갤러리 현대, 뉴욕시장 첫 진출…30일 트라이베카에 쇼룸 개관

김경갑 기자

입력2019.04.29 17:25 수정2019.04.30 03:12 지면A32

국내 최대 화랑 갤러리 현대가 세계 현대미술의 1번지 미국 뉴욕에 진출한다. 도형태 갤러리 현대 대표는 30일(현지시간) 뉴욕 맨해튼 트라이베카 지역에 ‘갤러리 현대 뉴욕 쇼룸’(사진)을 연다고 29일 발표했다. 내년 개관 50주년을 맞는 갤러리현대의 뉴욕 진출은 이번이 처음이다.

도 대표는 “뉴욕 쇼룸은 예약제 형태로 운영하되, 정기적인 전시는 가급적 지양한다”며 “뉴욕에서 열리는 다양한 아트페어와 미술품 경매 기간에만 국내외 작가 작품을 선보일 것”이라고 말했다.

개관전은 뉴욕 아트페어인 프리즈(5월 1~4일)에 맞춰 재일동포 원로작가 곽덕준을 소개할 예정이다. 교토시립 히요시가오카 미술학교 일본화과를 졸업한 곽씨는 일본 추상미술 정립에 주도적인 역할을 했다. 1960년대 회화에서 사진, 설치, 비디오에 이르기까지 폭넓은 작품 활동을 하고 있다.

김경갑 기자 kkk10@hankyung.com

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서커스처럼 마술적인 판타지…그림으로 보고, 소설로 읽고

“그림 하나하나마다 이야기가 있는데, 평면 회화는 이를 다 담는 데 한계가 있어요. 이야기를 직접 드러내는 것도 좋겠다 싶어서 글쓰기에 도전했죠. 현실과 비현실의 모호한 경계에서 줄타기하는 현대인들의 모습을 서커스에 빗대어 표현하고 싶었고요.”서울 사간동 갤러리 현대에서 지난 24일 개인전을 시작한 서양화가 박민준 씨(47)는 “그림이란 단지 개념이나 아름다움에 그치는 것이 아니라 미적인 가치와 문학적 상상력이 어우러져야 한다”며 이렇게 말했다.홍익대 미대를 졸업하고 도쿄예술대 대학원 재료기법학과연구생 과정을 수료한 박씨는 지난 7년간 뉴욕에서 거주한 후 2015년 귀국해 제주에서 작업하며 화단의 ‘문화인(文畵人)’을 자처해왔다. 지난달에는 미술계 최초로 문학과 회화를 접목한 장편소설 《라포르 서커스》를 출간했다. 곡예에 재능을 갖고 태어나 어느 무대에서건 돋보이던 쌍둥이 형 라포와 그 밑에서 그림자처럼 살아가는 동생 라푸가 겪는 좌절과 슬픔을 차지게 다뤘다. 라포르(rapport)는 두 사람 사이의 긴밀한 교감 혹은 신뢰감을 뜻하는 심리학 용어다. 단순한 언어에 의한 의사소통을 넘어 서로 친밀한 관계의 서커스 단원들의 관계를 빗대어 표현했다는 게 그의 설명이다.박씨는 6년 만에 마련된 이번 전시의 주제를 소설책 제목과 같은 ‘라포르 서커스’로 정하고 서커스단의 흥미진진한 이야기를 르네상스 회화기법으로 묘사한 회화와 조각 20여 점을 걸었다.소설을 더 쓰고 싶다는 그는 “현실과 비현실의 모호한 경계에 존재하는 듯한 상황들을 화폭에 표현하노라면 그윽한 이야기가 절로 피어오른다”고 했다. 그래서일까. 그의 그림에는 삶에서 보고 듣고 느낀 서사적인 스토리와 그리스 로마 신화에 대한 이야기, 은빛으로 반짝이는 역사적 일화가 많다.그는 늘 ‘문학가의 눈’으로 세상과 만난다. 젊은 시절 마음의 창에 각인한 문학적 상상력을 시각예술로 반추하고 되살려낸다. 자신이 상상해낸 이야기에 신화적 이미지 혹은 역사적 일화를 얹어 ‘어디에서도 본 적 없는’ 그러나 ‘존재할 것 같은’ 날것들을 캔버스에 불러낸다. 가상의 서커스단, 사람과 대화하는 파란 원숭이, 머리에서 나무가 자라는 동물 조련사 등이 자주 등장하는 이유다. 박씨는 이런 소재를 ‘마술적 리얼리즘’이라는 단어로 표현했다. “인물들은 현실과 환상 사이 어딘가에 존재하는 것처럼 보입니다. 현실에는 결코 존재할 수 없는 인물과 상황들을 납득할 수 있는 하나의 세계로 그려낸 거죠.”서양 고전회화를 빼닮은 화법 역시 묘한 긴장감을 자아낸다. 뚜렷한 명암 대비를 통한 입체감과 극적인 구도를 연출한 박씨의 그림은 그래서 처음에는 낯익다. 그러나 작가가 빚어낸 형상을 하나하나 뜯어볼수록 그림은 다시 낯설게 느껴진다. 전시는 다음달 25일까지.김경갑 기자 kkk10@hankyung.com
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선술집·닭·누드… 70년대 화끈한 퍼포먼스 예술을 추억하다

