌 예술의 언어로 패션을 해석하려는 ‘실험’이었다.그로부터 반세기가 지난 지금 콜라보는 더 이상 예외가 아니다. 패션 하우스들은 하나의 세계 안에 머무르지 않고 타 브랜드,
![루이비통·미우미우는 왜 스트리트 브랜드와 손잡았을까 [박연미의 럭셔리 오딧세이]](https://img.hankyung.com/photo/202512/01.42890517.3.jpg)
패션은 시대정신을 반영해 왔다. 옷을 입는 행위를 넘어 사회의 가치와 문화적 전환을 상징하는 언어가 됐다.젠더리스(Genderless) 패션은 역사 속에서 꾸준히 성장해 왔다. 이제는 하나의 트렌드를 넘어 전 세계 패션계를 지배하는 규범이 됐다.젠더리스 패션은 옷의 기능과 미학을 남성과 여성이라는 이분법적 기준에 옭아매지 않고, 개인의 정체성과 표현의 자유를 존중한다. '경계를 넘어선 자유'라는 다양성에 시대정신을 담아, 사회가 진화하는 방식을 보여주는 하나의 상징이자 새로운 문화적 언어다.젠더리스 패션은 옷차림의 변화를 넘어 패션 산업의 구조 전체를 뒤흔들고 있다. 온라인 스토어에는 ‘올 젠더(GENDER)’ ‘젠더 뉴트럴(GENDER-NEUTRAL)’ 카테고리가 생겨났다. 오프라인 매장은 “남녀 모두를 위한”, “성별에 구애받지 않는 디자인”, “모든 타입에 어울림” 같은 문구 사용하여 옷을 전시하는 공간으로 변모하고 있다.사이즈 체계 또한 다양해졌다. S·M·L 같은 전통적 구분 대신 다양한 체형을 포용하는 범용적 체형 기준(XS–XL, 0–5 등)으로 표기된다. 소비자는 성별의 경계에 얽매이지 않고 자신에게 맞는 옷을 선택할 수 있게 됐다. 젠더리스 패션의 기원젠더리스 패션은 어느 날 갑자기 등장한 개념이 아니다. 성별 규범에 도전하고 자유를 갈망했던 과거의 움직임들이 쌓여 만들어진 결과물이다.시작은 1920년대로 거슬러 올라간다. 여성이 바지를 입는 행위 자체가 사회적 저항이었던 시대에 패션 디자이너 코코 샤넬은 여성들을 코르셋의 속박에서 해방하고, 남성들의 전유물로 여겨졌던 저지 소재와 직선적 실루엣의 의상을 선보
!["남자 옷도, 여자 옷도 아니다"…제이홉·제니가 사랑한 패션 [박연미의 럭셔리 오디세이]](https://img.hankyung.com/photo/202510/01.42037750.3.jpg)
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