1970년대 한국 화단에선 단색조 회화가 유행처럼 번졌다. 유럽의 앵포르멜과 미국 미니멀리즘, 일본의 모노하(物派) 등 추상미술의 영향을 받은 결과였다. 당시 한국의 젊은 작가들은 외래 사조의 모방적 미술에 도전장을 던지며 개념미술, 행위예술, 설치미술 등 다양한 실험을 시도했다.서울대 미대를 갓 졸업한 20대 청년 이강소 역시 실험적 미술에 빠져들었다. 1970년 탈장르 예술가 집단 ‘신체제’ 그룹을 결성한 그는 AG(아방가르드협회)그룹전에 참여하고 ‘해프닝’이나 ‘이벤트’ 형식의 한국 특유의 행위미술을 본격 쏟아냈다. 1973년에는 서울 명동화랑에서 첫 개인전을 열어 ‘소멸’을 테마로 전시장을 술집처럼 꾸몄다. ‘선술집’이란 입간판을 내걸고 관람객에게 막걸리, 안주를 제공하며 단절된 사회의 소통을 제안했다. 1975년 제9회 파리청년비엔날레에선 전시장에 닭을 풀어놓은 퍼포먼스로 유럽 미술계에 신선한 충격을 줬다.◆한국 행위미술의 재조명실험적 행위미술을 국내외 무대에 소개하던 청년이 이제 인간의 본질, 역사와 현실을 꿰는 추상미술을 붙들고 정진하는 75세의 백발이 성성한 화가가 됐다. 지난 24일 서울 사간동 갤러리 현대에서 시작한 ‘이강소-소멸’전은 1970년대 작업한 다양한 그의 아방가르드 예술을 40여 년 만에 다시 펼쳐보이는 자리다. 작가의 실험 정신과 식지 않는 열정은 물론 최근 국제 미술계가 관심을 보이는 한국 행위미술의 본질을 탐구하고 재조명하는 성격의 전시회여서 더욱 주목된다.오는 10월14일까지 이어지는 이 전시회에는 ‘닭 퍼포먼스’ ‘선술집’뿐만 아니라 석고와 시멘트로 갈대를 박제한 작품, 누드 퍼포먼스, 사과 유통 과정을 담은 이벤트 등 10점과 당시에 촬영된 기록사진이 나와 있다. 회화 조각 등 전시가 끝나도 작품이 남는 다른 시각예술 분야와 달리 기록으로만 존재해온 행위예술의 묘한 매력을 감상할 수 있다.26일 전시장에서 만난 이 화백은 “세계 미술무대에서 한국이라는 국가가 가진 미학적 정체성은 무엇인지, 어떻게 서구와 다른 독자성을 획득할 것인지에 대한 사유와 실험, 고민을 재현했다”며 “현대미술이란 누구나 느낄 수 있고 쉽게 받아들일 수 있어야 한다”고 말했다. “나는 멍석을 까는 작가입니다. 이후는 관람객 몫이지요.”세월은 흘러 세상이 변했지만 전시장에서는 40여 년 전 사회적 이벤트와 해프닝을 다룬 작품들이 한국 미술의 정체성을 관통하며 서사적인 매력을 뿜어낸다. 1971년 제2회 AG그룹전에 출품한 ‘여백’은 낙동강 일대의 갈대를 흰 석고와 시멘트로 형상화해 박제된 자연을 통해 상실과 죽음의 이미지를 상기시킨다. 작가는 “1970년대의 정치적 현실을 마주할 때 오는 허무감, 존재감, 세계를 보는 회색적 시각을 의미한다고 볼 수 있다”며 “실존의 문제를 다룬 작품”이라고 설명했다.1974년 대구에서 열린 ‘한국실험작가’전에 출품한 사과 유통 퍼포먼스 ‘생김과 멸함’도 재현했다. 전시장에 ‘1개에 2000원’이란 제목을 붙인 다음, 멍석에 사과 200여 개를 쌓아 두고, 유니세프기금 마련을 위해 지폐나 동전을 담을 그릇을 배치했다.◆행위미술에서 탄생한 추상회화이 화백의 퍼포먼스와 영상작품에는 그림을 평생 붙들어 매겠다는 몸부림 같은 게 묻어 있다. 작가가 1977년 직접 참여한 누드 퍼포먼스 ‘회화’는 흑백사진으로 ‘소환’했다. 벌거벗은 자신의 몸에 물감을 칠하고 캔버스 천으로 닦아낸 흔적을 통해 회화의 본질을 파고들었다. 유리에 물감을 칠하는 화가의 모습을 담은 같은 제목의 비디오 영상작품 ‘회화’ 역시 그림의 원초적 생명력을 가볍게 터치한다. 빨강, 파랑, 검정 등 다양한 물감이 유리에 칠해질수록 화가의 모습이 물감에 가려 화면에서 점점 사라져가는 게 흥미롭다.1943년 대구에서 태어난 이 화백은 1970년대 다양한 퍼포먼스와 실험적인 작업들을 거친 뒤 평면 회화, 조각, 사진 등 다양한 장르를 넘나들며 작업해왔다. 1980년대 후반 평면 회화에 몰두한 그는 캔버스를 헤엄치는 오리를 즐겨 그려 일명 ‘오리 작가’로 유명해졌다. 회색의 선과 면으로 유려하게 그려진 ‘오리 그림’은 인간의 행위(묘사)는 물론 문학적 스토리(질감)와 철학까지 추상적 색채미학으로 아울렀다. 미술평론가들이 ‘이 화백의 그림을 관찰자의 상상력을 잔잔한 호수에 드리우도록 절묘하게 매혹하는 시인의 서정적 판타지’라고 평하는 까닭이다.김경갑 기자 kkk10@hankyung.com
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거울과 네온등의 마술… "인권 탄압의 아픈 기억, 빛으로 승화"

‘조명등과 거울’은 칠레 출신 아티스트 이반 나바로(46)의 예술세계를 설명해주는 키워드다. 1972년 칠레 산티아고에서 태어난 그는 이듬해 쿠데타로 집권한 아우구스토 피노체트의 군사독재 정권 아래에서 유년시절을 보냈다. 야간 통금과 정전으로 시민들을 통제하던 당시, 자유를 갈망하는 시대를 살며 그는 자연스레 민주주의와 역사의 의미를 고민했다.1997년 미국으로 이주한 뒤 뉴욕을 거점으로 활동하던 그는 차이나타운을 걷다가 건물 벽에 매달린 별 모양의 램프에서 별이 끝없이 이어지는 것을 보고 ‘아, 이거다’ 싶었다. 그때부터 거울과 조명, 네온, 백열등을 작품 소재로 활용해 피노체트 정권의 어두운 기억을 빛으로 은유하기 시작했다. 2009년 베니스 비엔날레 칠레관 대표작가로 참가해 세계적인 주목을 받은 그는 빌바오구겐하임미술과 뉴욕구겐하임미술관을 비롯해 런던 헤이워드갤러리, 워싱턴 허시혼미술관에 잇달아 초대되며 ‘네온 아트의 선구자’로 평가받았다.‘빛의 미술가’로 불리는 나바로가 지난 20일 서울 사간동 갤러리 현대에서 개인전을 시작했다. ‘물 속에 비친 달(The Moon in the Water)’을 주제로 4년 만에 여는 이번 전시에는 거울과 조명을 활용해 분열된 건축적 구조를 끊임없이 반복시켜 무한한 공간의 환영을 만들어낸 작품, 시각과 청각을 자극해 사회정치적 비판과 희망의 메시지를 전하는 작품 등 최근작 14점을 선보인다. 실험적 현대미술을 탐미한 네온아트 1세대의 조형미를 감상할 수 있다.22일 전시장에서 만난 작가는 “이번 작품들은 그동안 나 자신이 경험하고 추구한 것 중 하나하나의 에센스들을 담아 표현하려고 했던 것”이라면서도 “관람객들이 이를 이해하기보다는 경험하기를 바란다”고 말했다.공감각적인 요소에 집중한 작품들은 ‘절망과 희망’ ‘추락과 비상’ 등을 상징하며 민주주의와 사회구조, 언어가 어떻게 자유와 억압을 만들어내는지를 묻는다.전시장 지하 1층에 설치된 다양한 크기와 형태를 가진 드럼에 조명과 거울을 결합한 작품은 언어의 모호함과 음악이 지닌 사회적 권력을 조곤조곤 이야기한다. 드럼은 소리를 내지 않지만 빛과 반사 거울을 이용해 BOMB(폭탄), BEAT(통제) 등 단어들을 무한하게 반복시키며 전쟁과 침략, 저항에 대한 메타포를 끊임없이 던진다.작가는 드럼을 선택한 이유로 “북이나 드럼은 군대 행진곡 연주에서 많이 쓰인다”며 “군사독재 체제에서 자라났기에 그런 비트를 이용한 음악에 익숙한 것 같다”고 설명했다.사각 상자 형태의 또 다른 작품 ‘다음 전쟁은 어디서(Where is The Next War)’는 통제의 수단이 됐던 빛을 역으로 자유와 희망으로 은유한 대표작이다. 옵아트의 대가인 요제프 알베르스의 ‘정사각형에 바치는 경의(Homage to the Square)’에서 영감을 받았다. 무한적으로 증가하는 정사각형들은 깜빡거리며 다양한 문장을 쏟아낸다. 언어는 빛이 가득한 양심이자, 겉모습과 진실 사이의 슬픈 기억들의 틈 같은 중의적 의미를 담고 있다는 게 작가의 설명이다. 미국 조각가 토니 스미스의 작품 ‘죽음’에서 영감을 받은 ‘다이 어게인(Die Again)’, 원과 삼각형 등 기하학적 형태로 제작한 신작 ‘허영(Vanity)’ 등도 피노체트 독재 아래에서 겪었던 심적 트라우마를 이야기 그림처럼 보여준다.작가는 “칠레 독재 시절 고문과 인권 침해, 사형, 이주 등 사회정치적 상황에 관심을 갖기 시작했고, 이런 관심은 최근 언어와 사회의 상호관계, 커뮤니케이션 등 사회 이슈로 확산되고 있다”고 말했다. 전시는 6월3일까지. (02)2287-3500김경갑 기자 kkk10@hankyung.com